Índice: 1. Pintores Relevantes Honore Daumier ( Diapositiva 68) Jean François Millet ( Diapositiva 912) Manet (Diapositiva 1317) Claude Monet (Diapositiva 1822) Renoir (Diapositiva 2325) Hilaire-Germain-Edgar.
Download ReportTranscript Índice: 1. Pintores Relevantes Honore Daumier ( Diapositiva 68) Jean François Millet ( Diapositiva 912) Manet (Diapositiva 1317) Claude Monet (Diapositiva 1822) Renoir (Diapositiva 2325) Hilaire-Germain-Edgar.
Índice: 1. Pintores Relevantes Honore Daumier ( Diapositiva 68) Jean François Millet ( Diapositiva 912) Manet (Diapositiva 1317) Claude Monet (Diapositiva 1822) Renoir (Diapositiva 2325) Hilaire-Germain-Edgar de Gas (Diapositiva 2429) Redón ( Diapositiva 3033) Cézanne ( Diapositiva 3437) Seurat ( Diapositiva 3842) VICENT VAN GOGH (Diapositiva 4347) Gauguin ( Diapositiva 4851) Kandinsky ( Diapositiva 5256) Matisse ( Diapositiva 5360) Braque ( Diapositiva 6063) Diego Velázquez ( Diapositiva 6468) Goya ( Diapositiva 6972) Miró (Diapositiva 7376) Picasso (Diapositiva 77 81) 2. Escultores importantes Algardi ( Diapositiva 8387) Canovas ( Diapositiva 8791) Antelami ( Diapositiva 9294) Donner ( Diapositiva 9597) Bernini ( Diapositiva 98100) Cordier ( Diapositiva 101104) Ferenczy ( Diapositiva 105106) Corradini ( Diapositiva 107109) Bosio ( Diapositiva 110111) Berruquete (Diapositiva 112 114) 3.Fotógrafos Abott (Diapositiva 116118) Arbus (Diapositiva 119123) Baileys ( Diapositiva 124 126) Lange ( Diapositiva 127129) Adams ( Diapositiva 130133) 4.Artistas libres Peter Paul Rubens (Diapositivas 135137) Sandro Botticelli( Diapositivas 138141) John Brett( Diapositivas 142144) Georges De La Tour ( Diapositivas 145147) Caravaggio (Diapositiva 148150) (Nació en Marsella 1808- Valmondois 1879). Fue Caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor francés. Caricatura de Felipe de Orleans como Gargantúa. Daumier estudió dibujo y su carrera artística comenzó con dibujos publicitarios para la revista “La Caricature”, con la que desarrolló una gran fama por sus litografías de descarnada sátira política. Esta obra suya provocó su encarcelamiento durante seis meses. Sus obras: Destacan por su gran crudeza y dramatismo que tratan lo cotidiano desde una óptica muy marcada de protesta social. Entre sus principales obras, no fechadas, se incluyen: El levantamiento La república 1848 Vagón de la tercera clase Jean-François Millet Jean-François Millet (1814 Normandía-1875 Barbizón) Fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizón(Francia). Destaca por sus escenas de campesinos y granjeros. Millet comenzó su enseñanza académica con Paul Dumouchel, y con Jérome Langlois en Cherbourg. Más tarde recibió influencias de Daumier, de él aprendió el sentido del contraste de luces y sombras y la creación del cuerpo humano con simplicidad de volúmenes. En 1849 entró en Barbizón, en la cual conoció a Théodore Rousseau, artista con el que comparte las características de su estilo. Sus obras: En cada una de ellas destaca su afán por la naturaleza y zonas agrestes donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Destacan: “El Ángelus” “Camino al trabajo” Las espigadoras (Museo de Orsay de París). Aquí se observa la fatiga de la mujer que ya no puede agacharse del todo por el dolor de su espalda. A pesar de lo dramático, Millet da una visión edulcorada de lo que es la vida del campo, recreándose en lo que éste tiene de idílico y pastoral. A esta edulcoración contribuye la luz mágica que utiliza. Una luz que parece congelar el tiempo para que sus figuras queden suspendidas en la eternidad de la pintura. MANET Édouard Manet (1832 Paris-1883 Paris) fue pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo. Estilo e influencias Su estilo impresionista y el largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida. Estudió con Thomas Couture y se vio influenciado con otros autores como , Diego Velázquez y Francisco de Goya. En 1866 se le unió el joven grupo de pintores impresionistas, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Relenoir, Alfred Sisley y Camille Pissarro. Destacó por el arte académico y el arte rebelde. Sus obras En 1863 su famoso La merienda campestre (Musée Orsay, París) fue exhibido en el Salón de los Rechazados, una nueva sala de exposiciones abierta por Napoleon III accediendo a las protestas de los artistas rechazados en el Salón Oficial. El “Lienzo de Manet” que representaba una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres