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LOS 40 PRINCIPALES
El tema que quiero representar en este trabajo irá relacionado en
torno al paisaje cuya definición corresponde a :
“Concepto que se utiliza de manera diferente por varios campos de
estudio, aunque todos los usos del término llevan implícita la
existencia de un sujeto observador y de un objeto observado (el
terreno) del que se destacan fundamentalmente sus cualidades
visuales y espaciales incluyendo tanto los aspectos físicos o
naturales como los culturales o humanos.
Se entiende por paisaje cualquier área de la superficie terrestre
producto de la interacción de los diferentes factores presentes en
ella y que tienen un reflejo visual en el espacio. El paisaje
geográfico es por tanto el aspecto que adquiere el espacio
geográfico. Se define por sus formas: naturales o antrópicas. Todo
paisaje está compuesto por elementos que se articulan entre sí.
Estos elementos son básicamente de tres tipos: abióticos
(elementos no vivos), bióticos (resultado de la actividad de los
seres vivos) y antrópicos (resultado de la actividad humana).
Determinar estos elementos es lo que constituye el primer nivel
del análisis geográfico...
PINTORES
Gustav Klimt
1862-1918 .Uno de los mejores representantes de la secesión
(movimiento del Art Nouveau), el dirigente del modernismo vienés,
recibe la educación típicamente académica y adquiere su
experiencia profesional haciendo varios trabajos decorativos.
Estos conocimientos, junto con específico ambiente artístico que
se desarrolla en el umbral del siglo XX en Viena, se reflejarán en
toda la obra del artista. Así, Klimt pronto se convertirá en el
iniciador principal de cambios artísticos y, por consiguiente, en
1897 rechazará los cánones académicos y junto con otros artistas
creará la Asociación de los Artistas Austríacos, es decir la
Secesión, con la cual estará vinculado hasta 1905.
El objetivo principal de Klimt era crear una obra total y
absoluta, es decir libre de todas las convenciones o límites
impuestos por las concepciones académicas. De hecho, los cuadros
del artista reflejan la infinita libertad creadora, expresan la
abundancia y complejidad de aquella época. Basta sumergirse en
miradas melancólicas de las mujeres eternizadas en los lienzos
para descubrir la belleza de este mundo. Klimt consiguió crear la
obra a escala de su época; la obra que se convertiría en la
inspiración para muchos artistas contemporáneos.
Sobre el Attersee
Blumengarten
Campo de amapolas
Benjamin Williams Leader
1831-1923. Artista británico. Nacido en Worcester,
Asistió a la Royal Grammar School en la ciudad y estudió en las
tardes en la escuela de diseño de Worcester. En 1854, tras una serie
de años de trabajo ingresó en la Royal Academy.
Desde el principio mostró interés por los paisajes, sus primeros
trabajos, en su pintura utilizó de forma detallada los colores
brillantes, mostrando la influencia de los prerrafaelitas. Más
adelante en su carrera fue más flexible y menos detallados en el
estilo de su pintura. Inusualmente pintaba puertas, en las etapas
iniciales de su trabajo.
Artista de la segunda mitad del siglo XIX, un paciente confirmado de
la ética de trabajo victoriana y su éxito siempre fue más marcado con
el público que los críticos.
En 1876 se casó con Mary Eastlake, sobrina de Sir Charles Lock
Eastlake, Presidente de la Real Academia de mediados del siglo XIX y
en 1898, a la edad de sesenta y siete años un académico completo. Fue
lider magistral en pintar escenas de invierno, con árboles desnudos y
una atmósfera de bleakness, y casi puede transmitir el frío al
espectador.
Se acerca la tarde
Morning on the sussex coast
A Woodland pool
Vincent van Gogh
1853-1890. Nació en Groot-Zundert, Holanda. Pintor de estilo
postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10
últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor
evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de
Daumier y Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp,
cerca de Bruselas.
Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien
trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y
Pissarro. Este último influenció la coloración que Van Gogh
utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin
(influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van
Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por
ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los
postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de
fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en
el mercado de la pintura.
La Noche estrellada
Starlight over Rhone
Barcas en Saintes-Maries.
Claude Monet
1840-1926. Nació en París, Francia. Pintor, gran maestro del arte
impresionista y sin duda uno de los connotados en la pintura de
este estilo. A sus 18 años conoció al pintor Boudin, quien gustaba
de trabajar al aire libre, característica que también acompañó a
Monet toda la vida.
Más adelante conoció a Pissarro, Sisley, Renoir y Bazille con los
cuales formó el grupo de disidentes de la época, que impulsaron
las artes francesas a una posición de vanguardia imposible de
alcanzar con los clásicos previos.
En algunos de sus cuadros, Monet rompe la barrera entre realismo y
expresionismo puesto que teniendo mucho de lo último no carecen de
lo primero. A medida que ganamos distancia de observación, sus
pinturas sumergen en un realismo mágico y cristalino, dificil de
encontrar en otros pintores del mismo estilo. Ciertamente que el
gran Manet era su ídolo. Al final de su carrera Monet incursionó
en la pintura abstracta.
