Transcript el arte Barroco

EL BARROCO
•
Este nombre se le atribuye al estilo, aparecido en
Italia, que ocupa el período histórico comprendido
entre 1600 y 1750, aproximadamente.
•
Política y socialmente ésta época está dominada por
el absolutismo, tanto de la iglesia como del Estado.
Su representante más importante es el Rey Sol, Luis
XVI (1638-1715). El poder encarnado en una sola
persona, encuentra su identificación en la idea de la
monarquía instituida por Dios: El rey es el
representante de Dios sobre la tierra.
•
En este período la curva aparece por doquier, en
todas partes se manifiesta este elemento, así como la
doble curva en forma de serpentina. Existe una visión
anticlasicismo: De nuevo la sensación viene a
suplir la razón.
La palabra tiene tres acepciones:
• Etimológica (barrueco), es la forma de una
perla ovalada, irregular.
• Metafórica, despectiva, de estrambótico,
absurdo, sobrecargado.
• Estilística, con menosprecio antes (igual a
"gótico" en el sentido de bárbaro; hasta
Benedetto Croce dice que" arte jamás es
barroco, el barroco jamás es arte"...).
Antecedentes:
• Contrarreforma católica: amenazada por
la Reforma protestante del Norte, Roma
reafirma su vitalidad.
• Predominio del absolutismo: tanto
eclesiástico, como político.
• Oposición al racionalismo de la
Ilustración del Norte.
Características
generales
La curva aparece por doquier:
Obesidad, musculatura, vestidos con
pliegues, pelucas rizadas.
En todas las artes aparece no sólo la
curva, sino también la curva doble en
forma de serpentina.
El anticlasicismo consiste en lo siguiente:
• Fuertes contrastes.
• Efectos escenográficos.
• Eliminación de límites y medidas.
• Movimiento desbordante (resultado de lo
anterior).
La fusión de los elementos siguientes:
•
Lo real con la superación irreal se juntan en la aspiración
máxima de la época.
•
El escenario teatral (en realidad, todo parece ser
escenario: iglesia, palacio, plaza pública, jardín, cuadro).
•
Los múltiples pormenores decorativos se funden en un
gran total, donde ya no hay límites que los separen.
•
Las dos esferas de la vida, la religiosa con la profana
forman la gran Unidad del Macrocosmos.
•
Todas las artes (arquitectura, pintura, escultura,
decoración, jardinería) se unen en una sola obra total.
•
Todas las actividades se concentran en una sola persona,
el "artista universal". El prototipo de tal genio de la
versatilidad es: Lorenzo Bernini
El arte será el vehículo de propaganda tanto de
la Iglesia de la Contrarreforma, como de los
Estados absolutistas o de la burguesía
protestante.
En el barroco la figura humana se alza como
objeto decisivo del arte, pero no en su forma
idealizada, sino en cualquier aspecto, ya sea
este bello o feo, sublime o cotidiano.
Contexto histórico
Los acontecimientos del siglo XVI provocan notables
cambios en el ámbito del arte: el manierismo y las
secuelas del renacimiento dejan lugar al barroco, un
arte dinámico que, a pesar de presentar
características constantes, evoluciona y adquiere
originalidad en cada país.
Con el desarrollo de la imprenta, las ideas religiosas
de Lutero, los razonamientos científicos de Copernico
y Galileo y los estilos artísticos germinados en
Venecia se difunden por toda Europa. La fe vacila
hasta el momento en que la reforma divide Europa
en: norte protestante y sur católico.
El poder de España se impone hasta en Italia y en
el Vaticano, sustituyendo el modo de vivir de los
italianos por otro mas austero. La libertad del artista
disminuye. De nuevo, entra al servicio de la nobleza
y de la iglesia: crea obras lujosas e impresionantes
que se amoldan a las nuevas normas de pudor y
espiritualidad y demuestran la grandeza de ambas
instituciones. De nuevo se pintan temas religiosos y
las figuras van vestidas.
