Transcript Francisco de Goya y Lucientes

DEL NEOCLASICISMO AL EXPRESIONISMO
PINTURA
Francisco de Goya y Lucientes
Historia del Arte
2011 Inma Navarro
Los 82 años de la vida de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) abarcan
un amplio y trascendente espacio de la vida española. No ha habido ningún pintor
en la historia de España tan comprometido con su tiempo, que dejara una visión
tan mordaz y tan profunda. Y es que le tocó vivir dos épocas muy distintas, que
casi coinciden con sus etapas vitales: la del optimismo de la Ilustración y la del
pesimismo de la guerra y el oscurantismo.
ETAPAS EN LA VIDA Y LA OBRA DE GOYA:
* FORMACIÓN Y ETAPA ZARAGOZANA. 1760-1774.
* ASCENSO SOCIAL EN MADRID. 1775-1793.
-LOS CARTONES PARA TAPICES.
- LOS RETRATOS Y EL ACADEMICISMO.
-LA PRIMERA CRISIS DE SU SORDERA. 1793.
-* GOYA PRIMER PINTOR DEL REINO. 1793-1808.
- EL RETRATO OFICIAL.
-GOYA RETRATISTA DE LA SOCIEDAD ESPAÑOLA.
- - EL GOYA ILUSTRADO Y CRÍTICO.
* GOYA ATORMENTADO. 1808-1823.
- LA GUERRA DE LA INDEPENDENCIA.
- LAS PINTURAS NEGRAS. 1819-23.
-EL RETRATO OFICIAL PARA FERNANDO VII.
-* GOYA EN EL EXILIO FRANCÉS. 1823-1828
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos,
Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español.
Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo.
En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco
supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las
vanguardias pictóricas del siglo XX.
La confección de tapices para las dependencias de la realeza española había sido un
empeño de los Borbones que se ajustaba al espíritu de la Ilustración, pues se trataba de una
empresa que fomentaba la industria de calidad. A partir del reinado de Carlos III, las
estampas se esforzarán por representar motivos españoles, en línea con el pintoresquismo
vigente en los sainetes teatrales
La imagen muestra "El quitasol", cuyo autor fue Goya durante 1777, y por lo tanto
perteneciente a la pintura pre-impresionista. Se trata de un tema popular, concretamente
representa a un joven tapándole el sol a una maja.
Es una pintura al óleo sobre lienzo. La luz es una característica muy importante ya que
enfoca directamente al cuerpo de la maja, destacando así la sombra a la que da lugar el
quitasol. Su composición gira entorno a un primer plano en el que se encuentran los dos
adolescentes. Los árboles que se sitúan en la parte trasera y el tono claro del fondo dan
sensación de perspectiva. Los personajes dejan ver un leve movimiento en su postura. Su
rostro refleja una expresión relajada y placentera. Es un cuadro bastante realista ya que
refleja un momento cotidiano de la vida del pueblo español. Predomina el color sobre el
dibujo y destacan las tonalidades claras que contrastan con el oscuro del suelo .
Esta obra es uno de los más bellos cartones para tapices. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Goya se
adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época.
El Quitasol pertenece a la pintura española de estilo pre-impresionista, es un arte rico que expresa el ideal de vida cortesano lleno
de lujo y sin preocupaciones.
Claseshistoria
Diagonal del rectángulo
del cuadro determinan la
perspectiva de la pared
del fondo y la posición
del parasol
Composición simple,
muy equilibrada
(piramidal)
Diversidad de tonalidades,
brillos y reflejos. Ejemplo de
matizaciones de paleta: rostro
de mujer rosado tiene transparencias
verdosas como reflejo del quitasol
mientras que cara de joven está
plenamente bañada de luz solar.