El rincón de Susu
Nenúfares y puente japonés
Los Nenúfares
Frédéric Bazille
1841-1870. Nació en Montpellier, Francia, en el seno de una
familia acaudalada. Estudió medicina en París, pero abandonó la
carrera por su gran pasión: la pintura. Conoció a Pissarro, Monet,
Renoir, Caillebotte y Sisley con los que colabora en el desarrollo
de la escuela impresionista, estilo revolucionario a fines del
siglo XIX. Bazille, influenciado por el creador vanguardista
Pissarro, practica el mismo estilo de su amigo pero nunca alcanza
la maestría y prestigio de él. A diferencia del realismo clásico
que incorpora hasta el mínimo detalle, artistas como Bazille,
pertenecientes a una época en que los europeos aumentaron su ritmo
de vida y donde el tiempo era más escaso, se inclinan por esta
forma de pintura, que siendo igualmente de corte realista, emplea
el pincel para reflejar el matiz de las sombras que delinia los
volúmenes, excluyendo la rigidez esquemática de estilos
anteriores.
Landscape on the Shore of Lez
Beach at Sainte-Adresse
The City Walls of Aigues-Mortes
Caspar Wolf
1735 – 1798. Pintor romántico suizo. Trabajó como dibujante y
pintor itinerante en el Sur de Alemania, recorriendo entre 1753 y
1759 las ciudades de Munich, Augsburgo y Passau. En 1760 regresó a
su tierra, a Muri, para realizar una serie de paisajes, retablos y
obras decorativas varias. Entre ellas destacan los Paisajes con
Historias Bíblicas y Parábolas, así como la Leyenda de San Benito,
de 1762-63, en el Schloss Horben cerca de Muri im Aargau. En esta
época predominan en su obra los paisajes de formaciones rocosas,
que muestran de forma clara la influencia del Rococó del Sur de
Alemania. Caspar Wolf pintó a continuación una serie de paisajes y
exteriores en Basle y, en 1769, se trasladó a París, en donde
trabajó en el estudio de Philippe Jacques de Loutherbourg.
Destacó en la pintura de paisaje, donde expresó con intensidad el
sentido romántico de lo pintoresco. Sus obras suelen situarse en
la montaña -generalmente los Alpes-, en grandes cumbres nevadas,
representadas de modo casi topográfico, en vistas panorámicas con
perspectivas forzadas, grandilocuentes, que dan al espectador
sensación de vértigo, provocando ese aire de sobrecogimiento que
describía la estética de lo sublime.
Der Geltenbachfall im Winter
El glaciar Grindelwald
Bridge over the Muota near Schwyz
Karl Schmidt - Rottluff
1884 – 1976. Pintor y grabador alemán. Estudió arquitectura en la
Technische Hochschule de Dresde, y fue uno de los fundadores de
Die Brücke, con un expresionismo próximo al fauvismo. Su pintura,
plasmada en paisajes, retratos y figuras al aire libre, se
caracterizó a partir de 1908 por un color simplificado y
potenciado por contrastes expresivos, en un sintetismo anguloso.
Entre 1917 y 1919 realizó xilografías de tema religioso, y en
Autorretrato con sombrero conjugó la técnica xilográfica, el
cubismo y la escultura africana.
En 1905 se convirtió en uno de los más jóvenes estudiantes de
arquitectura de Dresden que entró a formar parte del grupo
artístico "Brücke" - "The bridge", en sus manifiestos se pusieron
en contra de los convencionalismos del arte y la cultura.
Reflejo de nubes
Lago sagrado
Luna llena de oriente
Andrew Wyeth
Nació en Chadds Ford, en el Estado de Pennsylvania. Famoso por sus
representaciones de personajes y austeros paisajes rurales de
Pensilvania y Maine. Andrew Wyeth realizó su primera exposición
monográfica a los 20 años consiguiendo un éxito inmediato. Sus
obras son fundamentalmente acuarelas y témpera, y su gama
cromática se funda en delicadas tonalidades de colores tostados y
grises. En sus composiciones destacan el virtuosismo técnico, el
realismo y su afecto hacia los temas representados.
(Chadds Ford, Pennsylvania, 1917) Pintor estadounidense. Es
conocido sobre todo por sus minuciosos paisajes del Maine y de
Pennsylvania y temas de la vida rural, de suaves efectos
cromáticos y colorido severo, en los que reproduce con
minuciosidad detalles microscópicos (El mundo de Cristina). En
1988 recibió la medalla de oro del Congreso de EE UU. En los años
noventa mostró su trabajo en las Hammer Galleries de Nueva York
(1995) y en el National Academy Museum de Nueva York (1998).
Inland Shell
In the river
Turkey Pond
Joaquin Sorolla y Bastida
Nació el 28 de Febrero de 1863 en Valencia, estudió en la Academia
de Bellas Artes de San Carlos, interesándose sobre todo por la
pintura al aire libre; terminó su educación en París y Roma,
regresando a España, concretamente a Madrid, en 1890.
Su pintura refleja, en ocasiones, las circunstancias históricas y
sociales de un fin de siglo en crisis: así, los cuadros titulados
"Triste herencia" y ""¡Aún dicen que el pescado es caro!" Sin
embargo, Sorolla tiende a una pintura optimista y vital, incluso
cuando retrata la vida de modestos pescadores. Por ello, ya en su
época, la crítica y el público contraponen la obra de Sorolla con
la de su coetáneo Ignacio Zuloaga, mucho más trágico y sombrío.
Sus temas preferidos eran el paisaje levantino, la huerta
valenciana, la playa, el ambiente costero, siempre con presencia
humana plasmada con un protagonismo absoluto de la luz ("realismo
a plena luz").
Fue elegido académico de Bellas Artes de San Fernando en 1914, no
llegando a tomar posesión.