El contexto cultural del Barroco
La fundamentación del racionalismo
El pensamiento racionalista tuvo en el siglo XVII algunas de sus
figuras más destacadas: Descartes, Leibniz, Spinoza... Todos ellos
relegaron la posibilidad de un saber revelado y defendieron que la
razón es la principal fuente de conocimiento humano. De este
modo sentaron las bases del racionalismo.
Quienes más influyeron en el pensamiento posterior fueron el físico
italiano Galileo Galilei y el matemático francés René Descartes.
Galileo Galilei fue uno de los fundadores del método experimental.
A partir de sus observaciones, enunció las leyes de caída de los
cuerpos y refrendó la teoría heliocéntrica de Copérnico. Debido a
sus conclusiones, Galileo fue sometido a un humillante proceso
inquisitorial, en el que se le obligó a abjurar de sus argumentos
sobre el desplazamiento de la Tierra alrededor del Sol.
René Descartes fundamentó el racionalismo filosófico y
científico. Partiendo de la crítica de los sentidos como forma
de conocimiento ha de
fundamentarse en la intuición de principios incuestionables;
desde ese momento, la razón elabora construcciones cada
vez más abstractas, siguiendo un método deductivo.
En España, la influencia del racionalismo apenas se dejó
sentir. En su lugar, se registra una actitud de escepticismo
hacia la naturaleza humana, escepticismo que conduce a una
visión pesimista del mundo radicalmente opuesta al
optimismo renacentista. Un buen ejemplo de esta actitud lo
encontramos en Baltasar Gracián, para quien las únicas
armas de que se dispone para combatir el estado de crisis y
ruina de la sociedad son el individualismo y la desconfianza
hacia los demás.
Arquitectura
• Elipses, parábolas, hipérbolas, sinuosidades, hélices,
sustituyen el perfecto equilibrio del medio punto romano.
Ahora las columnas se retuercen en forma helicoidal
perdiendo su rígida estructura rectilínea. Los muros
pierden el sentido plano y se curvan buscando efectos
luminosos. La tradicional planta rectangular es sustituida
por plantas elípticas, circulares y mixtas. En los
interiores se procura evitar las superficies lisas; la
paredes y techos son decorados con profusión de
dorados, pinturas, relieves, espejos, etc., a fin de que
produzcan la impresión de gran suntuosidad.
• Ahora la arquitectura se impondrá por sobre las demás
artes, la pintura y la escultura estarán -en la mayoría de
los casos- al servicio de ésta.
Sus tareas son, en forma igual, palacio y castillo, por
un lado, e iglesia, por el otro. También el urbanismo
(se abren las plazas hacia grandiosas perspectivas
con efectos escénicos) y la arquitectura del jardín:
después de Italia, Francia asume la hegemonía. El
"jardín francés" es arquitectónico (simétrico con eje
central); es la naturaleza modelada como obra de
arte, con efectos teatrales (terrazas, alamedas,
juegos acuáticos y perspectivas cambiantes).
Ejemplos
•Jardín de Luxemburgo (1630), París.
•Parque de Versalles, cerca de París
Características
Dinamismo:
El edificio barroco trata de incluir al espectador, envolverlo en su
movimiento desbordante; todo se mueve y gira, todo es curvo y
retorcido (fachada, barandilla, columnas, escaleras, nichos)
Exuberancia:
Derroche por doquier, en chico (decoraciones, volutas) y en grande
(plazas, portales, rampas, escaleras).
La iglesia se convierte en palacio, y en el palacio lo más importante
son las salas de baile; escaleras y vestíbulos suntuosos. El oro aquí
significa suntuosidad, no lo celestial (Estilo Bizantino).
La cúpula, donde la hay, es bien voluminosa y realzada con un
importante cimborrio que a veces es ondulado, como todo lo
demás.