completamente vestidos atrajo inmediatamente la atención general, pero fue atacado con dureza por los críticos. En 1864 el Salón Oficial aceptó dos obras suyas, y en 1865 expuso su “Olimpia” (1863, Musée Orsay), desnudo basado en una Venus de Tiziano Y “La amazona de frente” (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), lienzo inacabado, que muestra la firmeza de construcción del pintor y su tendencia o contraponer grandes masas de color claras y oscuras. Folies-Bergère El bar del “FoliesBergére”(Courtauld Institute Galleries, Londres), fue expuesta en el Salón, y un viejo amigo, el ministro de bellas artes, consiguió para el artista la Legión de Honor. Claude Monet Claude Monet (1840,Paris -1926, Giverny)fue un pintor francés que a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Evolución de su estilo 1. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. 2. SU IMPRESIONISMO estaba centrado en la representación del momento fugaz e irrepetible, en la existencia y no en la esencia, en la atmósfera, el aire y la luz. “ Todas las cosas que contemplamos no son inmutables sino que nuestra percepción de las mismas cambia según las contemplemos, Solo esto le permitirá conocer profundamente ese escenario si entra en contacto con el en todas las condiciones atmosféricas y lumínicas” 3. A Monet le atrae mucho todo lo que está sujeto a cambios, por lo que pinta flores, nieve, agua, nubes etc. Pinta paisajes naturales,urbanos, escenas de ríos, estanques, lagos, catedral.. Sus obras: IMPRESSION: SOLEIL LEVANT: Del título de este cuadro se generalizó la palabra impresionismo para todos estos pintores que en torno a 1870 tenían características comunes. En un paisaje gris perteneciente a un triste puerto comercial ,destaca con fuerza un sol anaranjado en el momento del amanecer. Grúas, barcos y chimeneas son monocromáticos porque este sol aún no ha iluminado los objetos y por eso parecen del mismo tono grisáceo. Pinceladas sueltas que no permiten apreciar nada a corta distancia pero que configuran la escena perfectamente a mayor distancia de observación. La dama en el jardín Dama en el jardin: Sobre un jardín con bellos parterres de flores y arbustos pasea un refinada señora vestida de blanco y protegiéndose del sol primaveral con una sombrilla. Bañada en luz, proyecta sombra sobre el césped puesto que los rayos solares le inciden oblicuamente. Esa misma luz solar resalta hojas y flores y deja en penumbra acusada las zonas a resguardo. “La Urraca” Auguste-Renoir Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 en Limoges- 3 de diciembre de 1919), es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna Obras: En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París,1834 – ibídem,1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel. Su estilo: Admiraba a Ingres y los maestros “Las bailarinas” del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix. Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo, trata temas como urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural y abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel. “El barreño” A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Una de sus obras, a la que llamó “La pequeña bailarina de 14 años”, fue la única escultura de cera exhibida por Edgar Degas en una exposición. “ La Orquesta” Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888. Redón Odilon Redon (Burdeos, 1840– París,1916) fue grabador, dibujante y pintor simbolista. Es considerado un pintor postimpresionista, dentro de la corriente del simbolismo, aunque también se le considera como uno de los primeros precursores del surrealismo. 1884 se convirtió en un personaje público a raíz de la aparición de una novela en la que el protagonista coleccionaba dibujos suyos al carboncillo. A partir de 1890 se inició en la pintura, caracterizada en el aspecto técnico por el uso del óleo y el pastel y en lo temático por visiones fantasiosas. Al ser considerado simbolista y precursor del surrealismo destaca el decorativismo de sus obras, impregnadas de un cromatismo vivo y delicuescente de sublime belleza, como por la evanescente irrealidad de sus composiciones. OBRAS Entre sus obras cabe destacar sus series de litografías Homenaje a Goya (1885), y La tentación de san Antonio (1888-1896), “La Noche” También cabe destacar los cuadros Retrato de Mme. Odilón Redón, Retrato de Gauguin y El Sagrado Corazón. También es autor de la decoración mural del castillo de Domecy y de la abadía de Fontfroide. Paul Cézanne Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906), pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX. Es autónomo y solitario, concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Estuvo al margen de las exposiciones, realizó su labor de forma aislada hasta que en 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue admirado sólo por unos pocos impresionistas y al final de su vida por los “nabis” o “la escuela de PontAven”. SUS OBRAS Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor. Llega a París en 1861, allí es donde Zola le orienta. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán, Velázquez... . También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. Una referencia es Delacroix, en él encontró una pintura apasionada, vehemente, de contenido literario, muy importante para su primera etapa. “La casa del ahorcado” “Mardi gras” “El mar en L’ estanque” GEORGES SEURAT Georges Pierre Seurat 1859-1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes y en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras de Rafael, Holbein y Poussin. Fue el creador del “puntillismo”. Su estilo y su obra Rechazó el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. “Los bañistas” Una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico. Otras obras son: “Las modelos”(1888, Colección Barnes de Filadelfia) “La parada” (1889, Colección de Stephen Clark, Nueva York) “El chahut” (1889-1891, Museo Kröller-Müller, Otterlo, Holanda) “El circo” (1890, París, Museo del Louvre) y “ les Angelys” ( este último de la fotografía) VICENT VAN GOGH ( Países Bajos,1853 –Francia, 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. BIOGRAFÍA Vicent Van Gogh ha sido considerado el arquetipo del artista marginal en el que convergen creatividad y locura, Toda su vida fue un continuo infortunio, no formó una familia, no fue capaz de ganarse la vida, e incluso no pudo entrar en contacto con sus semejantes. Tuvo el apoyo incondicional de su hermano Theo. destacan sus cartas para Theo de las cuales se conservan 650 de sus 800. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Pérdida de la oreja: Van Gogh visitó a Gauguin, y conforme pasaron las semanas empeoró la convivencia debido a sus diferencias personales. El 23 de Diciembre de 1888 ambos artistas tuvieron un altercado en el cual Van Gohg agredió a Gauguin con una navaja, y por la noche del disgusto se cortó el lóbulo de la oreja, el cual regaló a una protituta. Otra versión de esta pérdida es que en el forcegeo Gauguin se la cortó con su daga. Sus obras y su estilo El autor fue uno de los principales exponentes del posimpresionismo(es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX, posteriores al impresionimo. Este término acuñado por Fry engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.) “LOS COMEDORES DE PATATAS” Sus obras: Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. “NOCHE ESTRELLADA” “LOS LIRIOS” Paul Gauguin BIOGRAFIA Pertenecía a una familia liberal, la feminista socialista Flora Tristán era abuela de Paul Gauguin por parte de madre. De pequeño huyó a América por un golpe de Estado de Napoleón III. Más tarde, volvió a Francia y embarcó en la marina mercante y posteriormente en la Armada francesa. Años mas tarde se casó y formo una famila. Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. Empezó a interesarse por la pintura dejando todas sus dedicaciones anteriores para emplearse de lleno en este mundo. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y el ya mencionado Pissarro. Trabajó y convivió con importantes artistas de su época, se trasladó a Polinesia, finalmente, tras conseguir éxito, ya arruinado y enfermo muere. ESTILO Y OBRA Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del siglo XIX. Gauguin es el ejemplo que representa el mito del bohemio y del primitivismo. Él encarna la necesidad de unir arte y vida. Esta es una utopía presente en la vanguardia. Su pintura tiene un gran componente ético. Gauguin rechaza la cultura de Occidente y abandona la civilización en pro de los pueblos primitivos. Rechaza lo académico, valora la máscara africana, el arte románico y todas aquellas tendencias que estaban fuera de lo habitual. Él valora este tipo de arte no por lo que tiene de curioso y diferente, sino por su autenticidad. Él ante todo busca el encontrarse a sí mismo. Primero