(problemas con fábrica de tapices
por dificultad de trasladar tantas
graduaciones a hilos de tela)
Trajes folklóricos
de gran viveza
cromática
Escenas de
la vida popular
con personajes
idealizados y
galantes (majos
y majas)
Atmósferas luminosas
y alegres
Minuciosidad en los
pequeños detalles
Cartón para tapiz
trasladado a óleo
sobre tela
Francisco de Goya y Lucientes
Primera etapa
El quitasol
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Características
generales: diversidad cromática, atmósferas
claras, temas populares tratados con elegancia,
Mayor variedad
Diversidad
transparencias y brillos, etc.
de colores (esta obra
de actitudes
pertenece a su última serie
de tapices, realizada quince
años después de los primeros)
Figuras más pequeñas
dotadas de
gran dinamismo
A pesar de su
temática costumbrista,
trasluce cierta carga
de crítica social: nobles
pasan ajenos a los
vendedores de loza y sus
clientes (pueblo)
El cacharrero
La gallina ciega
Francisco de Goya y Lucientes
Primera etapa
Historia del Arte
© 2011 Inma Navarro
Técnica de aguatinta: se granula la plancha
esparciendo granos de resina o betún que
por calentamiento se adhieren a la superficie metálica.
A la vez se hace el dibujo y se protege con barniz
las zonas que quedarán en blanco.
Cuando se mete en ácido, éste actúa en los
huecos dejado entre los granos y en el rayado del
dibujo que puede hacerse con una gran variedad
de tonalidades grises, rompiendo el claroscuro continuo.
Luz vibrante, que potencia
contraste entre blancos
intensos y oscuridad extrema
(refuerza la tensión)
Estampas satíricas.
Crítica a la sociedad
de su época. Censura
los retiró
Líneas más
perfectas con gran
carga expresiva
Técnica de aguafuerte (plancha metálica
cubierta de barniz, se dibuja (araña) con punta
metálica y se mete en ácido nítrico que muerde
sólo la zona sin barniz, dejando un dibujo. Se
entinta y se hacen las copias)
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
Colección grabados “Los Caprichos”
El sueño de la razón
EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS
La imagen muestra "El sueño de la razón produce monstruos", cuyo
autor fue Goya en 1797 y por lo tanto perteneciente a una serie de
grabados llamados "Caprichos". representa a un personaje
rodeado por criaturas nocturnas.
Es un grabado en el que Goya utilizó la técnica del aguafuerte
La luz es una característica muy importante ya que recae
directamente sobre el cuerpo del personaje y deja oscurecidas
algunas lechuzas y el fondo, lo cual da sensación de profundidad.
La composición gira entorno a un primer plano en el que se
encuentra el artista dormido sobre un pedestal, donde figuran
esparcidas hojas de papel de dibujo y lapiceros con carboncillos; y
un segundo plano en el que quedan las criaturas nocturnas: un
gato, murciélagos, búhos y lechuzas de agitado vuelo... Las alas
abiertas de estas aves reflejan una sensación de movimiento. Es
bastante realista, aunque de una manera idealizada, ya que
simboliza la sociedad de la época.
Esta obra fue pensada originalmente para la portada de los
"Caprichos", pero finalmente lo sitúa en el inicio de las escenas de
brujas. Actualmente pertenece a una colección particular de
Zaragoza. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se
adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus
obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época.
El sueño de la razón produce monstruos es un grabado que
pertenece a la serie de los Caprichos. Goya los pintó mientras era
pintor de Corte de Carlos IV.
Este es un momento en el que Goya aprecia lo que ocurre en
España con Godoy y por ello manifiesta su descontento. Las
criaturas nocturnas simbolizan las vulgaridades perjudiciales del
mundo, la ignorancia y los vicios de la sociedad. Males que Goya
intenta poner a la luz representándolos para que puedan ser
reconocidos y combatidos. Estas obras fueron criticadas por la
Iglesia, quien no veía bien el reproche que hacía a la sociedad.
