Slide 1

56
Bienal de Venecia
2015


Slide 2

Marcel Broodthaers, Jardin d’Hiver, 1974,
Instalación con 36 árboles Kentia, seis fotografías en b/n.
Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia


Slide 3

56ª Exposición Internacional de Arte
la Biennale di Venezia 2015
9 de mayo - 22 de noviembre de 2015

“All the World's Futures”
Curador: Okwui Enwezor
(1963 Nigeria. Curador, crítico de arte, editor y escritor.
Desde 2011, Director de Haus der Kunst en Munich).
Sedes: Arsenale y Pabellón Central, Giardini

“Todos los Futuros del Mundo”
Exposición central - Arsenale

La exposición “Todos los futuros del mundo” comienza en el Pabellón Central de los Jardines y continúa en los Arsenales,
Reúne a 136 artistas de 53 países


Slide 4

Todos los Futuros del Mundo
Exposición Central Internacional.
Curador: Okwui Enwezor.
Participantes: 136.
Sedes: Arsenale y Pabellón Central, Giardini.

Palabras del Curador Okwui Enwezor*

Las rupturas que proliferan en cada esquina del
paisaje global hoy día evocan los desvanecidos
escombros de sucesivas catástrofes apilados a los
pies del ángel de la historia, el Angelus Novus.
¿Cómo puede el desasosiego de nuestra época ser
captado, hecho comprensible, examinado y
articulado? En el transcurso de los últimos dos
siglos los cambios radicales han hecho surgir nuevas
y fascinantes ideas tratadas por artistas, cineastas,
actores, compositores, músicos como temas de sus
obras. En reconocimiento de ello, la 56a Exposición
Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, All
the World's Futures [Todos los futuros del mundo]
propone un proyecto dedicado a una nueva
evaluación de las relaciones del arte y los artistas
con el actual estado de las cosas

.

Okwui Enwezor: nacido en Calabar (Nigeria) en 1963 -de etnia igbo- reside entre Nueva York y San Francisco, su nacionalidad es estadounidense. Es
conservador, comisario artístico, crítico de arte, escritor, poeta y formador especializado en historia del arte. Entre otros trabajos ha sido director
artístico de la Documenta 11 (Alemania, 1998–2002) y la 2ª Bienal de Johannesburgo (1996–1997) y la 7ª Bienal de Gwang-ju (Corea del Sur, 2008).


Slide 5

El singular dibujo de Paul Klee, Angelus Novus, que evoca reinos místicos,
tiene una historia que se hace eco de la turbulencia filosófica y política de su
tiempo. Fue creado durante un año decisivo en la carrera de Klee: en 1920
realizó su primera gran exposición en Munich -estando a punto de unirse a
la Bauhaus de Weimar- y completó su credo artístico, "Confesión Creativa",
en la que expuso su percepción metafísica de la realidad. Los seres
sobrenaturales que habitan el trabajo de Klee -en los últimos años de su vida
creó unos cincuenta ángeles celestiales- deben entenderse en ese contexto
metafísico.
Este dibujo intrigó al filósofo judío alemán y crítico literario Walter Benjamin
(1892-1940), que lo compró en 1921. Después de la Segunda Guerra Mundial
Gershom Scholem (1897-1982), el distinguido estudioso de la mística judía y
un amigo de toda la vida de Benjamin, heredó el dibujo. Según Scholem,
Benjamin sintió una identificación mística con el Angelus Novus y lo incorporó
en su teoría de “el ángel de la historia", una visión melancólica del proceso
histórico como un ciclo incesante de desesperación. En septiembre de 1940
Walter Benjamin se suicidó durante un intento frustrado de huir del régimen
nazi.

