Transcript LA PINTURA GOTICA

LA PINTURA GOTICA
FRANCOGÓTICO O LINEAL sig. XII- 1330
ITALOGÓTICO 1300-1400
INTERNACIONAL 1380-1450
FLAMENCO sig. XV
La PINTURA se analiza desde el punto de vista formal o
plástico, de su contenido y significado. Para ello ha de
conocerse el soporte (tabla, tela, muro...), la técnica
(fresco, óleo, acuarela...) y la estructura de la obra
(composición, perspectiva, tipo de luz y color).
A ello se une el contenido y significado de la pintura
(mágico, religioso, civil, paisaje…). Para la comprensión
de un tema es esencial el conocimiento de la
iconografía y comprender el significado de los signos.
La pintura posee una finalidad (decorativa,
conmemorativa, totémica, religiosa, didáctica…), que se
tiene que relacionar con una época histórica.
INTRODUCCIÓN: CONTEXTO HISTORICO
-Durante el Gótico se va a producir una evolución del pensamiento, el hombre deja de
obsesionarse sólo por Dios y descubre al hombre y a la naturaleza que le rodea, el arte
vuelve a la naturaleza, se hace “naturalista”.
-En la Baja Edad Media se redescubre al hombre, se produce el despertar del
“humanismo”, en pintura esto va a afectar a las figuras, que ahora se parecen y se
comportan como verdaderos seres humanos, se inclinan y giran, sonríen, se lamentan,
conversan, se comunican entre ellas.
-Importante en el triunfo del humanismo y el naturalismo fue la vuelta a la filosofía
aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino.
-Otro importante factor fue el desarrollo de las ciudades, que se convierten en foco de
atracción de la población rural y dan lugar a una nueva estructura social gracias a la
expansión de los artesanos y comerciantes, que permitieron el triunfo de la burguesía,
cuyas nuevas formas y estilo de vida repercutieron en un arte más rico y decorado.
- Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se extiende al resto de
Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo XV:
Durante la Edad Media el Románico y el Gótico fijaron el
llamado canon medieval.
Tradicionalmente siempre se consideró el renacimiento
como una ruptura con el lenguaje medieval en un salto
hacia atrás, recuperando el lenguaje clásico.
Es la definición más utilizada siguiendo las tesis de
Burckhardt: “Renacimiento: el renacer de la cultura clásica”.
Hoy en día, sin embargo, los especialistas consideran que
no fue tal ruptura, que el renacimiento no fue la luz tras la
oscura Edad Media.
Los nuevos valores renacentistas se pueden rastrear en el
tardo gótico y, especialmente, en el trecento con dos
artistas italianos: Simone Martini y Giotto.
Será en Italia donde artistas como Martini o Giotto inicien
nuevos caminos en la representación de los temas
religiosos.
La temática religiosa persiste, lo que cambia es su
representación. Fue Italia la cuna de los cambios por
evidentes razones:
1- Románico y Gótico siempre manifestaron claras
influencias clásicas.
2- Las ruinas clásicas están presentes en cualquier ciudad
italiana.
3- Las ricas ciudades italianas contratan a los mejores
artistas para realizar las obras. Artistas que para satisfacer
a sus clientes buscan la innovación. Entre estos artistas
tenemos que destacar a Giotto, que si como arquitecto es
conservador (campanille de Florencia) es como pintor
donde abrirá un nuevo camino.
CRONOLOGIA : APARICION DE LA PINTURA GÓTICA
El estilo de pintura GOTICO no apareció hasta el 1200 , casi 50 años más tarde que la
arquitectura y la escultura.
La transición del románico al gótico ocurrió en el sig. XIII en Inglaterra ,Francia y Alemania y
en el sig. XIV en Italia:
Las caracteristicas de la nueva pintura són:
•Son mas naturalistas y realistas , aproximándose a la imitación de la naturaleza que sera
mas tarde el ideal del renacimiento.
• La representacion del paisaje es poco usual, pero se inicia de forma incipiente.
• En las representaciones religiosas (Santos Angeles ,la Virgen o Cristo) se busca el plano más
humano que divino, y expresan emociones (placer, dolor , ternura etc.) alejándose del
hieratismo y el formalismo del Románico.