Falleció el 10 de Agosto de 1923.
El Arco Iris, El Pardo
Cabo san Vicente
Tormenta sobre el mar
Piet Mondrian
Nació en Amersfoort el 7 de marzo de 1872 en el seno de una familia
calvinista estricta. Su padre, maestro de escuela, pretendía que el hijo
le sucediera en el oficio. Sólo a regañadientes admitió que Piet se
formara en la técnica del dibujo, con tal que luego se dedicara a
enseñarlo.
Llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Tanto en la
composición como en el colorido, intentaba exponer los principios
básicos que subyacen a la apariencia. Sus primeras obras, hasta 1907,
eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes
oscuros. Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse
en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a
pintar con finos trazos verticales y horizontales.
La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras en la que la
pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de
color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez
de los medios, voluntariamente limitados, que emplea.
Uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías
sobre la abstracción y la simplicidad tuvieron una profunda influencia
en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas.
Falleció el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
Paisaje con puente y granja
Alberi
Duna
Clare Woods
Nacido en Southampton 1972
Vive y trabaja en Londres.
En 1997-99 obtuvo el Master en Arte MA Goldsmith’s College,
London.
En 1991 -94 se Licenció en Arte/ BA, Bath College of Art, Bath.
Cemetery Bends
Black momit
Needless Alley
Domènec Pascual i Badia
Nació en Mataró (Cataluña).
Cursó sus primeros estudios de dibujo y pintura en Barcelona,
donde se consolida con el paso del tiempo como pintor paisajista
con una técnica pictórica que consigue una expresividad
volumétrica armoniosamente equilibrada.
Paisaje Modernista español
Paisaje
Paisaje 1970
Carlos de Haes
Pintor español de origen belga. Su actividad artística estuvo dedicada a
la pintura de paisaje realista. Nacido en Bruselas, su familia se trasladó
a Málaga (Andalucía) por cuestiones de negocios. Allí recibió su primera
formación pictórica con Luis de la Cruz. Hacia 1850 volvió a Bélgica,
donde estudió durante cinco años con el paisajista Joseph Quinaux. Pronto
empezó a pintar al aire libre, con una técnica precisa y delicada,
vinculada a la estética tradicional de la escuela flamenca. Su arte,
supuso una extraordinaria novedad tras el subjetivismo que había imperado
en el paisaje romántico. En 1856 obtuvo un tercer premio en la Exposición
Nacional y un año después fue nombrado profesor de paisaje de la Academia
de Bellas Artes de Madrid. Pronto alcanzó reconocimiento en los ambientes
profesionales. Su importancia reside en su extensa producción pictórica y
en su labor docente. Desde su cátedra formó a muchos pintores de la
segunda mitad del siglo que se dedicaron al paisaje. Sus paisajes son
sencillas vistas campestres y de montaña, en los que muestra un especial
interés por los efectos lumínicos, abriendo el camino al impresionismo,
por el que se adentrarían muchos de sus discípulos. Gran parte de su obra
se conserva en el Museo de Málaga, en el de Lérida (legado J. Morena, 80
piezas) y en el Museo del Prado (Casón del Buen Retiro).
Rompientes
Los picos de Europa
Praderas en Villerville
Alejandro Obregón
Nacido en 1920, en Barcelona, se trasladó con sus padres a los seis años
en Barranquilla, Colombia pero en 1929 vuelve a Barcelona. En su juventud
viajó por España, el Reino Unido y Estados Unidos, países donde se formó
como pintor. Tras vivir en Francia durante cinco años, volvió a Colombia
y se estableció en Cartagena. Gracias a él el expresionismo figurativo
adquirió un gran auge en Colombia a partir de los años cincuenta. En 1958
le fue concedido el primer premio en la Bienal Hispanoamericana en
Madrid, y en las décadas siguientes recibió multitud de premios.
Apodado por la crítica como el expositor del expresionismo romántico.
Rechazaba el academicismo y al respecto decía: Yo no creo en las escuelas
de pintura; creo en buena pintura y nada más. La pintura es una expresión
individual y hay tendencias como personalidades. He admirado los buenos
pintores, los españoles sobre todo, pero considero que ninguno ha
ejercido una influencia decisiva en mi formación.
Agua cálida
Volcán de Galerazamba
Amanecer en los Andes
Ferdinand Hodler
Gurzelen, cerca de Berna, 14 de marzo de 1853 – Ginebra, 19 de mayo de
1918) fue uno de los más destacados pintores suizos del siglo XIX.Se
trasladó a Ginebra a los 18 años de edad para comenzar su carrera como
pintor. Sus primeras obras fueron paisajes, composiciones figurativas y
retratos, tratados con un vigoroso realismo.
En la última década del siglo XIX su obra evolucionó para combinar
influencias de diversos géneros, entre ellos el simbolismo y el art
nouveau. Desarrolló un estilo que él llamaba «Paralelismo», caracterizado
por agrupaciones de figuras simétricamente colocadas en poses que
sugerían un ritual o una danza.La obra de Hodler en su fase final adoptó
un aspecto expresionista con figuras fuertemente coloreadas y
geométricas. Los paisajes quedaron reducidos a lo esencial, a veces
consistiendo en una franja de tierra entre el cielo y el agua.
Su amante, Valentine Godé-Darel, fue diagnosticada de cáncer en 1914, y
Hodler pasó muchas horas junto a ella, resultado de las cuales fueron una
notable serie de pinturas que documentaban su desintegración. Ella murió
en 1915, lo que afectó muchísimo a Hodler y murió el 19 de mayo de 1918
en Ginebra, dejando tras de sí una serie de obras inacabadas que
retrataban la ciudad.