Efectos pintorescos:
Fuerte contraste entre luz y sombra se produce por
el juego de salientes y entrantes (fachadas, portal,
altar)
Ejemplos
LORENZO BERNINI /1598-1680/: Plaza de S. Pedro, Roma.
Castel Gandolfo, Roma.
FRANCESCO BORROMINI /1599-1667/: S. CarIo alle 4
Fontaine, Roma .
GIACOMO DA VIGNOLA /1507-73/: II Gesú, Roma, la iglesia
matriz de los jesuitas y modelo para construcciones en otros
países.
Austria y Alemania
Hacia el final del período barroco y proyectándose ya
hacia el próximo rococó, surge una verdadera pasión
constructora (castillos y palacios, iglesias para
peregrinos y monasterios).
España
También sólo hacia el final del siglo XVII, con José
Benito Churriguera (1665-1725) aparece el "estilo
churrigueresco" excesivamente recargado, llenando
la superficie entera con decoraciones ("horror vacui")
Plaza de San Pedro (Roma), 1656-1667
Gianlorenzo Bernini
Baldaquino
Basílica de San Pedro (Roma).
Gianlorenzo Bernini
1624-33
Iglesia de Sant´Ivo della
Sapienza (Roma)
Francesco Borromini
Iglesia construida por
Borromini entre 1642 y
1650 en Roma, nacida de
injertar un organismo
absolutamente original en
el tejido edilicio de una
fábrica anterior.
Altar de San Esteban,
Salamanca,
J. de Churriguera
1692-94
Escultura
Bernini es a la escultura del siglo XVII lo que fue
Miguel Angel a la del siglo XVI. Su sello marca
toda la época. Sus principales características son
el movimiento exaltado, la busqueda de nuevas
texturas y el naturalismo. El tratamiento de las
figuras es casi puramente pictorico, trata de dar
una ligereza casi inmaterial a sus obras.
Es importante, también, la faceta de retratista de
Bernini, el naturalismo del Barroco favorece el
uso del retrato en la escultura.
Características
Fusión con el total arquitectónico de efectos
escénicos.
En una plaza, un jardín, un altar o un nicho.
Movimiento y exaltación
En las masas y las líneas curvas: los vestidos
exuberantes en pliegues, los rizos de las pelucas, las
figuras obesas y exuberantes en musculatura
masculina o curvas femeninas.
Fuertes contrastes
Por los efectos de luz y sombra violentas.
Predominan:
• El interés por las formas sinuosas y el
movimiento.
• La expresión y el dramatismo. Este ultimo se
obtiene por medio de una técnica que aumenta
los contrastes de luz y sombra: el corte no es
vertical, sino inclinado y profundo
• Un intento de rivalizar con la pintura, por
ejemplo, utilizando mármoles policromos.
Monumento funerario para
el papa Alejandro VII
Gianlorenzo Bernini
1673-74
Beata Ludovica Albertoni (1671-74)
Gianlorenzo Bernini /188 cm.
El éxtasis de Santa
Teresa
Escultura realizada por
Bernini entre 1647 y 1652
en mármol y bronce
dorado. Mide 3,5 m de
altura. Se conserva en la
Capilla Cornaro de la
iglesia de Santa Maria
della Vittoria, Roma.
Música
La historia de la música ubica el inicio del Barroco en el
1600 con la ópera Orfeo de Monteverdi y su término en el
1750 con la muerte de J.S. Bach.
La palabra Barroco se utiliza en la arquitectura como un
estilo sobrecargado y lleno de ornamentaciones. Esto no
es aplicable a la música y se le llama así para ubicarla
dentro de un contexto cronológico. En este período surge
el llamado humanismo en donde ahora la música seguiría
al texto ya que este último se consideraba como una
expresión del hombre.
Una de las formas básicas del estilo barroco fue el baso
continuo que era una base armónica que se presentaba
durante toda la pieza, es decir, estructuras bien definidas
en las que se hacen grupos de notas que se van
combinando entre ellas.