Paul Klee
1879, Munchenbuchsee- 1940, Muralto (Suiza)
Angelus Novus
1920
Oil transfer and watercolor on paper.
31.8 x 24.2 cm
Photo © The Israel Museum, Jerusalem

Hay algo casi místico en la presencia de esta obra fundamental en el Museo
Nacional de Israel, en tanto ha sido la preciada posesión de dos de los más
grandes pensadores judíos del siglo XX. En una última coincidencia, la
interpretación benjaminiana de este dibujo se convirtió en inspiración para la
escultura del artista alemán Anselm Kiefer Poppy and Memory (1989),
también en la colección del Museo de Israel.
From the Israel Museum publications:
Zalmona, Yigal (ed.). The Israel Museum at 40: Masterworks of Beauty and
Sanctity. Jerusalem: The Israel Museum, 2005.
The Israel Museum, Publisher: Harry N. Abrams, Inc., 2005.
Beauty and Sanctity: the Israel Museum at 40. A Series of Exhibitions
Celebrating the 40th Anniversary of the Israel Museum, Jerusalem, Zalmona,
Yigal, 2006


Slide 6

IX
“Tengo las alas prontas para alzarme
Con gusto vuelvo atrás
Porque de seguir siendo tiempo vivo
Tendría poca suerte”.
Gershom Scholem: Gruss vom Angelus. (Saludo del Angelus)
“Existe un cuadro de Klee que se titula Angelus Novusl. En él
se representa a un ángel que parece como si estuviese a
punto de alejarse de algo que le tiene pasmado. Tiene los
ojos desorbitados, la boca abierta y extendidas las alas. Así
debe ser el aspecto del ángel de la historia. Ha vuelto el
rostro hacia el pasado. Donde a nosotros se nos manifiesta
una cadena de datos, él ve una catástrofe única que
amontona incansablemente ruina sobre ruina, arrojándolas a
sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y
recomponer lo despedazado. Pero desde el paraíso sopla un
huracán que se ha enredado en sus alas y que es tan fuerte
que el ángel ya no puede plegarlas. Este huracán le empuja
irrefrenablemente hacia el futuro, al cual da la espalda,
mientras el cúmulo de ruinas crece ante él hasta el cielo. Ese
huracán es lo que nosotros llamamos progreso”.

Walter Benjamin, Tesis de filosofía de la historia. 2001 - uv.es
http://www.uv.es/fjhernan/docencia/curs2011_2012/unimajors20
11/benjamin_historia.pdf

Anselm Kiefer
Born Germany 1945, active France
Poppy and Memory
1989
Lead, glass, poppies
200 x 500 x 400 cm
Permanent loan from Friends of the Israel Museum
in Germany
© The artist; courtesy Gagosian Gallery


Slide 7

La Exposición: El parlamento de las Formas
En lugar de un tema general, Todos los Futuros del mundo es informado
por una capa de filtros intersectados, estos filtros son una constelación
de parámetros que circunscriben múltiples ideas, que será abordada
tanto para imaginar como para realizar una diversidad de prácticas.
La 56a Exposición Internacional de Arte empleará como un filtro la
propia trayectoria histórica de la Bienal, a lo largo de sus ciento veinte
años de existencia, como un filtro a través del cual reflexionar sobre el
"estado de cosas" actual y sobre la "apariencia de las cosas.

Ibrahim Mahama
Born in 1987, Tamale, Ghana, Africa
Lives and works in Tamale, Ghana
Out of Bounds. 2015
Instalación, sacos de yute
Muestra Central, Arsenale

¿Cómo pueden los artistas, pensadores, escritores, compositores,
coreógrafos, cantantes y músicos, a través de imágenes, objetos,
palabras, movimientos, acciones, letras de canciones, sonido reunir a
los públicos en actos de mirar, escuchar, responder, con la
participación, hablando con el fin de dar sentido a la agitación actual?
¿Qué actos materiales, simbólicos o estéticos, políticos o sociales serán
producidos en este campo dialéctico de referencias para dar forma a
una exposición que rechaza el confinamiento en los límites de los
modelos de visualización convencionales?
En Todos los Futuros del Mundo el propio comisario, junto con artistas,
activistas, el público, y colaboradores de todo tipo aparecerán como
protagonistas centrales en la orquestación abierta del proyecto.
El núcleo del proyecto es la noción de la exposición como escenario
donde se explorarán los proyectos históricos y los contra-históricos. En
este marco los principales aspectos de la Exposición 56a solicitarán y
privilegiarán nuevas propuestas y obras concebidas específicamente
por artistas invitados - cineastas, coreógrafos, performers,
compositores y escritores- para trabajar de forma individual o en
colaboración.
Estos proyectos, obras, y voces, como una orquesta, ocuparán los
espacios de la La Biennale y pre-ocuparán el tiempo y el pensamiento
del público.