Ochenta grabados
con una fuerte
carga sarcástica
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
Colección grabados “Los Caprichos”
Una barandilla alrededor
de la base de la cúpula
permite representación
de diversidad de personajes
en múltiples actitudes
Traslada milagro a
Siglo XVIII y en un
paisaje campestre
Escorzos audaces de
abajo hacia arriba
que valorizan la
proyección en perspectiva
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
San Antonio de la Florida
Superposición de pinceladas de
tonos complementarios
para que la retina los fusionara
(manchas blancas sobre dorados
y colores del vestido para
que en la lejanía parezcan
destellos luminosos)
Pinceladas más amplias
e intensas
Perspectiva creada colocando
brazo fuera de barandilla
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
San Antonio de la Florida
(detalle)
Otro extraño ejemplo
de desnudo en
pintura española
(Inquisición lo prohibía)
Efectos claroscuros,
luz envolvente de
Sensualidad:
cuerpo
sus rosadas carnes
Perfección
resaltan al contrastarse
anatómica
con el azul del diván y
los blancos de las sábanas
y almohadones
Maja desnuda
Dibujo más
definido,
pincelada lisa
Canon
acortado
Pincelada más suelta,
más variedad
cromática, riqueza
de detalles (corpiño)
Maja vestida
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
Ropa masculina
(disfraz) con
detalles de lujo
(zapatos y lazo rojo)
Futura esposa de
Fernando VII (como no
se sabía todavía quién iba
a ser, se pintó con la
cara vuelta)
Destaca la figura
de la reina Maria Luisa
(referencia a su poder)
con sus hijos pequeños
Posturas vulgares
de algunos miembros
(hermanos y sobrinos
de Carlos IV)
Luz extrae personajes
de la oscuridad del fondo
Cuadro dentro del cuadro
representa el tema de Lot y
sus hijas (referencia a la falta
de moralidad
Proximidad de pared plana
trasera da sensación de
agobio, de falta de espacio,
incluso carece de punto de fuga. Se
obliga al espectador a concentrarse
en los personajes
Goya aparece en
un segundo plano pintando
(referencia “Meninas”)
Personajes distribuidos como
en un friso, pero sutilmente
separados por grupos
Príncipe de Asturias
(futuro Fernando VII)
y Carlos María Isidro
Riqueza de tonalidades cálidas y
profusión de adornos lujosos
(bandas, condecoraciones) que
contrastan con realismo descarnado
de los retratos (estudio psicológico)
que no ocultan lo feo
Líneas de composición
paralelas privan de
movimiento
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
La familia de Carlos IV
Condesa (casada por imposición con Godoy, embarazada a los veinte años -tocado de
espigas alude a la fertilidad-, abandonada por esposo) con expresión frágil (no mira al
espectador, las manos nerviosas, sentada incómoda en la silla). Profundo estudio
psicológico del personaje que presenta rostro melancólico.
Fondo negro para
resaltar sensación de
desamparo y para concentrar
atención en el personaje
Vestido blanco de alta cintura
presenta reflejos dorados-verdes
que parecen reflejar la atmósfera
lumínica que irradia el personaje
Busca siempre
en sus retratos
alejarse de lo
antinatural o
artificioso
Pincelada
más libre
Francisco de Goya y Lucientes
Segunda etapa
Condesa de Chinchón
Figura majestuosa
realzada sus tonalidades cálidas
por los juegos de luz
Puño cerrado
amenazador
(alegoría de la guerra
o la desgracia. También
posible alusión a
Napoleón)
Contraste de líneas de fuerza:
Gigante de espaldas hacia fondo
y la población y animales despavoridos
hacia los lados opuestos
Sólo burro permanece
quieto (símbolo de
la ignorancia ante lo que
se avecina)
Paisaje desolado
complementa caos
y pánico
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
El Coloso
EL COLOSO
La imagen muestra "El Coloso", cuyo autor fue Goya en 1810 y por lo tanto
perteneciente a la pintura pre-expresionista. Se trata de un tema dramático
que deja de ser descriptivo, concretamente muestra a un ser superior sobre
las tierras españolas.
Es una pintura al óleo sobre una tabla de pequeño formato. La luz es una
característica muy importante ya que enfoca al desastre causado por este
ser superior. Es una luz ciega que intuimos que proviene de la parte
izquierda y que deja oscurecido el fondo y el cuerpo del personaje dando
así mayor sensación de dramatismo y produciendo un juego de luces y
sombras. La composición gira entorno a un primer plano en el que se sitúa
el desastre causado por el personaje principal que se encuentra en un
segundo plano pero a una gran escala. La diferencia de tamaños da
sensación de perspectiva. Los caballos trotando reflejan un movimiento
violento así como las nubes que envuelven a la figura central. Es una obra
poco realista ya que no refleja un ambiente natural. Predomina el color
sobre el dibujo y destacan las tonalidades oscuras que producen un
contraste con las claras.
El simbolismo de este cuadro ha sido objeto de discusión. Se ha querido
ver en él la representación de Napoleón, de los efectos devastadores de
sus conquistas, la imagen temible de la guerra. Se considera como un
precedente de las pinturas negras. Actualmente se encuentra en el Museo
del Prado, en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se
adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras
revelan que fue un artista muy comprometido con su época. El Coloso
pertenece a la pintura pre-expresionista, que es un estilo propio de Goya
que más tarde inició el camino artístico del expresionismo, que es una
corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.
Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas
del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieron España y
colocaron como monarca a Jose I, hermano del general francés. Por lo
tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas.
Pincelada
muy suelta
Formas curvas,
zigzagueantes,
diagonales que
acentúan dinamismo
Exacerbada
violencia
Contrastes
cromáticos
Escorzos pronunciados
y violentos
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
La carga de los mamelucos
a)
Tres fases:
Grupo de detenidos dirigiéndose hacia muerte
b) Grupo de presos ante el paredón
c) Grupo de prisioneros ajusticiados
Foco de luz de fanal
ilumina violentamente
zona de ajusticiados
Cada grupo con un personaje
destacado:
a) Tapándose la cara horrorizado
b) Abriendo los brazos y entregán
dose (al igual que Cristo.Hasta
tiene una mano herida)
c) Repitiendo los brazos abiertos
Línea de fuerza
en fusiles dirigen
hacia parte principal
Pelotón de ejecución
en diagonal cerrada
Verdugos de espaldas
(anonimato, despersonalización
de la máquina de guerra)
Colores cálidos dominan parte
principal: blanco de camisa,
amarillo del pantalón, ocre claro
del suelo que contrastan con
el rojo de la sangre
Pies firmes en triángulo
(estabilidad)
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
Fusilamientos de la Moncloa
Contraste actitudes firmes y uniformes
de anónimos soldados con variados gestos
y posturas (curvadas,hundidas)
de desesperación, resignación o
desafío de los ajusticiados
que presentan caras individualizadas
Paisaje urbanístico
difuminado por oscuridad
Presentación del
tema de la guerra en
su vertiente más sórdida
Tercio superior dominado
por negrura aumenta
la sensación de terror
Primer cuadro de
historia en que
protagonista es la
masa no un aristócrata
o un militar
el pintor llevó a los lienzos algunos sucesos en los que estuvieron implicadas personas allegadas a él. Actualmente este
cuadro se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su
tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. Los
fusilamientos del 3 de mayo pertenece a la pintura romántica, que se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y
subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico.
Con esta obra Goya quiere expresar su disconformidad ante las tropas francesas. Para ello pinta los episodios históricos de
la Guerra de la Independencia que más trascendencia tuvieron.
La imagen muestra los "Fusilamientos del 3 de Mayo", cuyo autor fue Goya en 1814 y por lo tanto perteneciente a la pintura
romántica. Se trata de un tema histórico, concretamente refleja un episodio de la Guerra de la Independencia.
Es una pintura al óleo sobre un gran lienzo. La luz es una característica muy importante. Como la acción se desarrolla por la
noche al aire libre, la luz proviene de un candil y enfoca directamente al reo. La composición gira entorno a un primer plano en el
que se encuentran los soldados franceses fusilando, el reo y algunas personas a su alrededor; y un segundo plano en el que
quedan el paisaje del fondo que intuimos que se trata de la ciudad de Madrid. Es esto último precisamente lo que da sensación
de perspectiva. Apreciamos un movimiento violento por la tensión de la situación. El rostro de la figura principal, el reo da una
expresión de impotencia ante su muerte. Los gestos tanto de los franceses como del resto de la gente también son muy
expresivos. Es un cuadro bastante realista ya que refleja de forma natural el ambiente del momento. Encontramos una pincelada
de factura violenta, sin embargo destaca la riqueza del color. El autor utiliza la técnica del claroscuro por lo que encontramos un
gran contraste entre las tonalidades claras y oscuras, y, frías y cálidas.