se movió en el Impresionismo, pero pronto evidenció un marcado antinaturalismo más sensible al poder evocador de los objetos y su carga emocional. Su pintura es casi un misticismo, ya que intenta desentrañar el sentido verdadero de la realidad. “La bella Ángela” “Cristo Amarillo” “VISIONES DESPUES DEL SERMÓN” Vasíli Kandinsky Wassily Vasílievich Kandinsky (Moscú,1866 Neuilly-surSeine,1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. El avance de Su estilo: Su interés principal eran la cultura primitiva y las manifestaciones populares de su país natal. En 1896 decide trasladarse a Munich a estudiar pintura, asistiendo a las clases de F. Stuck. Desde estos comienzos, se puede notar su interés por el color y encontrarse además ciertos rasgos del postimpresionismo y el fauvismo. A comienzos del 900`realiza varios viajes alrededor del mundo y funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas, donde se da cuenta que el objeto representado en sus obras era, no sólo secundaria, sino que además era perjudicial para su trabajo ya que lo que resaltaba realmente eran la simplificación formal y la riqueza cromática. Su abstracción El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas. Luego se caracterizan las obras que agrupó en tres categorías diferentes: 1.Las impresiones, cuya inspiración parte de la naturaleza; 2.Las composiciones que mezclaban lo intuitivo con rigor compositivo 3.las improvisaciones, creadas con las emociones internas. “EN EL AZUL” En esta obra se muestra Claramente la abstracción, desarrollada por el pintor “EN EL ÓVALO CLARO” “DE LAS FRIAS PROFUNDIDADES” Henri Matisse Henri Émile Benoît Matisse (1869 - 1954) fue un dibujandte, grabador, escultor, pero principalmente como pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Henri Matisse, pintor francés que destacó en el impresionismo fauvismo y puntillismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse; 1905). Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. OBRAS: “La blusa romana” “Georges Braque” Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes. Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuilsur-Seine, cerca de París. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa Sus obras: “violín y jarra” “Bodegón con Mantel rojo” “Puerto de Amberes” DIEGO VELÁZQUEZ Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Su estilo y sus Obras Realiza sus obras en la primera mitad del siglo XVII. Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia. Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez son: 1.Empleo de la perspectiva aérea. 2.Profundidad. 3.Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. Por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y se nota en los numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros. La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana (un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio) y la madrileña. Sus pinturas: Este cuadro está considerado como una de las más grandes obras de la historia del arte, uno de sus secretos es el hacer algo relevante de una escena cotidiana. Velázquez, que fue llamado el pintor del "aire", refleja en él su propia jornada de trabajo: en el espejo de la pared trasera se reflejan el rey y la reina que es el tema de la pintura sobre la que está trabajando; la princesa mirando a sus padres, rodeada de sus ayudantes y al perro de la familia. Aparecen en el cuadro el rey Felipe IV y la reina Mariana de Austria (reflejados en el espejo), La Infanta Margarita (en el centro) rodeada de Isabel Velasco y Agustina Sarmiento (las meninas), en la parte derecha del cuadro los enanos María Bárbola y Nicolás Pertusato, este último entreteniéndose con el mastín situado a sus pies. Al fondo, justo en el punto de perspectiva de la composición, aparece el aposentador de la Reina y el caballero Don José Nieto debajo del quicio de la puerta. Por último, casi en penumbra aparece el pintor tras de su lienzo. “Las Meninas” “El príncipe Baltasar Carlos a caballo” Pintado en 1635, esta obra sitúa al Infante Baltasar Carlos montando a caballo en los jardines del palacio del Buen Retiro. Las influencias italianas de Tiziano son evidentes, el claroscuro del paisaje y la figura, la sobre iluminación del torso del príncipe... Es de destacar la pincelada a precisos impulsos y con distintos empastes con la que trabajó el paisaje de fondo “Las hilanderas o la fábula de Aracne” Pintado sobre 