In his installations and wall-based works, Ibrahim Mahama considers the
ways in which capital and labor are expressed in common materials.
Included in the 2015 Venice Biennale, Mahama is best known for his use of
jute sacks, cloth bags once used to carry cocoa and now employed as
vessels for coal. Each sack is inscribed with names and embellished with
regional patterned fabrics. “The coal sacks began as an extension of how
the body could be looked at. It contains all these system and makings of
original owners, which have been transferred from the bodies creating a
link between the two forms,” the artist has said. Mahama’s immersive
installations, which are installed in both art spaces and public markets, draw
attention to the global transportation of goods across borders.
https://www.artsy.net/artist/ibrahim-mahama


Slide 8

Tres son los filtros que conforman
Todos los Futuros del Mundo:

Oscar Murillo: (1986, Valle del Cauca, Colombia. Vive y
trabaja en Londres).
Signaling devices in now bastard territory. 2015.
Veinte estandartes pintados, óleo, pasteles de óleo, hilo y
tierra sobre tela
Glenn Ligon: (1960, Bronx, Nueva York, Estados Unidos)
Sin Título. 2014. Escultura de neón
Muestra Central, Giardini
http://artobserved.com/2015/05/ao-on-site-venice-all-the-worlds-futures-at-the-giardiniin-venice-through-november-22nd-2015/

Liveness [Vitalidad}*: acerca de la duración épica
En la búsqueda de un lenguaje y un método para la 56o
Exposición de Arte nos hemos basado en la naturaleza
de la exhibición como un evento fundamentalmente
visual, somático, sonoro, y narrativo. Al hacer esto, nos
preguntamos cómo una muestra de la escala y el
alcance de la 56ª Bienal Internacional de Arte puede
definir su formato y actualizarlo con el potencial de su
competencia temporal. En esta búsqueda los conceptos
de vitalidad y duración épica sirven a dos propósitos
complementarios: ellos sugieren la idea de que Todos los
Futuros del Mundo, como manifestación, a la vez
espacial y temporal, es inexorablemente incompleta,
estructurada por una lógica del desarrollo, un programa
de eventos que se pueden experimentar en la
intersección de la vitalidad y la mostración. Será una
dramatización del espacio de la exposición como un
evento en vivo, en continuo e incesante desarrollo. Para
concretarlo Todos los Futuros del Mundo activará obras
que ya existen, pero también invitará a contribuir con
obras que serán realizadas especialmente para la
oportunidad.

*liveness - La habilidad de una aplicación para ejecutarse en forma
oportuna, es decir sin interrupciones o degradación de tiempo de
respuesta.


Slide 9

Jardín del Desorden
Este filtro, localizado en los Giardini y el Pabellón
Central, la Corderie, el Giardino delle Vergini en el
Arsenale y áreas selectas de Venecia, asume el
histórico predio de la Bienal, en los Giardini, como una
metáfora a través de la cual explorar el estado actual de
las cosas, es decir, la estructura penetrante del desorden
en la geopolítica mundial, el medio ambiente y la
economía. El concepto original del jardín deriva de la
antigüedad persa. Ella concibe la dimensión del jardín
como un paraíso, un espacio cerrado de tranquilidad y
placer, que durante varios milenios se ha transformado
en una alegoría de la búsqueda de un espacio de orden
y pureza.
En el contexto de la Bienal de Arte 2015, la exposición
regresa al antiguo fundamento de este ideal para
explorar los cambios en el entorno global, para leer los
Giardini, con su destartalado conjunto de pabellones,
como el sitio definitivo de un mundo desordenado, de
los conflictos nacionales y territoriales y las
deformaciones geopolíticos. Las propuestas que toman
el concepto de jardín como punto de partida serán
trabajadas por artistas que han sido invitados a realizar
nuevas esculturas, películas, performances e
instalaciones para Todos los futuros del Mundo..