A orillas del Manzanares
Lago Ginebra
Lake Thun and the
Stockholm mountains
Hermen Anglada Camarasa
Nacido en Barcelona. Estudió en la escuela de la Lonja, completando su
formación en el taller de Julien y la Academia Colarassi en París. Alli
en 1898, expone por primera vez obteniendo un gran éxito. En 1900 expone
en Barcelona. Participa en las Bienales de Venecia de 1903, 1905 y 1907,
recibiendo este último año la Medalla de Oro. Su obra es mostrada en
Berlin, Düsseldorf, Dresde, Munich y Colonia. Expone en Barcelona en
1915, en Madrid en 1916, en Pittsbugh en 1924 y en Londres en 1930. Sus
creaciones primeras en París, suelen ser escenas nocturnas, interiores
de cabarets y music-halls. Sus ambientes predilectos son, el Moulin
Rouge y el Casino de París. Después tuvo un período artístico en el que
se entregó a un exagerado folklorismo, de una gran fuerza decorativista.
Entre sus obras destacan: Novia valenciana, Campesinos de Gandía,
Muchachas de Burriana, Los enamorados de Jaca. Se retiró a Mallorca,
donde se dedicó al paisaje, aunque no perdió el contacto con las obras
de las jóvenes creaciones. Anglada junto con Sorolla y Zuloaga
contituyen el grupo de los grandes pintores del primer arte novocentista
español. Fue nombrado académico de honor de la Real Academia de San
Fernando en 1954. Obtuvo el premio de arte de la Fundación March en
1957. Falleció en Pollensa (Mallorca) en 1959.
Acantilado en Formentor
Pino de Formentor
Paisaje Efecto nocturno
Wassily Kandinsky
Pintor ruso nacido en Moscú en 1866 cuya investigación sobre las
posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más
importantes del arte moderno, estudió pintura y dibujo en Odessa, y
derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a
Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan
dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a
París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los
fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y
adquirió una organización más libre.Su influencia en el desarrollo del
arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como
teórico y profesor. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se
volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo
fluido de su primera época para introducir trazos de perfil muy marcado y
diseños claros. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación.
Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción
no representacional o pura, puede considerársele uno de los pintores que
sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura
dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en
Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
Iglesia en Murnau
Sillones de playa
en Holanda
Murnau Street with
Women
Jose María Velasco
Nació en Temascalcingo (estado de México) y a la muerte de su padre se
traslada a México D.F. donde se dedicó a la artesanía. Realiza sus
estudios en escuelas elementales y por fin en 1858 ingresa en la
Academia de San Carlos. Allí realiza una trayectoria muy brillante,
ganando dos premios en los dos primeros años y siendo nombrado
profesor de perspectiva, y más tarde de paisaje. Su labor docente duró
más de 40 años. En un principio fue discípulo de Landesio, formado en
Europa y creador de una escuela paisajista mexicana, pero pronto el
alumno supera al maestro, desarrollando un estilo propio que pasa por
tomar notas del natural, llenas de emoción y espontaneidad, en
contraste con la rigidez de su maestro. Sus paisajes retratan los
ambientes naturales de su país, en particular del valle de México, que
pintó desde puntos muy diversos. Naturalista convencido, se alejó de
las corrientes impresionistas de la época. Su naturalismo no responde
a la observación directa de la naturaleza, sino que sus cuadros tienen
una plástica e imaginación muy personales que le dieron reconocida
fama. Viajó por el interior de su país y expuso en Filadelfia, París y
Chicago. Entre sus obras destacan, Patio de una casa vieja (1861), El
valle de México (1875), Catedral de Oaxaca (1887), serie de ocho
cuadros sobre el Valle de México (1894-1905).
Hacienda de Caapa
con Volcanes
Valle de México
Bahía de La Habana
Salvador Dalí
Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, en 1904. En 1921
ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue
expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de
Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael
Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París,
donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque lo
expulsarían por sus tendencias políticas derechistas. La producción de este
periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en
las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos
cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los
relojes blandos de La persistencia de la memoria. Se trasladó a Estados
Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de
contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico. La técnica
pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad
casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy
brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas, libros
ilustrados, diseños de joyería, escenografías y vestuarios teatrales, asi
como libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y
Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas
Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.
Descubrimiento
de América
Construcción blanda
con judías hervidas
El cielo a caballo
Nicolas de Stael
Pintor francés, nacido en San Petersburgo en el seno de una antigua familia
aristocrática. Después de la Revolución Rusa, su familia abandonó el país y
se trasladó a Polonia, donde sus padres murieron. Fue llevado a Bélgica,
donde pudo estudiar en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas y en la
Academia de San Gil hasta 1933. En Niza Georges Braque le presentó a
Jacques Dubourg, un importante marchante de arte, quien junto con su
compañera también dueña de una galería, Jeanne Boucher, le apoyaron en un
periodo de extrema pobreza. Obtuvo la nacionalidad francesa en 1948. Desde
1942 hasta su muerte se dedicó a pintar y dibujar, y en 13 años llegó a
pintar unos mil lienzos, principalmente al óleo. En 1949, después de un
periodo de incertidumbre, reexaminó las grandes obras y consideró su arte
como un diálogo recíproco entre los pintores del pasado y del presente.