1644-48 Es una obra de sus últimos años, que representa la fábula de Aracne. La composición de las hilanderas consiste, como las obras posteriores, en situar el tema principal (mitológico) en el fondo (la Fábula de Aracne), como si fuese un complemento del tema frontal de la pintura (las hilanderas trabajando). Velázquez sintetiza este trabajo con un extraorinario conocimiento de las posibilidades pictóricas y del sublime conocimiento del espacio y de la perspectiva. La obra fue ampliada posteriormente con añadidos no realizados por Velázquez, en su parte superior, derecha e izquierda. Francisco de Goya Francisco de Goya y Lucientes (Zaragoza,1746– Burdeos, 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Su estilo: Goya estuvo influenciado por numerosos artistas como Manet, Picasso o Velázquez y la pintura contemporánea. Formado en un ambiente artístico rococó; posteriormente una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original y lo lleva a evolucionar hacia la estética románica. A lo largo de su vida y en cuanto a su situación social y política de la época desarrolla un estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808 en Madrid,los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el momento en que fueron realizadas. Obras destacadas: “La familia de Juan Carlos IV” ”Saturno devorando a un hijo” “El III de Mayo” Joan Miró Fue pintor, escultor, grabador y ceramista. Estuvo vinculado a los principios del surrealismo, por lo cual firmó el Manifiesto (1924). Sus obras extraen motivos de la memoria y del subconsciente con gran fantasía e imaginación, hallándose por ende entre las más originales del siglo XX. Su obra: Hasta 1919 su obra mostró una amplia gama de influencias, entre las que se destacaron los fauvistas, el cubismo y los frescos románicos catalanes, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Sus obras extraen motivos de la memoria y del subconsciente con gran fantasía e imaginación, hallándose por las más originales del siglo XX. “Constelación, despertando al amanecer” “El carnaval del Arlequín” “La Masia” Pablo Picasso Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881 Mougins,1973), conocido como Pablo Picasso, fue dibujante, realizó grabados, ilustración de libros, cerámica, el diseño de escenografía y vestuario pero destacó como un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Realizó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Su obra: Se distinguen tres periodos: 1."El periodo azul" comprendió desde 1900 a 1904. Es caracterizado por el uso de diversas cortinas del azul que subrayan el estilo melancólico de sus temas ; gente sufriente enmarcadas en cuerpos finos, medio hambrientas, etc. El estilo de pintura de éstos años, defiende a Picasso de quienes critican su modernismo extremo de su último período. 2. “El periodo rosa” de Picasso, desde 1905 hasta mediados de 1906, su estilo cambió drásticamente al observado en el período azul, su obra se movió hacia tonalidades rosas , con temáticas cercanas al mundo del circo. 3. “El periodo cubista” los temas se reducen a las formas geométricas básicas. En una versión más avanzada del Cubismo, llamada cubismo sintético , varias vistas de un objeto o una persona se muestran al mismo tiempo , desde diversas perspectivas de un mismo cuadro. “Ciencia y Caridad” “Hombre sentado” “EL GUERNICA” Alessandro Algardi Alessandro Algardi (Bolonia, 1595Roma, 1654) fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini. Este escultor barroco fue sucesor de Lorenzo Bernini en la corte papal de León XI. Primeramente estudió con el pintor y diseñador gráfico boloñés Agostino Carracci para luego derivar a la escultura con el maestro Conventi. Ya a los 20 años, sus esculturas era requeridas por nobles como Fernando I, Duque de Mantua y por religiosos. Dentro y fuera de Roma le fueron encargados múltiples trabajos para iglesias. Su estilo y obras: La especialidad de Algardi son las escenas y alegorías religiosas como también mitológicas. Célebres son sus estatuas de metal, sobre-relieves y bustos en mármol. Algardi muestra un estilo particular en sus obras. Exagera la expresión corporal de sus personajes, logrando un realismo innovador para su época, cosa que acompaña con la perfección de formas y detalles. Tumba de León XI Este fue su primer gran encargo en 1634, el cardenal Ubaldini (Médici) le encargó el monumento funerario para su tío-abuelo, el papa León XI tercero de los