Pincelada cada vez
más amplia y libre
Expresividad de
rostros (destacan
ojos y bocas
Luz parece irradiar
de camisa del ajusticiado
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
Fusilamientos de la Moncloa (detalle)
Aguafuertes y aguatintas
con escenas de horror
de la guerra
Fuerte
expresionismo
Refleja por igual
odio de invasores
e invadidos
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
Colección grabados “Desastres de la Guerra”
Escenas
costumbristas
Gran nitidez
en los grabados
Fuerte grado
de realismo
Francisco de Goya y Lucientes
Tercera etapa
Grabados de Tauromaquia
Pintura mural. Al trasladarse
a lienzo sufrió algunas modificaciones
Representa enfrentamiento
fratricida
Reducción de paleta a negros,
ocres, blancos, verdes oscuros
Paleta muy
oscura
Paisaje desértico
que acentúa
dramatismo
y sensación
de soledad
Personajes enterrados
hasta rodillas (zona
de transición muy
difuminada)
Francisco de Goya y Lucientes
Cuarta etapa
Pinturas negras
Duelo a garrotazos
Expresionismo: Ojos desencajados,
nariz y boca prominentes
Simboliza paso
del tiempo (y mensaje
más profundo hombre
destruye al hombre)
Pinceladas discontinuas,
Enérgicas, manchas saturadas,
con grumos
Figura emerge
de una profunda
oscuridad
Gusto por
lo desagradable
y horripilante
Dedos se incrustan
en carnes
Contraste cuerpo inerte
y cuerpo en tensión de Saturno
Francisco de Goya y Lucientes
Cuarta etapa
Pinturas negras
Saturno devorando a sus hijos
Estudio anatómico (persona adulta)
del hijo. Fuerte contraste ocre
claro del cuerpo y rojo
de la sangre
Cuerpo
deformado
SATURNO DEVORANDO A SU HIJO
La imagen muestra a "Saturno devorando a sus hijos", cuyo autor fue Goya durante su tercera
etapa y por lo tanto perteneciente a la pintura de estilo pre-romántico. Se trata de un tema
mitológico, concretamente muestra a Saturno devorando a su hijo.
Es una pintura al óleo sobre un lienzo de pequeño formato. La luz es una característica muy
importante ya que enfoca directamente a la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. Es una luz
ciega que deja oscurecido el fondo dando así una sensación de tenebrismo. La composición gira
entorno a un único plano en el que se sitúa Saturno devorando a la víctima. La sensación de
profundidad viene marcada por el oscuro del fondo. Apreciamos un movimiento violento tanto en la
postura que adopta Saturno, como en su boca. Su rostro refleja una expresión de drama y
tenebrismo. No es una obra muy realista ya que es una situación inventada por Goya. Predomina
el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades oscuras que contrasta con la claridad del cuerpo
de la víctima.
Esta obra refleja como Saturno devora a su hijo tras saber que de no ser así este terminaría por
destronarle. Se considera uno de los precedentes de las Pinturas Negras. Actualmente se
encuentra en el Museo del Prado en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se
adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista
muy comprometido con su época. Saturno devorando a su hijo pertenece a la pintura preexpresionista, que es un estilo propio de Goya que más tarde inició el camino artístico del
expresionismo, que es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.
Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al
mando de Napoleón, invadieron España y como el pueblo español fue reprendido por los
franceses. Napoleón y su ejercito sería Saturno mientras que su hijo sería el pueblo español. Por lo
tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas
Macho cabrío (diablo)
de espaldas, con hábito
de tonalidad muy oscura
preside reunión de brujas
Pintura mural
(originalmente en
“La quinta del sordo”
trasladada a lienzo
Rostros deformados,
grotescos
Francisco de Goya y Lucientes
Cuarta etapa
Pinturas negras
El aquelarre
Abandono de la imprimación
rosada de fondo por una marrón
obscura
Caballo representa
fuerza bruta raptando
a joven
Canon más
estilizado
Precursor
del surrealismo
(temas oníricos,
Irreales, sacados del
subconsciente
Publicados varias
décadas después
Combina sombreado
suave con otras
zonas intensas
para reforzar
el dramatismo
de la escena
Francisco de Goya y Lucientes
Cuarta etapa
Colección de Grabados “Los Disparates”
Retratos
fidedignos
Carga
dramática
Pincelada
ancha
Francisco de Goya y Lucientes
Cuarta etapa
Goya asistido por Arrieta
Regresa a la
imprimación rosa
(recuperación del
optimismo)
Sobre fondo de verdes dorados
y ropas azules-verdosos y blancas
destacan los tonos cálidos
de la cara
Figura levemente
inclinada, predominio
de curvas
Gran pastosidad.
Crea superficie
rugosa
Pinceladas pequeñas
y libres
Pinceladas yuxtapuestas
(precedente impresionista)
Francisco de Goya y Lucientes
Final de su vida
La lechera de Burdeos