Con estas estructuras se crearon numerosas formas
musicales como:
• Rondó (forma musical que un tema principal alterna
con otros temas diferenciados)
• Sonata (pieza para uno o dos instrumentos que
debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que
debe cantarse)
• Suite (composición que consiste en una serie
melodías para danzar como la allemanda,
sarabanda, giga, gavota y el bouré y minueto)
• Concerto grosso, las variaciones, el preludio, la
fuga y el concierto (donde se escribe para un
instrumento solista y orquesta).
Italia
Tomaso Albinoni (1671-1750)
Violinista y compositor veneciano. Compuso obras
instrumentales y numerosas óperas que se conservan
incompletas. Bach utilizó algunos de sus temas.
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Compositor y violinista. Principal representante del
Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de
sonatas para iglesia y cámara (1681-1700) y una de
concerti grossi (1714).
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Organista, clavecinista y compositor. Compuso más de
quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas.
Sobresalió por su virtuosismo en el teclado.
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Compositor y violinista, de la escuela barroca
veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo
que renunciar al ejercicio de su ministerio, y fue
profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto con
Corelli, fuel el más importante representante del
concerto grosso. Verdadero creador del concierto para
solista. Intérprete virtuoso (considerado el precursor de
Paganini) autor brillante y colorista (dominio del
contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un
personaje anticipado del Romanticismo. Compuso más
de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas,
etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las
Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la
Armonía y la Invención (1725).
Francia
François Couperin (1668-1733)
Fue junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes clavecinistas de
la historia. Fue llamado Couperin el Grande. Autor de un método didáctico
(El Arte de Tocar el Clavecín, 1716) y de numerosas composiciones (obras
para clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).
Jean-Baptiste Lully (1632-1687)
Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa.
Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos
de sus trabajos operísticos.
Jean-Philipp Rameau (1683-1764)
Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y
autor de piezas para clave, debutó en el género operístico en plena
madurez, con Hipóclito y Aricia (1733); del resto de su producción,
caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva, se
destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737). Intervino en
la “querella de los bufones”, a favor de la tradición, y dejó escrita una
importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios
Naturales, 1722)
Inglaterra
Henry Purcell (1659-1695)
Fue miembro de una familia de músicos de la
corte. Se mantuvo dentro de la tradición
contrapuntística, aunque dando más realce en sus
obras a la melodía. Considerado como el iniciador
de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690),
también escribió cantatas, odas, sonatas, y suites
instrumentales.
Alemania
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Organista y compositor. El más célebre de la familia (y de toda
la historia de la música :). Fue músico de la corte, organista en
Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador, elevó
la fuga a su máxima expresión, extrayendo de. ella todas las
posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar
numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales:
El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, el
Magnificat, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga.
Georg Friederich Haendel (1685-1759)
Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su
nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre los
italianos o los ingleses. En su vasta producción sobresalen
óperas (Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los
oratorios, más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742;
Judas Macabeo, 1745).
Johann Pachelbel (1653-1706)
Compositor y organista alemán. Fue considerado el
precursor de Bach. Su obra, ecléctica y exenta de
artificios, comprende cantatas, motetes, fugas, suites,
corales. Una obra importante fue Divertimento Musical
(1691).
Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que
Bach, combinó elementos alemanes, italianos y
franceses, representando la síntesis entre la escuela
contrapuntística y el estilo armónico. Dejó una
extensa producción, tanto de música religiosa como
profana.
En música también se expresa la liberación del
sentimiento y el dinamismo de las formas. J. S.
Bach haciendo una síntesis del subjetivismo y
clasicismo Barrocos, compone música religiosa
cargada de misticismo y reflexión. Con él alcanza
gran desarrollo la técnica del contrapunto. Surge
también la ópera, la cual alcanza, en breve tiempo,
su madurez.