papas de la familia Médici. El monumento se empezó en 1640, y estaba acabado en su mayor parte para el año 1644. Se presentaron una escultura central hierática del papa sentado con todos sus atributos y bendiciendo con la mano, mientras que a sus pies, dos figuras femeninas alegóricas flanquean su sarcófago “San Juan el evangelista” “Visión de San Nicolás” BIOGRAFÍA Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en mármol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es facil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo situan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana. Obras: Orfeo y Eurídice (1773) Grupo escultórico de Dédalo e Ícaro (1779) Apolo coronándose a sí mismo (1781) Teseo vencedor del Minotauro (1783) La Meliceci del Moiete (1782) Tumba del papa Clemente XIV (1784) Tumba del papa Clemente XIII (1792) Psique reanimada por el beso del amor (1793), París, Museo del Louvre Monumento fúnebre de María Cristina de Austria (1798-1805) Estatua de Esculapio Perseo con la cabeza de Medusa (1801) Monumento fúnebre de Vittorio Alfieri (1804-1810) Busto de Napoleón Bonaparte Napoleón como Marte Pacificador o Napoleón divinizado (1802-1806), Londres, Apsley House; copia en bronce en la Pinacoteca de Brera, Milán, 1811. Paulina Bonaparte (1807), Roma, Galería Borghese Hércules y Licas (1815) Las tres Gracias (1816), versiones en San Petersburgo (Hermitage) y Londres (Victoria and Albert Museum) Hebe (1816), Forlì Venus y Adonis “Venus y Martes” “Magdalena Penitente” “Paulina Borghese” Benedetto Antelami BIOGRAFÍA: Nació en Italia y trabajó en la ciudad de Parma. Escultor de estatuas y sobrerrelieves de mármol en estilo Romanesque de fines del período arquitectónico Románico y principios del Gótico. También arquitecto y decorador, Antelami y su padre reinaron en la escultura hasta la aparición posterior del célebre maestro Nicola Pisano, referente principal de la escultura clásica italiana. Benedetto Antelami agrega un nuevo dramatismo a la escenas, desconocido para su tiempo cuando era popular la formalidad y sencillez de la escultura románica. SUS OBRAS: Se le da el crédito de haber creado la decoración escultural de la Catedral de Fidenza y de la Catedral de San Giorgio. Se cree que su último trabajo pudo haber sido la ornamentación y construcción (parcial) de la iglesia de Sant'Andrea en Vercelli, cuya arquitectura es una triunfal combinación de elementos toscanos románicos con características góticas, estas últimas como lo son sus arbotantes, rosetones y bóvedas de crucería, obra que finalmente le valió un renombre perdurable. “Descenso de La luz” “Baptisterio en Parma” “Agosto” Georg Raphael Donner (1693-1741) Nació en Esslingen, Austria. Escultor ecléctico, pintor, grabador y ebanista del período Barroco, que concilia con refinado buen gusto los estilos manierista, rococó y neoclásico. Sus esculpidos principales incluyen altares tallados en marmol, fuentes de agua ornamentales, esculturas metálicas de plomo, bustos de madera y sobrerrelieves con cubierta de oro. Las esculturas de Donner fueron requeridas en Europa central por nobles, gobiernos e instituciones religiosas. Viena fue su lugar de trabajo principal. También realizó obras en Salzburgo y en Bratislava hoy capital de Eslovaquia. Sus obras: “Fuente Danubio” “La Piedad” “Musa recostada” BIOGRAFÍA: Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas. Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en mármol, es de un realismo exuberante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura. SUS OBRAS: “David” “Apolo y Dafne” “Constanza Bonarelli” NICOLÁS CORDIER Introducción: Nació en Saint-Mihiel, Francia. Fue pintor y escultor manierista, un estilo que para esa época era popular en el norte de Europa. A sus 25 años trabajaba para un noble en Lorraine y luego emigró a Roma donde desarrolló el resto de su carrera. Su estilo: MANIERISMO: Manierismo, estilo que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. Se caracteriza por el uso de modelos muy plásticos, figuras exageradas, a menudo con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio, con frecuencia de efectos dramáticos, y una aparente elección arbitraria del color. Supone el rechazo del equilibrio y la claridad del renacimiento en busca de composiciones más dramáticas y complejas, y el deseo de efectos más emotivos, de mayor movimiento y contraste El manierismo no fue una reacción contra los cánones del