Raqs Media Collective
Coronation Park. 2015
Exposición Central: Giardini
Nueve esculturas de fibra de vidrio con pedestales de madera cubiertos
de bitumen, con placas de polímero acrílico
Referencia al sitio en Nueva Delhi en el que se llevó a cabo
la coronación de King George y Queen Mary
como emperadores de la India en 1911.
© Foto: Haupt & Binder
The Raqs Media Collective was founded in 1992 by Jeebesh Bagchi,
Monica Narula and Shuddhabrata Sengupta. Raqs remains closely involved
with the Sarai program at the Centre for the Study of Developing Societies
(www.sarai.net), an initiative they co-founded in 2000. Raqs Media
Collective is based in New Delhi, India.


Slide 10

El Capital: Una lectura en vivo
Más allá del trastorno y el desorden en el actual "estado de cosas",
hay una preocupación generalizada que ha estado en el corazón de
nuestro tiempo y modernidad. Esta preocupación es acerca de la
naturaleza del capital, tanto su ficción como su realidad. El capital
es el gran drama de nuestra época. Hoy nada cala más hondo en
todas las esferas de la experiencia, desde la depredación de la
economía política a la rapacidad de la industria financiera. La
explotación de la naturaleza a través de su mercantilización como
recursos naturales, la estructura creciente de la desigualdad y el
debilitamiento del más amplio contrato social han obligado
recientemente a una demanda de cambio.
Desde la masiva publicación de El Capital: Crítica de la Economía
Política de Karl Marx en 1867, la estructura y naturaleza del capital
ha capturado a los pensadores y artistas, así como inspirado a los
teóricos políticos, economistas y a las estructuras ideológicas de
todo el mundo.
En Todos los Futuros del Mundo, se harán sentir el aura, los efectos,
afectos, y espectros del Capital en una de las exploraciones más
ambiciosas de este concepto y término.

Das Kapital Oratorio
Isaac Julien

Una parte fundamental del presente programa de lecturas en vivo,
es "El Capital", un proyecto bibliográfico meticulosamente
investigado, concebido por el director artístico en el Pabellón
Central.
Este programa, que se producirá todos los días durante casi siete
meses, sin parar, comenzará con una lectura en vivo de los cuatro
volúmenes de El Capital de Marx y se irá ampliando gradualmente
en recitales de canciones de trabajo, libretos, lecturas de guiones,
debates, sesiones plenarias, y proyecciones de películas dedicadas
a diversas teorías y exploraciones del Capital. En el transcurso de
la 56ª Bienal de Arte, se invitará a grupos de teatro, a actores,
intelectuales, estudiantes y miembros del público para contribuir al
programa de lecturas que desbordará y se difundirá por galerías,
mediante voces en una épica exhibición de oralidad. Una
importante fuente de inspiración para esta actuación operística
inusual está en las primeras líneas del libro Para leer El Capital
de Louis Althusser y Etienne Balibar (1967):


Slide 11

`

“Seguramente, todos hemos leído, todos leemos El Capital.
Durante casi un siglo, cada día podemos leerlo, de manera
transparente, en los dramas y los sueños de nuestra historia,
en sus disputas y conflictos, en las derrotas y victorias del
movimiento obrero, movimiento que es, sin duda, nuestra
única esperanza y destino. Desde que hemos venido al
mundo hemos leído constantemente El Capital en los escritos
y discursos de aquellos que lo han leído para nosotros, bien o
mal, los muertos y los vivos, Engels, Kautsky, Plejanov, Lenin,
Rosa Luxemburgo, Trotsky, Stalin, Gramsci, los líderes de las
organizaciones obreras, sus partidarios y opositores: filósofos,
economistas, políticos. Hemos leído fragmentos, “trozos”
que la coyuntura había “seleccionado” para nosotros. Todos
incluso hemos leído, más o menos, el primer volumen: de la
‘mercancía’ a la ‘expropiación de los expropiadores’ .
Sin embargo, algún día, habrá que leer El Capital al pie de la
letra. Leer el texto mismo, por entero, los cuatro volúmenes,
línea por línea, releer diez veces los primeros capítulos, o los
esquemas de la reproducción simple y de la reproducción
ampliada, antes de desembocar, en las mesetas áridas y
planas del segundo volumen, en la tierra prometida de la
ganancia, del interés y de la renta […]
Así es como acordamos leer El Capital. [Las exposiciones
resultantes de este proyecto no son sino los diferentes
protocolos personales de esa lectura: cada uno abrió a su
manera su propia línea oblicua en el inmenso bosque del
libro]. Y si nosotros las entregamos en su forma inmediata, sin
hacer modificaciones, es para reproducir todos los riesgos y
las ventajas de esa aventura; para que el lector [y el oyente]
encuentre, en estado naciente, la experiencia misma de una
lectura; y para que el surco de esta primera lectura lo lleve a
su vez a una segunda, la que los llevará aún más lejos “.
Con este panorama, Todos los Futuros del Mundo,
a través de su constelación de Filtros, profundizará en el
"estado de cosas" e interrogará "la apariencia de las cosas",
pasando de la enunciación gutural de la voz a las
manifestaciones visuales y físicas entre obras de arte y
público. Okwui Enwezor, octubre 2014