Pintura
La pintura barroca se distingue por varios caracteres:
•
Predominio del color sobre el dibujo.
En los grandes maestros las manchas de color son las
que definen las figuras.
•
Profundidad continua.
Se acentúa la selección adelante-detrás y la pintura
parece tener tres dimensiones, se utiliza mucho la
perspectiva y el escorzo.
•
Hegemonía de la luz.
Mientras en el Renacimiento la luz se subordina a la
forma en el Barroco sucede todo lo contrario. En el
Barroco es muy importante el rol que juega la sobra,
especialmente en las primeras manifestaciones de
este estilo (Tenebrismo).
• Composición asimétrica y atectónica. Se
pierde la tendencia de colocar la figura principal
al medio y a pintar dos mitades de tela
semejante (simetría), también se desecha la
malla horizontal y vertical del arte clásico
(composición tectónica). Se prefiere lo que
demuestra desequilibrio o que sugiera que la
obra va más allá del marco.
• Movimiento. El Barroco no presenta formas
estáticas; la turbulencia se antepone a la
tranquilidad. La composición atectónica sugiere
por si sola movimiento, por el uso de diagonales.
• En la pintura se repite la complejidad de planos, el
dinamismo, el colorido, la sensualidad, la emoción,
el dramatismo incluso, proveniente de la
exageración de todos esos elementos. Pero
existen dos tendencias, la subjetiva, que
acabamos de describir y otra más objetiva, más
racional, que se contenta con captar el mundo
como se ve, sin profundizar en lo psicológico. Sus
cuadros son más serenos y sus colores más bajos.
• La temática que enfrenta la pintura se acerca más
a la realidad de aquella época, con frecuencia el
paisaje es un argumento por si solo, así como
también la naturaleza muerta.
Italia
Caravaggio (1573-1610)
Claroscuro con fuertes efectos luminosos: principal
representante del "tenebrismo". Vida muy agitada,
acusaciones de homicidio.
Annibale Caracci (1560-1609)
El más importante de toda una familia de pintores. Frescos,
Palacio Farnese, Roma.
Pietro da Cortona (1596-1669)
Exuberancia de figuras alegóricas en movimiento. Introduce
el ilusionismo, un truco perspectívico donde la pintura
pretende continuar la arquitectura real.
Giovanni Battista Tiépolo (1696-1770)
El último de los grandes exponentes del ilusionismo. Mural,
tabla y grabado.
Antonio Canaletto (1697-1768)
Introduce la "veduta" (vista panorámica de una ciudad).
Francesco Guardi (1712-93)
Alumno del anterior, con pincelada mucho más suelta, casi
impresionista. Paisajes y "vedutas" con fiestas venecianas.
Su enfoque ya corresponderia al rococó.
Amor victorioso
(1601-02)
Caravaggio
Oleo sobre lienzo 156 x 113
cm.
Cena en Emaús, 1600-01 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 141 x 196 cm.
Cena en Emaús, 1606 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 141 x 175 cm.
Cristo atado a la columna, 1606-07 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 134,5 x 174,5 cm.
David con la
cabeza de Goliath,
1609-10 /
Caravaggio
Oleo sobre lienzo
125 x 101 cm.
David vencedor, 1607 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 90,5 x 116,5 cm.
David victorioso,
1599/1600
Caravaggio
Oleo sobre lienzo
110 x 91 cm.
Decapitación de Holofernes, 1598 h. / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 144 x 195 cm.
Sacrificio de Isaac, 1603 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 104 x 135 cm.
San Mateo y el
ángel, 1601-02 /
Caravaggio
Oleo sobre lienzo 232
x 183 cm.
San Mateo y el ángel,
1602 / Caravaggio
Oleo sobre lienzo 296,5
x 195 cm.
Venus con cupido, 1592
Annibale Carracci
Oleo sobre lienzo
Inmaculada, 1769 h. / Tiépolo
Oleo sobre lienzo 279 x 152 cm.