renacimiento, sino que creció fuera de él, cultivando casi en exceso el estilo (maniera, en italiano, palabra utilizada en su origen por Vasari) con el que la figura humana era tratada por los últimos maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel, cuyas obras proporcionaron el impulso para su desarrollo. Constituye un estilo con personalidad propia, es decir los demás artistas seguidores de este movimiento tomaban la referencia pero cada uno con aportaciones propias. Su Obra: Los trabajos que aun se conservan de Cordier son escasos pero suficientes para admirar su maestría. “SAN PEDRO” En la obra 'Las Tres Gracias', donde el estilo manierista aplicado a la escultura, alcanza su expresión máxima, se aprecia claramente la sensibilidad artística del maestro y a la vez, se puede observar la magnífica habilidad que posee para tallar el mármol. István Ferenczy (1792-1856) Obras: “ALEGORIA DE LA CENCIA” CORRADINI Nació en Padua en 1668, Véneto (Italia) y murió en Nápoles, 1752 Escultor de escuela veneciana estilo Rococó. Su calidad le llevó a realizar obras en países como Austria y Alemania. Las alegorías, mitología y temas religiosos fueron su especialidad. El estilo de Corradini no es un Rococó tan recargado como el clásico. Sus esculturas son dinámicas y al mismo tiempo proyectan serenidad. Realizadas con una perfección que sólo un gran maestro exhibe, en su época fueron la máxima expresión escultórica veneciana. Sus Obras: Sus obras se encuentran en el Sacramento “La mujer con el velo” del altar en la Basílica de San Marcos, Venecia, la estatua de San Marcos el Evangelista, actualmente en el Museo Correr, en el Louvre de París la escultura de La mujer con velo, en Praga el sepulcro de San Juan en la Catedral, en Roma en el Palazzo Barberini la Vestal Tuccia, donde trabajó desde 1740 hasta 1744, cuando se trasladó a Nápoles para trabajar en la capilla de Sansevero, encargo realizado por Raimondo di Sangro, VII Príncipe de Sansevero, que compartía la fe masónica. Para la iglesia napolitana de Santa María de la Piedad o «Pietatella», más conocida como Capilla Sansevero realizó: 1. Monumento a Giovanni Francesco de'Sangro 2. La decoración 3. Monumento a Paolo de'Sangro 4 “Santuario de San Juan” François Joseph Bosio (1768-1845) Nació en el principado de Mónaco. Escultor francés del período neoclásico europeo que realizó sus estudios en Francia e Italia. Creador de estatuas monumentales de metal y mármol como también de bustos para nobles, que lo hicieron famoso en su patria. Luis XVIII y Carlos X monarcas de Francia lo honraron en vida nombrándolo escultor oficial de sus respectivas cortes. Sus Obras: “ninfa de Salmacis” “Dios de los jardines” Alonso Berruguete (1488-1561) Nació en Paredes de Nava, España. Pintor y escultor manierista durante el renacimiento europeo. Recibió educación artística en Italia, donde adoptó el estilo de su contemporáneo Miguel Ángel. Vivió en Florencia y al regresar a su tierra natal, trajo consigo el estilo manierista, el que transmitió a sus pares, época en que el Renacimiento se introducía poco a poco en España. La escultura de Berruguete es ecléctica y mezcla estilos de varios otros artistas italianos célebres, entre ellos Rafael y Leonardo. Su especialidad fueron las obras decorativas para iglesia que superan largamente a trabajos de otros escultores ibéricos de la época. “Adoración de Magos” “Eva” “San Cristóbal” Berenice Abbot (1898, Springfield- 1991,Monson) Berenice Abbott Fue una fotógrafa estadounidense y que como otros grandes fotógrafos, no pensó nunca dedicarse a la fotografía. Su motivo de estudios fueron inicialmente la escultura y el dibujo Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva York, París y Berlín. En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget. En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el the Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939. Diane Arbus BIOGRAFÍA: Diane Arbus (Nueva York, 1923- Greenwich, 1971) fue una fotógrafa estadounidense. Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Se casa con Allan Arbus. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar Posteriormente toma clases con Lisette Model, La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents» Continua trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. SU ESTILO: La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso. Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza" Influenciada por Model y la película Freaks. OBRAS DESTACADAS: Child with Toy Hand Grenade in Central Park (1962) The twins Tras las huellas del suicidio BIOGRAFIA: David Bailey nació en Londres, el 2 de enero de 1938 , se formó en la fotografía como autodidácta, antes de servir en la Fuerza Aérea Real de Malasia en 1957. En 1959se convirtió en asistente de fotografía en el estudio de John French, antes de ser contratado como fotógrafo de moda para la revista Vogue. Junto con Terence Donovan, ayudó a crear el "Swinging London" de la década de 1960 que fue bien reflejado en su caja de PinUps(1964): un cuadro del cartel de 1960 impresiones de celebridades y socialités como Terence Stamp, The Beatles, y notorios mafiosos del East End The Kray twins. En 1966, se hizo la película Blow-Up. Bailey ha sido responsable de arte de grabar los álbumes manga, para los artistas como los Rolling Stones y Marianne Faithfull. Sus obras principales: Dorothea Lange Nace en 1895 en Hoboken, New Jersey. Con siete años contrae la poliomielitis. Le afecta a la pierna derecha, hecho que le marcará para toda la vida. Aunque se inició estudiando en la CLARENCE WHITE SCHOOL, de marcado carácter pictoricista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco. Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión. Trabaja para la Farm Security Administratión. Su obra es testimonio de la imagen más trágica de América, testimonio por otro lado lleno de compromiso, convencida de que sus imágenes podían ayudar a cambiar las cosas. Sus Obras: Ansel Adams Ansel Easton Adams (1902- 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. Conocido por: -Sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemit en Estados Unidos . - autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). -Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros. Sistema de zonas: Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio. Sus obras: Aspens, New Mexico, 1958. Ice on Ellery Lake, Sierra Nevada, 1941 Sus obras: Diana y el Calisto Mercurio y Argos Nació en el año 1445 en Florencia, su verdadero nombre era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora. Sandro Botticelli El nacimiento de venus La Primavera JOHN BRETT: Pintor británico. Influenciado por los prerrafaelistas, pintó paisajes de gran precisión, que revelan su interés por la minuciosa descripción de detalles geológicos o botánicos. Después de 1870, abandonó el estilo prerrafaelista y pintó marinas de la costa sur de Gran Bretaña en un estilo luminoso. The Stonebreaker Es el más famoso de los tenebristas franceses. Georges de La Tour recibió la influencia del pintor italiano Caravaggio, y debió conocer asimismo la obra de Carlo Saraceni o Orazio Gentileschi. En los cuadros de Georges de La Tour, el origen de la luz es concreto: una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras de Caravaggio, la luz provenía de un foco de origen impreciso. Trata temas religiosos, escenas de género y de devoción, todos ellos con el mismo estilo, hasta el punto de que algunos cuadros no es fácil distinguir si se trata de uno u otro, como puede verse en El recién nacido, que no se sabe si representa en realidad La Natividad. El Tramposo del As de Tréboles Caravaggio: Caravaggio pintor italiano es uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia como oposición a la corriente manierista triunfante durante el siglo XVI. En pintura Caravaggio hizo gran uso del claroscuro y sus pinturas trataban generalmente el tema religioso. No dudó nunca en fijarse como modelos para sus trabajos en prostitutas o mendigos. Caravaggio estuvo obsesionado por las cabezas cortadas, y tenía la creencia de que él iba a morir de esta manera, por eso reflejó su rostro como la cabeza de Goliat. Obras: El amor Victorioso La flagelación de Cristo La decapitación de San Juan Bautista BIBLIOGRAFÍA: He utilizado diversas fuentes de información, entre ellas: Diversos libros de la biblioteca municipal de Ubrique La biblioteca y la universidad de Huelva. De páginas de internet, entre ellas: http://www.museupicasso.bcn.es http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3578.htm http://www.epdlp.com/arquitecto.pdhp?id=16 http://www.spainselecta.com/index.htm?http://www.spainselecta.coml/joan_miro.htm./ http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3578.htm y las imágenes son obtenidas de “Google imágenes”. http:artespana.nosdomains.com/biografia/biografias.htm