•Hay tambien lentos avances en la perspectiva
•Cambian los soportes y las técnicas. Se utilizan 4 técnicas principales:
•FRESCOS se continua la tradición románica de narrar historia sagrada sobre muros
•VIDRIERAS en el N de Europa són la forma artística mas importante en el XV
•PINTURA SOBRE TABLA comienza en italia en el sig. XIII extendiendose por toda Europa
•Las MINIATURA E ILUMINACIONES de manuscritos
PINTURA GOTICA: CARACTERISTICAS GENERALES
1.1. Precedentes
- Los precedentes de la pintura gótica hay que buscarlos en la pintura románica occidental, frescos,
frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y principalmente en la pintura y mosaicos
bizantinos, muy especialmente sus iconos.
1.2. Soportes y técnicas
- La pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a la sustitución de
los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas.
-Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros
con miniaturas, desarrollándose en una fase más avanzada del Gótico la pintura sobre la tabla.
- Las técnicas empleadas en pintura son
variadas, según los soportes: en pintura sobre
tabla el temple, con aglutinante de huevo o
colas, permite su aplicación con finos
pinceles, lográndose un gran detallismo y
colores más intensos y brillantes, y, a partir
del siglo XV, también el óleo, con aceites
como aglutinante del color, lo que permite el
repinte; y el fresco en las pinturas murales
allí donde siguen siendo importantes.
1.3. Elementos plásticos
- El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea
ritmos compositivos.
- Importancia del volumen, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego
de contraluces.
- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede
tener contenido simbólico.
- El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal lleno de
contenido simbólico.
- El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la preocupación por
el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico
internacional, pero serán sus primeros grandes maestros, en el XV, los pintores del
primer Renacimiento italiano y los primitivos flamencos, dentro de este tema
dedicado al Gótico pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros
dorados a base de pan de oro.
- La composición se basa en el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el
centro teórico del cuadro.
- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo
idealizado individual y expresivo, individualizándose los rostros, incluso en los
grupos, al igual que en la escultura.
1.4. Temática e iconografía
- La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de
Jesús, de la Virgen y de los Santos destacando entre estos los apóstoles y los
santos titulares.
- En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana,
desarrollándose ahora el retrato.
- Por último decir que la pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad
didáctica y devocional.
Pintura gotica Flamenca
El beso de Judas – Giotto /gotica
italiana Florencia
Van der Weyden son:
Descendimiento. (1420- 1426)
A) La vidriera se constituye la principal forma de pintura monumental, transforma la
arquitectura del momento y se convierte en el vehículo idóneo para expresar los
conceptos de la mística y el simbolismo del Cristianismo de los siglos finales de la Edad
Media.
-La técnica de las vidrieras comienza en Francia en el siglo XII: se montan los vidrios,
coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes en la pasta vítrea fundida o
posteriormente, sobre un bastidor emplomado, logrando el efecto de un mosaico
transparente.
-Su momento culminante fue el siglo XIII, con los grandes ciclos de Chartres, Reims o León.
Posteriormente evoluciona en paralelo a la pintura, mayor gama cromática, sustitución de
los personajes aislados por representaciones de carácter narrativo, etc.
-El edificio más importante en la evolución de la arquitectura gótica del siglo XIII, dentro del
proceso de sustitución del muro por paramentos translúcidos fue, sin duda, la Sainte
Chapelle de París.
-_ La dependencia de la pintura en la creacion de vidrieras fue enorme sobre todo en
Italia, donde ya desde el siglo XIV, fueron pintores tan reconocidos como Simone Martini,
Ghirlandaio, Ghiberti, Uccello, Andrea del Castagno, Donatello, etc., quienes comenzaron a
proporcionar cartones a los vidrieros. Esta dependencia de la pintura hizo que el arte de los
vidrieros italianos no tan fuera apreciado y valorado por sus compatriotas pintores como lo
fue en el Norte de Europa.