Plaza de San Marcos, 1750 h. / Canaletto
Oleo sobre lienzo 68´6 x 112´4 cm.
España
Francisco Ribalta (1565-1628)
Claroscuro y expresividad realista.
José de Ribera, Spagnoletto (1590?-1652)
Alumno del anterior, sigue el claroscuro de Caravaggio. Sus
temas, ancianos, con pasión y realismo. Ambos
representan el "tenebrismo" español.
Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Sus temas, monjes, con realismo y religiosidad ascética.
Diego Velázquez (1599-1660)
El más importante de todos. Pintor de la Corte de Felipe
IV. Célebres retratos del rey y de su familia (Las
Meninas, Prado, Madrid), grandes composiciones
históricas (La Rendición de Breda, Prado) y otras (Las
Hilanderas, Prado). El primer desnudo en la pintura
española (Venus con el Espejo, Gal. Nacional, Londres).
Realista, fino colorista.
Bartolomé Esteban Murillo (1617-82)
Cuadros de "costumbrismo" callejero, cuadros
religiosos.
Cristo abrazado a
San Bernardo,
1625/27
Francisco Ribalta /
Oleo sobre lienzo 158
x 113 cm.
Don Juan José de
Austria, 1648 h. /
Españoleto (El)
Oleo sobre lienzo 319
x 251 cm.
Inmaculada Concepción, 1635 /
Españoleto (El)
Oleo sobre lienzo 502 x 329 cm.
Martirio de
San Felipe,
1639 /
Españoleto (El)
Oleo sobre
lienzo 234 x
234 cm.
Agnus Dei, 1635/40
Francisco de Zurbarán
Oleo sobre lienzo 38 x 62 cm.
Bodegón de cacharros, 1633
Francisco de Zurbarán
Oleo sobre lienzo 46 x 84 cm.
Inmaculada, 1661
Francisco de Zurbarán
Oleo sobre lienzo 136
x 102 cm.
Cristo crucificado, 1632
/ Velázquez
Oleo sobre lienzo 248 x
169 cm.
La Familia de
Felipe IV, 1656
(La meninas)
Velázquez
Oleo sobre lienzo
318 x 276 cm.
Dos niños comiendo
melón y uvas, 1650-55
Murillo
Oleo sobre lienzo
Joven y su dueña,
1670 h.
Murillo
Oleo sobre lienzo
127,7 x 106,1 cm.
Niño espulgándose,
1645-50
Murillo
Oleo sobre lienzo 137
x 115 cm.
Flandes
Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
Con Bernini, el más barroco de todos los artistas. Pintor, arquitecto,
decorador, diplomático y viajero. Se diferencia de los mediterráneos
en su preferencia por lo carnal. Movimiento, opulencia, curvas y
alegorías, todo esto al máximo. Sus temas, mujeres, santos, héroes,
príncipes y mendigos.
Anthonis Van Dyck (1599-1641)
Alumno del anterior. Pintor y grabador. Artista de la alta aristocracia,
especialista en el retrato social. Elegante en actitud y colorido.
Influenció fuertemente el retrato inglés.
David Teniers, Hijo (1610-90)
Pintor de la Corte en Bruselas. Cuadros de "costumbrismo" popular
y callejero.
Adriaen Brouwer (1605-38)
Igual al anterior, pinta escenas populares, costumbrista y paisajista.
Adan y Eva, 1598-1600
Peter Paul Rubens
Oleo sobre tabla 180,3 x
158,8 cm.
Descendimiento de la
Cruz, 1611-14
Peter Paul Rubens
Oleo sobre tabla 420 x
310 cm.
Educación de María de
Medicis, 1622-25
Peter Paul Rubens
Oleo sobre lienzo
Las Tres Gracias,
1625/30
Peter Paul Rubens
Oleo sobre tabla 221 x
181 cm.