Después de 1952, desencantado con el debate sobre los méritos respectivos
de los estilos abstracto y figurativo, pintó paisajes enérgicos, y
composiciones de naturaleza muerta en un estilo libre y no contenido,
utilizando colores puros y brillantes. En 1953 de Staël se instaló en
Vaucluse, no muy lejos de su amigo René Char, con el que colaboró en un
lujoso libro de poemas en 1952. Sus últimos días los pasó en Antibes, donde
acabó suicidándose en marzo de 1955, revelándonos el lado más oscuro y
desconocido de su naturaleza.
Cielo
La luna
Paisaje mediterráneo
ESCULTORES
Gligor Stefanov
Se graduó en la Academia de Arte de Belgrado, donde también recibió su MA
Ha tenido 18 exposiciones de un hombre en Skopje, Belgrado, Zagreb,
Dublín, Londres y Venecia. Ha participado en más de 100 exposiciones
colectivas importantes. Ha sido galardonado con varios premios, uno de
ellos es el premio del Museo de Arte Contemporáneo, Skopje. El amor
místico y la actitud de culto hacia los materiales naturales fue un
intento de estado puro de la existencia (estructura, color, olor,
densidad, textura, temperatura). Sus primeras esculturas muestran la
sensibilidad del medio ambiente de Macedonia En la etapa de desarrollo
posterior, el artista se concentró en las cuestiones relacionadas con el
espacio, utilizando como material para la construcción inusuales formas
lineales. Manteniendo su afinidad con los materiales naturales, señaló su
deseo de alejarse de la realidad. Su objeto / escultura del medio ambiente
que muestra los ángeles del más alto nivel en la jerarquía angélica
Serafines, Querubines y el trono, fueron ejecutados en la paja como
material de la primaria "escultor". Stefanov intentado dar un cuerpo
artístico concreto a las visiones más abstractas del Antiguo y del Nuevo
Testamento a través de una alegoría de oro de la luz , sol, ángeles... Su
proyecto para la 45a Bienal de Venecia es una especie de un acto litúrgico
en el cielo como una cúpula, en la presencia de "Serafín" y "Querubín".
Integral
Fahrenheit Festival
Site-specific installation
Alexandre Arrechea
Para Alexandre Arrechea en las sociedades occidentales la política
es sólo continuación sutil de la guerra.
El poder y su red de jerarquías, vigilancias, controles,
prohibiciones, sujeciones, se revierte en un arte público donde a
la contemplación del espectador se suma su participación.
La obra nace de las acciones y reacciones humanas frente a
versiones contemporáneas del panóptico que ya describiera jeremías
Bentham en el siglo XVIII.
Vigilar, más que castigar podría ser el lema de nuestras
sociedades contemporáneas. El ojo del poder vigila todo y a todos,
y cada uno vigila a los otros y a sí mismo.
Paisaje Suicida
El jardín de
la desconfianza
Mundo de faros
Claes Oldenburg
Escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Nació en Estocolmo, donde su
padre estaba destinado como diplomático. Entre 1960 y 1965 Oldenburg llevó
a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964,
Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes
cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde
el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios
toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su
futura escultura. En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía
reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, pasteles y otros
tipos de comida rápida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos
objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de
caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo
y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores como
accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Estas
obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano
gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso,
plásticos…), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional
que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Entre sus obras
más famosas destaca la Máquina de escribir blanda (1963), su gigante Pinza
para la ropa (1976) y el Ratón geométrico.
Trowel I
Houseballs
Mixtos
Richard Serra
Escultor estadounidense, célebre por sus obras minimalistas y sus
esculturas creadas para lugares específicos, así como por los extraños
procesos que utiliza para elaborarlas partiendo de materiales industriales
tales como plomo, acero y hormigón. Nació en San Francisco y estudió en la
Universidad de California (1957-1961) y en la Universidad de Yale (19611964). La gran importancia que concede a la naturaleza física de los
materiales y a su peso gravitacional habría de caracterizar e inspirar
gran parte de la obra posterior de Serra. En la década de 1970 realizó una
obra más monumental, utilizando acero trabajado en caliente para crear
esculturas interiores y exteriores de grandes dimensiones cuyo tamaño y
sencillez le confieren una presencia abrumadora.. Serra también ha
trabajado en medios cinematográficos. A finales de la década de 1960
realizó una serie de películas, entre las que destacan Hand Catching Lead
(La mano que coge plomo) y Hands Tied (Manos atadas), ambas de 1968, que
se centran en la ejecución de tareas sencillas repetidas hasta la
saciedad. Presentan un paralelismo con las películas de Andy Warhol, en
las que la cámara enfoca detenidamente un único objeto, y con todo el
proceso, que es parte esencial en la obra escultórica de Serra.
Torque
Vortex
Elevación, repetición
Alexander Calder
Escultor estadounidense de gran vitalidad y versatilidad, famoso por sus
móviles, considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos
del siglo XX. Calder, hijo y nieto de distinguidos escultores
estadounidenses, nació en 1898 en Filadelfia. En 1919 obtuvo el título de
ingeniero en el Instituto Stevens de Tecnología. En 1923 ingresó en la
Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de 1926 se
instaló en París. Sus esculturas en alambre le dieron fama internacional.
A comienzos de la década de 1930 Calder inició sus experimentos en el
campo de la abstracción, primero como pintor y después como escultor.