B) El retablo
Hizo su aparición en el siglo XIV. Al principio formaban trípticos con tablas o con imágenes y
tablas. Las imágenes se colocaban sobre peanas y todo el retablo estaba adornado con
doseletes y cresterías
-El retablo será el soporte gótico por excelencia, evolucionando al pasar de una tabla a dos
"díptico", tres "tríptico" o a muchas, "políptico". A veces las tablas laterales eran abatibles
con el fin de cerrar el conjunto, en este caso su cara exterior se pinta con tonos grises,
"grisallas", que semejan esculturas.
-El retablo hasta mediados del siglo XIV consistía simplemente en una serie de tablas
pintadas con sentido ilustrativo y descriptivo de la vida del santo titular, ocupando el centro
la efigie del mismo y a su alrededor, en pequeños recuadros, escenas de su vida.
- Pero en la segunda mitad del s. XIV el retablo pictórico ya está formado, es rígido, con
múltiples tablas, con una ordenación de base arquitectónica y con una distribución
iconográfica uniforme. Su organización es del modo siguiente:
+ En la predela o banco, parte inferior de
menor altura, pintan bustos de santos.
+ En el cuerpo central está representado el
tema principal de la obra.
+ En las calles o zonas verticales se recogen
las escenas secundarias o complementarias
del tema central, organizadas en cuerpos o
divisiones horizontales que forman
recuadros que se decoran con un marco
gótico trobolado y remate de tracería,
generalmente flamígero.
+ En las entrecalles, pequeñas tablas
pintadas con santos en unos retablos, y en
otros finas columnas o pilares. En ambos
casos rematadas con pináculos con
cardinas, decoración vegetal a base de
hojas.
+ Las cumbreras o espigas son los remates
superiores de las calles. En la central se
pinta, casi sin excepción, el Calvario, en las
restantes los temas no están fijados.
Atico- Calvario
Calle central
Calle
Predela
Tripticos
Triptico Gotico, Temple / Simone Martini ,
escuela de Siena
Políptico/Juan Van Eych
El Retablo del Cordero
Mistico
TRIPTICO- El Bosco / El Jardín de las Delicias
EL TRECENTO
PINTURA GOTICA EL trecento italiano, donde se muestra un mayor
interés por la belleza naturalista y el juego de volúmenes..
En los primeros años del siglo XIV , aparecen dos escuelas de pintura en la Toscana y
ambas constituyen el antecedente directo del Renacimiento Italiano: la Escuela Florentina
y la Escuela Sienesa.
De las dos, la más innovadora es la florentina y tiene a Giotto como su máximo
representante.
Giotto rompe con los convencionalismos de la tradición bizantina que imperaba
hasta entonces en Italia y su espíritu de observación de la realidad le distancia de
los maestros sieneses coetáneos. Las expresiones dramáticas de los rostros, las figuras
en movimiento y la gradación de sus colores suponen un avance sustancial, aunque sus
montañas sean convencionales, sus fondos aún dorados y su paisaje muy esquemático.
Él es la transición de la pintura gótica feudal y la renacentista en Italia. Ejemplo: La
Deposición del cuerpo de Cristo en la Capilla Scrovegni.
ESTILO FRANCOGÓTICO O LINEAL
ESTILO ITALOGÓTICO-ESCUELAS
FLORENCIA Y SIENA
ESTILO INTERNACIONAL O CORTESANO
ESCUELA FLAMENCA
ESTILO FRANCOGÓTICO O LINEAL SIG. XII-XIII
Es un estilo cortesano, que nace en las cortes de Paris y Borgoña, con clara influencia de las
vidrieras y las miniaturas .
CARACTERISTICAS:
•Predomina la linea sobre el color.Los gruesos trazos negros que delimitan los contornos
recuerdan a los cristales emplomados de las vidrieras.
•Son figuras sin volumen aunque menos hieráticas que las del románico
ESTILO ITALOGÓTICO O TRECENTISTA:
En el se fundieron las tradiciones del arte Bizantino con los primitivos estilos clásicos o Paleocristianos
en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte
románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba
Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva y por la
ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más
anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Se muestra
también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana.
Iniciado e Italia en el siglo XIV .
CARACTERISTICAS:
*Mantiene la influencia bizantina- (Monumentalidad , Simeria, y Hieratismo) pero
empieza a tener un cierto naturalismo
•La utilizacion de colores claros con formas de dibujo curvo y sinuoso la hacen mas dulce
y elegante.