Autorretrato con sir Endymion Porter, 1632/41
Anton Van Dyck
Oleo sobre lienzo 110 x 114 cm.
Serpiente de metal, 1620
Anton Van Dyck
Oleo sobre lienzo 205 x 235 cm.
Holanda
En los países protestantes no se cultivan los mismos temas del barroco
meridional, como ser el triunfo de la Iglesia, la glorificación de un Papa,
etc. Más bien se busca el refinamiento plástico, dentro del concepto
burgués.
Rembrandt (Harmensz Van Rljn) (1606-69)
Uno de los más grandes de todos los tiempos y países. Produjo
aproximadamente 700 pinturas, 300 aguafuertes y 1.800 dibujos. Sus
temas, escenas bíblicas, mitológicas, retratos, retratos colectivos,
paisajes, naturalezas muertas y un gran número de autorretratos. Toda
su obra es profundamente humana y la dramática luz no solamente
modela el espacio, sino concentra e intensifica el acontecimiento.
Frans Hals (1580-1666)
Gran pintor de retratos individuales y colectivos. Pincelada suelta, tipo
impresionista, por la frescura de su enfoque.
Jan Vermeer Van Delft (1632-75)
Obras cuidadosamente compuestas y finamente alegóricas. Ambiente
de silencio, quietud e inmovilidad.
Autorretrato con
caballete, 1660
Rembrandt
Oleo sobre lienzo
111 x 90 cm.
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, 1632
Rembrandt
Oleo sobre lienzo 169´5 x 216 cm.
La mujer gitana,
1628-30
Frans Hals
Oleo sobre tabla 58
x 52 cm.
Astrónomo, 1668-69
Vermeer de Delft
Oleo sobre lienzo 50,8
x 46,3 cm.
Lechera, 1658-60
Vermeer de Delft
Oleo sobre lienzo
45,4 x 41 cm.
El Geógrafo, 1669
Vermeer de Delft
Oleo sobre lienzo 53 x
46,6 cm.
Encajera, 1669-70
Vermeer de Delft
Oleo sobre lienzo 24,5 x
21 cm.
Francia
Durante todo el siglo XVII, la pintura aquí oscila entre lo clásico y lo
barroco.
Nicolas Poussin (1593-1665)
Sigue fielmente el ideal clásico, o sea, un esquema geométrico y
absoluto de tipo antiguo. Vivió casi toda su vida de pintor en Roma.
Sus temas, escenas históricas, religiosas o paisajes mitológicos.
Claude Lorrain (1600-82)
Pintor y grabador. Exclusivamente paisajista. Idealiza la naturaleza
en composiciones clásicas, sin copiada. Luminosidad. Influye en
paisajistas posteriores.
George De La Tour (1503-52)
Tenebrista influenciado por Caravaggio. Efectos de luz de vela se
destacan del fondo nocturno.
Louis Le Nain (1593-1648)
Colaboró y firmó junto con sus 2 hermanos. Temas campesinos y de
"género" popular.
Puerto al atardecer, 1643
Claude Gellee
Oleo sobre lienzo 74 x 99 cm
Puerto al amanecer, 1674
Claude Gellee
Oleo sobre lienzo 72 x 96 cm.
Este arte agitado, en perpetuo movimiento, lo que se ha
logrado a través de los elementos indicados;
complicación de espacios y estructuras, contrastes de
colores, luces y sombras, contorsión de figuras y ropajes,
expresión de la emoción - es un arte que representa la
nueva visión del mundo entregada por Copérnico. En
ésta, la tierra no es estática ni es el centro del Universo
sino que gira incesantemente alrededor del sol. Por otro
lado, su sociedad en donde hay un proyecto claro y que
se desenvuelve sin grandes crisis - capitalismo en lo
económico y absolutismo en lo político - tal vez explique
la variedad del Barroco racional.
En el siglo XVIII, el Barroco se exageró, llegándose a una
variante del mismo, el estilo Rococó.