Experimentó también con el movimiento, lo cual le condujo al desarrollo de
los dos modos de escultura que le hicieron famoso, el móvil y el estable.
Los móviles son estructuras de formas orgánicas abstractas, suspendidas en
el aire, que se balancean suavemente. Los estables son formas abstractas
inmóviles que sugieren formas animales en tono humorístico. Aunque
también sus esculturas de piedra, madera y bronce son importantes. Estas
obras, cada vez de mayor tamaño, lograron una entusiasta aceptación
popular rara vez alcanzada por el arte abstracto, lo cual llevó a que se
le hicieran numerosos encargos después de la II Guerra Mundial. Calder
murió en 1976, en Nueva York, justo después de haber supervisado el
montaje de la mayor exposición retrospectiva de su obra en el Museo
Whitney de Arte Americano.
Flamingo
Seis Puntos
sobre una montaña
Quatre Ales
Eduardo Chillida
Escultor y grabador español nacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza,
es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición
de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonar sus estudios de
arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En
1948, se trasladó a París y comenzó a modelar obras figurativas, en
terracota, temática que abandonó para concentrarse en la abstracción. En
1950 es invitado por el arquitecto Ramón Vázquez Molezún a participar en el
pabellón español de la Trienal de Milán y obtuvo el Diploma de Honor. En sus
comienzos utilizó preferentemente el hierro y la madera, e introdujo
posteriormente otros materiales como hormigón, acero, piedra e incluso
alabastro con su cualidades lumínicas. A partir de 1970 observa la
naturaleza y busca en ella la inspiración. Desde la década de 1980, se
especializó en la instalación de piezas de grandes dimensiones, que se
integran en espacios urbanos o inmensos espacios naturales abiertos, y que
contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una
sencilla geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan
dinamismo con estaticidad. Posee el Premio de las Artes de Francia, el
Premio Príncipe de Asturias, concedido en 1987, y es académico de la
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Elogio del horizonte
Peines del viento
Elogio del agua
Jorge Oteiza
Escultor español nacido en Orio, Guipúzcoa. De joven se trasladó con su
familia a Madrid, donde estudió Medicina y asistió a la Escuela de Artes y
Oficios. En 1935 viajó a Hispanoamérica, donde se dedicó a la docencia en
la Escuela Nacional de Cerámica de Bogotá e hizo sus primeras exposiciones
en Santiago de Chile y Buenos Aires. En 1948 regreso a España. Su obra
escultórica se divide en, la de búsqueda de las herramientas conceptuales
que definieran un propósito experimental, la del desarrollo del mismo y la
de las conclusiones. Alrededor de 1950 abandonó el expresionismo y la
figuración para iniciarse en la abstracción y la investigación geométricaracional de los constructivistas rusos de principios de siglo, lo que le
llevó al vacío en la escultura, un recorrido metafísico que influiría de
forma decisiva en todas las artes contemporáneas. Decidió abandonar la
escultura en 1959, convencido de que ya no iba a aportar nada nuevo. En
1970 consiguió el primer premio del concurso de ideas para la urbanización
de la plaza de Colón (Madrid) y en 1985 le fue concedida la Medalla de Oro
de Bellas Artes de España. El artista donó su obra al pueblo de Navarra y
está expuesta en el museo de la Fundación Jorge Oteiza creada en 1996 en
Alzuza (Valle de Egües).
Variante ovoide de la
desocupación de la esfera
Homenaje a Malevich
La ola
Sol Lewitt
Artista estadounidense considerado el máximo exponente del minimalismo y
del arte conceptual. Lo más conocido de su obra son sus esculturas
realizadas con cubos abiertos o rejillas y sus dibujos sobre pared que
expresan la noción de que la esencia del arte radica en el concepto y no en
el objeto. Nació en Hartford, Connecticut. Entre 1945 y 1949 estudió en la
Universidad de Syracuse, en el estado de Nueva York, y entre 1964 y 1967 dio
clases en la Escuela del Museo de Arte Moderno, de Nueva York. En 1965
comenzó a realizar sus esculturas de cubos abiertos en las que trata la
sencillez estructural de tal modo, hechas con barras de aluminio esmaltado.
En las obras compuestas por un número mayor de cubos, los cambios producen
un complejo contrapunto de relaciones. Comenzó a hacer dibujos sobre pared
en 1968, año en que expuso el primero de ellos en la Galería Paula Cooper de
Nueva York. Los dibujos sobre pared consisten en formas geométricas, tales
como cuadrados dentro de otros cuadrados o triángulos contiguos, así como en
composiciones de franjas de colores alternados. Las realizaban los ayudantes
de LeWitt siguiendo una serie de instrucciones muy precisas que a veces
escribía sobre la propia pared. La importancia de estos dibujos sobre pared
radicaba en que podían hacerse, borrarse y rehacerse siguiendo las
instrucciones del artista, independientemente de su participación directa.
Tall Irregular
Progression
Splotches, Whirls
and Twirls
Modular cube
Ricardo Vaccaro
Artista multidisciplinar.Nacido en Barcelona en 1946 y que actualmente
reside en el mismo lugar.