•Se hacen los primeros intentos de conseguir el volumen y la perspectiva, se combinan
los fondos dorados con decoraciones paisajísticas y arquitectónicas.
•El desarrollo de la pintura en Italia es tal que llegan a distinguirse dos escuelas: la de
Florencia y la de Siena
SIENA: Destacan figuras como Duccio (la maestá ) Simone Martini y los hermanos
Lorenzetti. en españa destaca Ferrer Bassa y los hermanos Serra
FLORENCIA- Giotto di Bondone -PRECURSOR DEL RENACIMIENTO
Capilla de la Arena
Padua
Es la obra maestra de
Giotto
La impresión que les causó
la fidelidad a la naturaleza
de la obra de Giotto a sus
contemporáneos, fue
irresistible. La capacidad de
simplificar y ordenar la
experiencia de la realidad
para lograr la
representación directa de
las cosas, junto a la
disposición las historias en
compartimentos historiados
concebidos como ventanas
donde Giotto sitúa los
personajes cargados
todavía de un peso
escultórico que contrasta
con la elocuencia de sus
gestos. Sobre el fondo de
arquitecturas o paisajes
dibujados en complejas
perspectivas, Giotto
desarrolla el «espacio
pictórico», un ámbito de
tridimensional que se
extiende en profundidad por
detrás de la superficie
pintada en lo que es la
principal innovación de la
pintura del trecento y el más
importante avance que se
haya dado en toda la
Historia de la Pintura. Con
el espacio pictórico nace la
pintura moderna
..
ESCUELA DE FLORENCIA - GIOTTO
GIOTTO DI BONDONE se considera el precursor de la pintura renacentista
Discipulo de Cimabue iniciador de la escuela florentina
EL ENTIERRO DE CRISTO Capilla de la Arena Padua
AUTOR: Giotto
TITULO: El Entierro de Cristo
EPOCA: TRECENTO (1304-6)
ESTILO: Italo Gotico
UBICACIÓN: Capilla de la Arena Padua
FORMATO: Pintura mural al fresco (
sobre el estuco húmedo)
TEMA: Es una pintura religiosa Su
tema es el entierro de Jesús .
La novedad de Giotto di Bondone es
el tratamiento del tema.
Giotto redescubrió el arte de crear
ilusión de la profundidad sobre una
superficie plana.
Lo que le permitió cambiar el
concepto de la pintura.
La pintura libro de la EM deja paso a
la ilusión de que el tema religioso
ocurre allí mismo frente al
espectador.
TEMA: En este cuadro se ve a Jesucristo, descendido de la cruz, rodeado por las mujeres y los
apóstoles. Están juntos los rostro de Cristo muerto y de su madre María, quebrada por el dolor, que
mira intensamente el cadáver de su hijo. Las demás figuras expresan su dolor, cada una a su
manera: unas se muestran dobladas sobre sí mismas del dolor, otras hacen gestos. Así, san Juan
aparece con los brazos abiertos, mientras que María Magdalena, sentada en el suelo, coge con
afecto los pies del muerto. Incluso los diez ángeles que aparecen en el cielo, en escorzo, se unen a
estas diversas manifestaciones de la desesperación: lloran, se mesan los cabellos o se cubren el
rostro.
COMPOSICION: La composición del cuadro está al servicio del drama humano que allí está
ocurriendo en el centro el cuerpo desnudo de Jesús, cuya horizontal dispone al resto de
personajes.
El suceso tiene lugar en un paisaje abierto a donde acuden incluso unos ángeles que se unen al
dolor del momento. El grupo doliente del extremo izquierdo, de pie, compensa la elevación de la
otra parte, el macizo rocoso de la derecha.
Las actitudes de las santas mujeres, de Nicodemo, de San José de Arimatea o del Evangelista, son
un trasunto del dolor más extremo de María, que levanta con los brazos a su hijo muerto. Las
mujeres que se presentan de espaldas al espectador ayudan a dar la sensación de espacialidad,
junto con los colores, que se distribuyen en varios planos. Pero todo ello está figurado para ilustrar
más claramente el verdadero motivo del cuadro: las expresiones de dolor, tragedia y drama se
ponen al servicio de la composición, para mostrar el sufrimiento humano ante la muerte. Nunca en
la pintura anterior se había presentado una expresión más viva como en el arte de Giotto.