Exposición Central: Giardini
Isaac Julien
KAPITAL. 2013
Instalación de video, una conversación entre el artista
y el reconocido académico marxista David Harvey (EEUU).
En el fondo, obras de Rikrit Tiravanija.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 12

Vincent J.F. Huang
(Nantou County, Taiwan, 1971)
"Crossing the Tide"
Il padiglione di Tuvalu, un'isola dell'oceano Pacifico
(Awakening/Getty Images)
http://www.ilpost.it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-24/

Tuvalu, un país insular del Pacífico Sur propone en su pabellón el tema del cambio climático con una instalación artística. Huang ha estado trabajando con el curador de
origen holandés Thomas J. Berghuis para diseñar el pabellón nacional de Tuvalu. La Bienal 2015 es la segunda en que la pequeña nación insular participa. "Crossing the Tide",
en un espacio de 300 m2, adoptará las ideas del clásico taoísta "Zhuangzi", centrándose en el concepto de "Los seres humanos y la naturaleza como uno", dijo Huang en una
entrevista con la Agencia Central de Noticias (CNA), con sede en Taipei. Aborda el tema de la búsqueda de los beneficios económicos y materiales por parte de la humanidad
en el mundo capitalista de hoy y su impacto en el medio ambiente natural, expresó el artista. La instalación del pabellón crea una escena con sólo el mar y el cielo, en una
referencia a la subida del nivel del mar alrededor del mundo causado por el calentamiento global: "La misma instalación simboliza la idea de que la tierra se ha sumergido
bajo el mar", añadió el artista, de 44 años de edad, que ha visitado dos veces a Tuvalu con el fin de establecer proyectos eco-artísticos tendientes a llamar más la atención
pública a la vulnerabilidad del país insular al calentamiento global. Cortesía de CNA. Managua, miércoles 25 de febrero de 2015


Slide 13

United Arab Emirates
Pabellón nacional en el Arsenale, Sale d'Armi.
1980 - hoy: Exposiciones en los EÁU. El desarrollo del arte
contemporáneo desde 1980.
Curadora: Sheikha Hoor Al Qasimi. 15 artistas emiratíes
Al frente: Salem Jawhar
Emirati artist Salem Jawhar lives in Ras Al Khaimah, UAE,
where he was born in 1956

http://www.labiennale.org/en/art/exhibition/56/

89 National Participations will be exhibiting in the historical
Pavilions at the Giardini, at the Arsenale and in the city of
Venice.
The countries participating for the first time in the Exhibition
are Grenada, Mauritius, Mongolia, Republic of Mozambique
and Republic of Seychelles. Other countries are participating
this year after years of absence: Ecuador (1966, then with
the IILA), the Philippines (1964), and Guatemala (1954, then
with the IILA).
The Holy See will again be participating with an exhibition to
be held at the Sale d'Armi, in the spaces that the Biennale
has renovated for new permanent pavilions. In the Beginning
… the Word became flesh is the title chosen by Cardinal
Gianfranco Ravasi (President of the Pontifical Council for
Culture) for the Pavilion, which is curated by Micol Forti
(Director of Contemporary Art Department of the Vatican
Museums).