Entre la biogrfía de sus obras destacamos:
2006 - Exposición Silenci i Plaer (Silencio y placer) en la Àmbit Galeria
d’Art, Barcelona
Exposición de escultura y pintura al Palacio de Congresos de Alp
2004 - Exposición Intimitats col·lectives (Intimidades colectivas) en el
Ajuntament de Castelldefels
2003 - Exposición Intimitats col·lectives (Intimidades colectivas) en el
Col·legi d’Aparelladors i Arquitectes Tècnics
Exposición L’art com a excusa (El arte como excusa) en la Universitat
Autònoma de Barcelona
1998 - Exposición De Paul Auster a Federico García Lorca en el Centre
Cultural Estació Castelldefels
1994 - Exposición Dies i miratges (Días y espejismos) en el Centre
Cultural Tecla Sala, l’Hospitalet
Dona
Homenaje A Lluís Companys
Nubes
Clemente Ochoa
Catedrático, escultor, poeta del bronce, nace en 1937 en Cascante y se
forma en un eje de ciudades que une Pamplona con Zaragoza y Barcelona.
En la Obra de Clemente Ochoa hay siempre una presencia insoslayable de
esa "Mater-materia" que es la tierra árida y ardiente, solemne y
silenciosa, que le otorga una base fuerte para emerger, pero que le lanza
despiadadamente a la intemperie.
Tres Etapas definen su tarea hasta el momento: una primera de realismo
académico en la que predomina la pintura; una segunda, donde en las
formas piramidales de su escultura aparecen torsos troncales rematadas en
pequeñas y delicadas líricas; y una tercera donde el geometrismo y el
abstractismo someten a las figuras a una estilización de ritmos y
formaciones dinámicas, llenas de gesto y vida.
Expresión máxima pueden ser aquellas (esculturas) que acaban
convirtiéndose en una especie de dibujo trazado rápido sobre el espacio.
La forma, en un crecimiento que supone ilimitado, parece que se sostenga
en el aire. El artista, al limitarse a salpicar el espacio, lo abre para
nosotros y la materia desaparece; únicamente queda un signo que toma su
sentido de la realidad en el punto de intersección entre lo visible y lo
invisible.
Aspiración
Olímpicos
Alegoría a Pau Casals
FOTÓGRAFOS
Galen Rowell Avery
1940 – 2002. Fotógrafo de vida silvestre señalar y escalador.Nacido
en Oakland, California, se convirtió en un gran fotógrafo del tiempo.
Fue desterrado muy joven, y comenzó a escalar montañas con diez años y
explorar el desierto tomando fotos de las excursiones para poder
compartir sus experiencias. Después de graduarse permaneció en
Berkeley para estudiar física en la Universidad de California, pero la
abandonó después de cuatro años para seguir su amor por la escalada.
Nunca fue formalmente entrenados como fotógrafo. En 1973 hizo una
historia de portada para National Geographic, originalmente iniciada
por una invitación de un compañero fotógrafo Dewitt Jones para
ayudarlo en una misión. Fue el pionero de un nuevo tipo de fotografía
en la que no era un simple observador, sino más bien se participante
de las escenas.Concebió un enfoque técnico de la ampliación del rango
dinámico de la película. Desarrolló un conjunto de filtros de densidad
neutra garduada y fueron producidos por Singh – Rav, vendidas con su
nombre y se convirtió en un estándar para mejorar el rango dinámico de
la película.
Rowell, su esposa Bárbara Cushman Rowell, piloto Tom Reid, y amigo de
Reid Carol McAffee, murieron en un accidente en agosto de 2002.
Gustave Le Gray
1820 – 1884. Investigador y fotógrafo además de retratista fotográfico.
Abrió su estudio pero la falta de espíritu comercial y las limitaciones
técnicas, junto al éxito arrollador de Disdéri, le hicieron abandonar el
género del retarto fotográfico para dedicarse a otros géneros como la
fotografía de paisaje o la fotografía de viaje. Sus fotografías de
paisajes marinos tuvieron un gran éxito. El resultado final era una
combinación de dos negativos donde cielo y oleaje impresionados por
separado resultaban fundidos en perfecta armonía. El dominio de la
técnica fotográfica le llevó a obtener grandes resultados en este tipo
de paisajes mediante la captación de cielo y mar en una sola toma, razón
por la cual se le considera de uno de los precursores de la instantánea
fotográfica.
Fue cofundador de la Sociedad Heliográfica y de la Sociedad Francesa de
Fotografía. Posteriormente participó en la Misión Heliográficaen Turena
y Aquitania.Se deben adelantos técnicos como el empleo del papel
encerado seco o la utilización del colodión húmedo para un papel
negativo en su Tratado práctico de la fotografía, 1849.
En 1860 embarcó para Oriente asentándose en El Cairo donde impartió
clases de fotografía. Falleció en 1884 probablemente en El Cairo.
Ola Rompiente
Bergantín
Árboles
Ansel Easton Adams
1902 – 1984.Fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco,
desarrollador del sistema de zonas.
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del
parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes)
y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía
de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La
Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros
maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y
otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el
fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de
reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la
exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris
quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier
cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como
un gris medio.
The Tetons and
the Snake River
Evening McDonald Lake
Glacier National Park
Piedras
Koldo Badillo
Fotógrafo de Orduña (Bizkaia) especializado en fotografía de paisajes,
naturaleza, viajes.... Así se autodefine en una breve reseña de su pagina
web.Comienza a hacer fotos con 12 años y 32 años después sigue
apasionándole esta afición. "Lo poco que sé lo he aprendido por mi
cuenta", se declara autodidacta aun habiendo asistido a numerosos cursos.
Su profesión, biólogo, marca profundamente su obra, muy paisajista, pero
siempre en un estilo artístico ya que cuando hace las fotos le gusta
pensar en una exposición y no en una publicación de viajes o de biología.