Los personajes cubiertos por amplias túnicas, construyen la escena en un espacio volumétrico y
espacial.
TECNICA: PINTURA AL FRESCO
LOCALIZACION : CAPILLA DE LA
ARENA , PADUA
TEMA: Religioso La Resurreccion de
Lazaro
La resurreccion de Lázaro- Giotto
DESCRIPCION La escena se basa en el
relato del antiguo testamento según el
cual ,Jesús resucitó a Lazaro q ue salió de
su tumba cubierto por el sudario.
La importancia y la novedad esta en el
tratamiento que Giotto hace de este tema
Cristo situado a la izquierda levanta su
mano bendiciendo a Lázaro que envuelto
en un sudario y muy palido está rodeado
por sus familiares , que lo observan
admirados.
Frente a Jesus y en el centro de la escena ,
Maria y Marta, las hermanas de Lazaro se
arrodillan ante Jesus como muestra de
agradecimiento.
Giotto consigue humanizar la escena y
hacerla verosímil y próxima al espectador
a la escena religiosa.
La figura de Cristo es del mismo tamaño que el resto . Jesus es un personaje más de la escena , una
escena en la que los personajes muestran su parte humana, sorpresa , agradecimiento ,
incredulidad etc.
El fondo ya no es el dorado neutro , sino un paisaje , que aunque muy escueto muestra el lugar la
puerta de la cueva donde había sido enterrado Lázaro, el dorado solo lo utiliza en las aureolas de los
personajes.
Las figuras están en movimiento expresando con sus gestos su reacción ante la escena, son rostros
individualizados .Los ropajesy las túnicas , muy clásicas están matizadas y los pliegues tienen
volumen.
Hay un intento de perspectiva geométrica, los personajes ocupan planos distintos y se tapan unos a
otros, y en primer plano hay un personaje inclinado sujetando la losa que es un intento de escorzo
La composición es triangular . los personajes forman un triangulo invertido, manteniendo la
simetría entre el grupo de Jesús y el de Lázaro, que se cierra en las figuras del primer plano
Utiliza colores muy suaves que crean una luz que ayuda a la precepción de perspectiva.
Giotto es el gran renovador de la pintura, aunque se le considera un pintor del gótico el introduce
todas las novedades que se consideran renacentistas:la humanización de los temas religiosos , el
naturalismo , la prespectiva , el paisaje.
Giotto di Bondone
CARACTERISTICAS DE LA PINTURA GOTICA DE SIENA
Las principales características de la pintura gótica de la Escuela de Siena son:
Riqueza del color.
Aristocratismo.
Lujo
Belleza de las vestimentas.
Cuidado del dibujo,y de la línea.
* Es una pintura mas suave que la pintura de Giotto y la Escuela de Florencia, que es más
fuerte de expresión.
* Tendencia a los iconos.
* Cierta influencia de los libros iluminados.
* Las formas estan dibujadas con una línea de caligrafía, ligera...
* Importancia del color azul que se hace con polvo de lapislázuli.
Los pintores más importantes de la Escuela de Siena fueron: Duccio y Simone Martini.
ESCUELA DE SIENA
Simone Martini: La Aunciación
Siena fue ciudad
rival política de
Florencia durante
gran parte de la
Edad Media.
También tuvo una
actividad artística
más relevante que
Florencia (aunque
sólo hasta el XV).
“La Anunciación
entre los santos
Ansano y
Margarita”, pues
ellos dos son los
personajes que
aparecen en los
espacios laterales.
En el centro de la obra se representa el motivo principal de la escena, con el ángel San
Gabriel notificándole a María la buena nueva, en este caso, no sólo a través de la
expresión y las actitudes de ambos personajes, que ya son de por sí explícitas, sino
también a través del texto que surgido de los labios del ángel se reproduce sobre el
fondo dorado: "Ave María, gratia plena, Dominus tecum". Sobre ellos el Espíritu Santo
revolotea rodeado de querubines.