Atrás
Left: Ahmed Sharif. Untitled. 2006
Acrylic on canvas. 180 x 140 cm
Right: Abdulrahman Zainal. Aggression. 1982
Acrylic on canvas. 60 x 47 cm
© Photo: Haupt & Binder

The Italian Pavilion at the Arsenale, organized by the Italian
Ministry for the Cultural Heritage and Activities, with
thegeneral Direction for arte e architettura contemporanee e
periferie urbane, is curated by Vincenzo Trione.
44 Collateral Events, approved by the curator of the
International Exhibition and promoted by non profit national
and international institutions, present their exhibitions and
initiatives in various locations within the city of Venice.


Slide 14

Due indigeni australini compiono il "rito del fumo“
durante l'inaugurazione del padiglione dell'Australia
(AP Photo/Domenico Stinellis)
http://www.ilpost.it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-27/


Slide 15

Armenia
Armenity / Haiyutioun. Contemporary artists from the Armenian Diaspora
Isla de San Lazzaro degli Armeni
Foto: Hrair Sarkissian


Slide 16

El Anatsui
1944, Anyanko, Ghana
El Anatsui es un escultor ghanés activo la mayor parte de su carrera en Nigeria


Slide 17

.

“El jurado de premiación de Bienal de Venecia también estuvo mirando en los márgenes. El Anatsui recibió el León de Oro por su trayectoria. Nacido en
Ghana, su obra -como la de Enwezor- contribuyó al reconocimiento de los artistas africanos en el mundo y forma parte de grandes colecciones. El galardón a
la mejor participación nacional fue para la República de Armenia, por Armenity/Haiyutioun: en la isla de San Lazzaro o vital, en este año en que se
conmemora el centenario del genocidio de 1915. León de Oro al mejor artista fue para la estadounidense Adrian Piper, por The Probable Trust Registry: The
Rules of the Game # 1-3: textos irónicos y frases clichés para expandir la condena a modelos neoliberales. La estatuilla de Plata al mejor artista joven: el
surcoreano Im Heung-Soon por Factory Complex, en éste que ha sido, sin duda, el año de Corea”. (AA “La otra Bienal de Venecia: cuando la periferia es el
centro”. La Nación 12/5/2015). Menciones especiales a Joan Jonas, Harun Farocki, el colectivo sirio Abunaddra, y al argelino Masinisa Selmani.

Harun Farocki, (Alemania, 1944) Atlas of Harun Farocki’s Filmography,
2015, video, color, b / n, sonido estéreo, subtítulos, cuadernos, unos 100
ejemplares de la revista “Filmkritik”, vitrina. Dimensiones variables.
Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia

Adrian Piper (1948 NY, Nueva York, Estados Unidos)
The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1-3, 2013,
instalación y performance de participación grupal.
Tres escritos en la pared, tres mostradores de recepción circulares. 56°.
Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia

The inauguration and the award ceremony of the 56th Exhibition took place on Saturday May 9th at Ca’ Giustinian,
with the conferral of the Golden Lions for Lifetime Achievement to El Anatsui, a Special Golden Lion for Services to the Arts
to Susanne Ghez and the official awards assigned by the international Jury composed of Naomi Beckwith (USA), Sabine
Breitwieser (Austria), Mario Codognato (Italy), Ranjit Hoskote (India), Yongwoo Lee (South Korea).


Slide 18

Abounaddara
Syria: Snapshots of History in the Making
Video HD, color, sonido (52')
Fragmentos de las docenas de documentaciones que el colectivo ha producido.
Fundado en 2010, Siria/Palestina, con sede en Damasco, Siria.