Empezó a viajar para hacer fotos, si no pudiese hacer fotos en un viaje,
no lo haría. Viaja para fotografiar.
Su obra goza de colores intensos ya que gusta de utilizar filtros
polarizadores para saturar y filtros de colores para nivelar contrastes.
Así, en sus fotos encontramos simpleza de formas, equilibrio en los
colores y armonía entre las masas.
Siempre hay unos cielos intensos y abrumadores en sus fotos y siempre hay
aire, sensación de libertad, de espacio, salvo en alguna foto más
minimalista, donde se recrea en la composición mas técnica en un
ejercicio de equilibrio visual.
Yesa
Bardenas
Embarcadero
Conrado Quezada
Nació en Cananea, en 1949 donde vivió con sus padres, y aparte trabajó en el
cine "Fox" de aquella ciudad como proyeccionista. Conrado tiene siete
hermanos, y todos ellos trabajan en el ámbito de las comunicaciones, ya sea
radio o televisión.
Estudió en la universidad durante seis semestres Ciencias de la
Comunicación. En 1972 entra al canal 12 como director de cámaras. Tiempo
después, fue llamado a trabajar al canal 13 de la ciudad de México donde se
desempeñó como iluminador de estudio y camarógrafo; esto le dio la
oportunidad de laborar al lado de Jorge Saldaña y José Ramón Fernández entre
otras.
Después, en 1981 estuvo como Jefe de Producción de canal 12. En 1982, se
lanza como fotógrafo libre y crea su propia empresa de fotografía y estudio;
en 1997 forma una sociedad instituyendo su compañía "Foto-laboratorio
Quezada S.A. de C.V.".
Para Conrado Quezada la fotografía es una manera de expresar su realidad
cotidiana, ya que refleja su sentir, y a la vez un mensaje que quiere
transmitir.
Ha recibido innumerables reconocimientos como del Gobierno, de universidades
... y se han publicado bastantes libros y revistas con sus fotografías.
Conrado fue reconocido por El Imparcial como uno de los "rostros" que
enriquecieron la cultura de Sonora en el Siglo XX
Campillo
Castillo alba
Andavias Zamora
ARTISTAS LIBRES
El uso de la arena, nieve, hierba y todo los que originalmente se
nos ocurra que pudiera servir como material escultórico permite la
realización de obras de gran calidad artística y de gran formato
en un corto periodo de tiempo, Éstas atraen el tráfico de público
y genera la atención de los medios por lo que se le puede dar
diferentes utilidades.
El único inconveniente que he encontrado a la hora de realizar la
parte libre, es que los autores de las siguientes obras no se
consideran artistas consagrados, por lo que incluso alguna en
varias obras no figurará autor ni título de la misma.
Historia de la Escultura en arena
Las enormes rocas ya esculpidas a base de martillo y cincel circulaban
lentamente sobre los troncos. A un lado los arquitectos egipcios modelaban
los diseños de sus pirámides en la arena húmeda, algunas eran de
considerable tamaño y con todo tipo de detalles”. A lo largo de la historia
los artistas han buscado todo tipo de materiales con los que poder recrearse
y expresarse, la arena ha sido uno de ellos.
Los más antiguos documentos gráficos datan de principios del siglo XX allá
por los Estados Unidos, eran épocas de prosperidad y la publicidad moderna
estaba naciendo. De la unión de esta y de algunos artistas de la época que
veían la arena como material creativo surge esta nueva forma de expresión,
toman la arena de las playas como lienzo para modelar sus esculturas, todo
comienza con grandes rótulos al que se les va añadiendo figuras cada vez más
sofisticadas, esto dura varias décadas y desaparece.
Artistas posando junto a la obra,
principios de 1900
Benjamin Probanza
Escultor de arena natural de Guipuzcua que actualmente reside en
Acapulco, Mexico.
Es en el año de 1988 cuando comienza su andadura en la escultura
con la arena como material de expresión, a lo largo de estos ya
pasados 20 años son muchos los temas recogidos y de estos son los
reconocimientos que determinan la medida de su expresión
artística.
Quetzacoalt
Los jardines de Babilonia
Sandworld
Este rostro que esta
por una mano es obra
del artista Bert Adams y
la realizó en la ciudad de
Port Aransas, Texas
Carl Jara
Este montón de llantas fue levantado
en la ciudad Holandesa
de Noordwijk aan Zee
“What Lies Beneath”
John Gowdy
John Gowdy es un artista de Nueva Jersey, especializado en
exposiciones de escultura de arena, su manifestación y
suinstrucción. Él ha logrado la aclamación de todo el mundo por
su talento y ha competido en casi todos los principales concursos
del mundo, manteniendo muchos títulos en la última década.
También ha organizado varias exposiciones de gran escultura de
arena y concursos. Además de arena, él también esculpe en mármol.
John está trabajando actualmente en un proyecto que ayudará a
otros a ser felices por encontrar sus playas tan decoradas.
Castillo
The Rescue
De mano a mano
(mármol)
Esculturas en paisajes nevados...
Paisajes hechos con comida...
La bibliografía utizada en este trabajo se ha basado en la
utización de diversas páginas webs, de las cuales cito algunas:
wikipedia.org
commons.wikimedia.org
www.museodelprado.es
Benjaminprobanza.com....
Mª Ängeles Naranjo Orta
Magisterio ed. Primaria
Artística y su Didáctica
Curso 2009 /2010