Por tanto el motivo iconográfico insiste en el tema de la Anunciación, tan frecuente por
tanto en este periodo, y que está en relación con el mayor protagonismo adquirido por el
tema mariano en el estilo gótico.
La obra la realiza en colaboración con su cuñado Lippo Memmi, que ya hemos
comentado que es otro de los nombres propios de la Escuela Sienesa, aunque no se sabe
a ciencia cierta qué es lo que hizo cada uno de ellos sobre esta obra. De todas formas en
el panel central del tríptico se advierten todas las características que en otras obras
definen el estilo delicado de Simone Martín, por lo que habría que considerarle como
autor principal.
La obra, es una tabla con todo el carácter sutil y aristocrático propio de la pintura sienesa y
de su autor.
•El tratamiento de la línea. Una línea fina, sinuosa en su ritmo y delicadísima en su
aplicación, que marca el tono sensual de la obra y en cuyo espacio las dos figuras parecen
gravitar.
•El color, el de los tonos rosados y azules de las figuras, pero especialmente el de los ricos
dorados que al fondo envuelven en un halo de divinidad toda la escena, y aportan además
el carácter rico y ampuloso de esta pintura aristocrática.
•Compositivamente la escena se equilibra en una estructura simétrica, en la que los dos
personajes se abren en sendas curvas divergentes para ampliar el espacio de la
composición.
Detalles como los dedos filiformes de los protagonistas enriquecen el tono distinguido de la
obra. Como también ocurre en el búcaro con los lirios, símbolo mariano de pureza y
virginidad, que marca el eje de simetría en el centro de la composición.
La expresión es igualmente característica, esa expresión arrebolada en la Virgen y sonriente
en el ángel, que es repetitiva en la plástica del periodo Gótico y muy especialmente en este
tipo de iconografías.
ESTILO INTERNACIONAL O CORTESANO
1375-1425
Desarrollado en todas las Cortes
Europeas , unifica la estilización
propia del gótico Francés y el
naturalismo del gótico italiano.
Es elegante , refinado, detallista
hasta el extremo , colorista y
anecdótico.
Mezcla los fondos dorados con
paisajes ideales.
Los autores mas cono cidos són los
hermanos Limburg, y en España: Lluis
Rabassa, Bernat Martorell y Nicolás
Francés
Hermanos Limbourg
ESCUELA FLAMENCA
ESTILO O PINTURA FLAMENCA Sig. XV /Paises Bajos (Flandes
Bruselas Gante , Brujas)
Deriva técnicamente del Gótico internacional
El perfeccionamiento de la técnica del óleo , permitió alcanzar un detallismo y
una luminosidad imposible de conseguir con otras técnicas.
Los principales representantes són Jan van Eyck, Roger van der Weyden .
CARACTERISTICAS:
•Mantienen muchas características del Gotico Internacional pero introducen características
propias:
•* Naturalismo, rasgo que comparte con los maestros italiano
* Cierta vena caricaturesca y fantástica
* Una mayor sensibilidad a la realidad del pueblo llano y sus costumbres.
* Los temas están menos idealizados que las pinturas italianas, con una marcada tendencia
por el detallismo casi microscópico que aplican a las representaciones (influencia de los
maestros tardogóticos y la Miniatura)
* Tendencia hacia lo decorativo, sin demasiado interés por disquisiciones teóricas.
* A mediados del siglo XVI el Clasicismo italiano entra con fuerza en la pintura flamenca,
manifestándose en la llamada «Escuela de Amberes»
* A la difusión de los nuevos modelos contribuyó mucho el grabado, que puso al alcance
de prácticamene cualquier artista las obras producidas en otras escuelas y lugares,
poniendo muy de moda en toda Europa el estilo italianizante.
LOS PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA ESCUELA FLAMENCA SON :
Juan y Humberto Van Eych , el políptico del Cordero Mistico. y el Matrimoni Arnolfini
Roger Van der Veynder el descendimiento de la Cruz
El Bosco es uno de los pintores más originales de la historia, apegado formalmente a la
tradición de la vieja escuela flamenca; pero a la vez innovador, creador de un universo
fantástico, casi onírico que lo sitúan como uno de los precedentes del Surrealismo (El Jardin
de las Delicias)
En España la tradicion Flamenca esta representada por:
Lluis Dalmau , Bartolomé bermejo , Fernando Gallego y Jaume Huguet
JUAN VAN EYCK
Poliptico del Cordero místico 1432 Gante pintura al oleo- detallismo, colorido , elegancia
simbolismo
Detalle central de la adoracion del Cordero Mistico
Juan Van EYCK
La virgen del canciller
Rolin.
Juan Van Eyck , Matrimonio
Arnolfini 1434
Pintor de la Corte del duque de
Borgoña, establecido en Brujas.
Esta obra se considera su obra
maestra , se considera que inspiró
a Velazquez su cuadro de las
Meninas
ROGER VAN DER WEYDEN
Descendimiento de la cruz
(Roger van der Weyden),
h. 1436
Análisis del cuadro pintura al óleo sobre madera.
Oleo sobre madera.
Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido.
TEMA típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los Evangelios
El tema es religios : José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de
Jesucristo para enterrarlo.Tema representado una y otra vez.
Roger van der Weyden encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo
es liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas
policromadas. Tradicionalmente, los retablos escultóricos eran más costosos y cotizados que los
pintados; se puede decir que el artista recreó con trucos ópticos un grupo escultórico que
hubiese resultado mucho más caro. El fondo de oro tiene además un sentido simbólico,
simboliza la eternidad y es propio de lo divino.
En el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con pequeñas plantas, un
hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada. Presentar un pequeño
matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la muerte, tal como sostienen
las creencias cristianas.
José de Arimatea y Nicodemo sostienen el cuerpo exánime de Cristo con la expresión de
consternación a que obliga el fenómeno de la muerte.
Detalle de las lágrimas de la figura
de la izquierda del cuadro, que
destaca por la expresión del dolor.
Hay dos parejas de figuras que se
representan paralelamente: María
Magdalena y Juan en los extremos
englobando el grupo en una especie
de paréntesis, y la Virgen María y su
hijo Jesucristo en el centro.
Al lado derecho, María Magdalena
se dobla, consternada por la muerte
de Cristo.
la Virgen María es representada
sufriendo un desfallecimiento y
doblándose. Jesucristo aparece en la
misma posición que su madre, lo
que significa que los dos sufren el
mismo dolor, ilustrando así en la
Compassio Mariae, esto es, en el
paralelismo entre las vidas de Cristo
y la Virgen.
.
Las figuras recrean un grupo
escultórico y resaltan sobre
el fondo liso.
Su composición axial
vertical y horizontal,
rigurosamente estructurada
y equilibrada, se inscribe en
un óvalo. Las posiciones del
brazo de Jesucristo y de la
Virgen expresan las
direcciones básicas de la
tabla.
. Puede trazarse una diagonal de la cabeza del joven que ha liberado a Cristo hasta la Virgen y el pie
derecho de San Juan. Los rostros están alineados horizontalmente, alineación que viene suavizada
por la línea ondulada de las expresiones corporales de los personajes.
Van der Weyden ha representado a María Magdalena con un cinturón que simboliza la virginidad y la
pureza. Este cinturón se encuentra alineado con los pies de Cristo y la cabeza de la Virgen, y en él
aparece una inscripción que hace referencia a ambos: IHESVS MARIA. La vestimenta de los
personajes sirve como símbolo de su clase social. Ninguna de ellas permitía representar las calidades
de los objetos y de las telas como la pintura al óleo. De esa manera, Van der Weyden en esta pintura
se explaya, en la concreción de las calidades y dependiendo de la clase social del personaje
selecciona visón, seda, brocados, raso de azul, lapislázuli para la Virgen...
Otra muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias a los avances de la técnica del óleo, se
muestra en las calidades de los objetos. Hasta este momento la técnicas utilizadas en la pintura eran el
temple y el fesco o pintura mural.
Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los
personajes más patéticos: las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten
colores cálidos.
Es un cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de
exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la
emoción del espectador ante las expresiones de los personajes.
JERONIMO BOSCH “ EL BOSCO”
El Jardin de las Delicias
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