Abounaddara fue honrado con una de las Menciones Especiales por
el Jurado de la 56a Exposición Internacional de Arte. El 11 de mayo
de 2015, la publicación Hyperallergic informó que Abounaddara se
retiró de la Bienal de Venecia, acusando a los organizadores de
haber "censurado" su película "All the Syria’s Futures," por no
proyectarla el día 5 de mayo.
Fundado en 2010, el Colectivo Abounaddara es un grupo de
cineastas que trabaja para proporcionar una imagen alternativa de
la sociedad siria, a diferencia de las representaciones dominantes
de Siria que se encuentran en los grandes medios. Desde abril de
2011, el colectivo ha producido un cortometraje cada semana,
usando un lenguaje cinematográfico muy particular, una especie de
"cine de emergencia.“. Al trabajar en un estado de emergencia y
sujeto a ciertas restricciones, los miembros del colectivo son todos
voluntarios y anónimos. Muestran los hombres y mujeres comunes
y corrientes que no son ni héroes ni víctimas. Charif Kiwan, es el
portavoz del Colectivo Abounaddara
https://ff.hrw.org/film/abounaddara-collective-shorts-syriadiscussion-emergency-cinema
El lunes el colectivo sirio Abounaddara se retiró de la Bienal de
Venecia debido a la censura de un video que la organización no
proyectó. All the Syria’s Futures es el primer video de una serie que
se publicará por semana. El colectivo argumenta que la obra no se
proyectó el cinco de mayo, como estaba previsto. El cortometraje
presenta a Bashar al-Assad, presidente de Siria, caminando por una
alfombra roja más allá de una formación militar. La pantalla luego
se desvanece en negro, con el mensaje: «Disculpe las fallas técnicas.
Por favor, siga disfrutando del espectáculo». La organización de la
Bienal de Venecia comunicó que está sorprendida por la decisión e
insistió en que no ha habido ninguna censura. El fin de semana
Abounaddara recibió el León de Oro como mención especial en la
edición 56 de la Bienal de Venecia. Aquí All the Syria’s Futures.
http://latempestad.mx/abounaddara-se-retira-de-la-bienal-veneciacensura-video-colectivo-sirio


Slide 19

Una donna indossa un burqa giallo durante la performance "High Visibility Burqa"
(GABRIEL BOUYS/AFP/Getty Images)
http://www.ilpost.it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-23/


Slide 20

GIARDINI
Pabellón Central
Pabellones Nacionales

AU Australia
AT Austria
BE Belgio - Belgium
BR Brasile - Brazil
CA Canada
DK Danimarca - Denmark
EG Egitto - Egypt
FI Finlandia - Finland
FR Francia - France
DE Germania - Germany
JP Giappone - Japan
GB Gran Bretagna - Great Britain
GR Grecia - Greece
IL Israele - Israel
NL Olanda - The Netherlands
NO Norvegia - Norway
(Paesi Nordici - Nordic Countries)
P.VE Padiglione - Venezia
PL Polonia - Poland
CZ Repubblica Ceca - Czech Republic
SK Repubblica Slovacca - Slovak Republic
KR Repubblica di Corea - Republic of Korea
RO Romania
RU Russia
RS Serbia
ES Spagna - Spain
US Stati Uniti d’America - United States of America
CH Svizzera - Switzerland
HU Ungheria - Hungary
UY Uruguay
VE Repubblica Bolivariana del Venezuela - Bolivarian Republic of Venezuela


Slide 21

The 56th International Art Exhibition forms a unitary itinerary that starts

at the Central Pavilion (Giardini) and continues at the Arsenale, with over
136 artists from 53 countries, of whom 89 will be showing here for the
first time. Of works on display, 159 are expressly realized for this year
edition.

http://www.labiennale.org/en/art/news/05-03.html

“This is our 56th edition. The Biennale is now 120 years old, and year after
year it moves forward and builds on its own history, which is formed of
many memories but, in particular, a long succession of different
perspectives from which to observe the phenomenon of contemporary
artistic creation.”
Paolo Baratta introduces this year’s edition with these words, recalling
that “Bice Curiger brought us the theme of perception, of ILLUMInation or
light as an autonomous and revitalizing element, and Massimiliano Gioni
was interested in observing the phenomenon of artistic creation from
within, and turned his attention to the inner impulses that drive mankind
and the artist to create images and bring representations to life.”
“The world before us today exhibits deep divisions and wounds,
pronounced inequalities and uncertainties as to the future. Despite the
great progress made in knowledge and technology, we are currently
negotiating an ‘age of anxiety’. And once more, the Biennale observes the
relationship between art and the development of the human, social, and
political world, as external forces and phenomena loom large over it. Our
aim is to investigate how the tensions of the outside world act on the
sensitivities and the vital and expressive energies of artists, on their
desires and their inner song. One of the reasons the Biennale invited
Okwui Enwezor as curator – Baratta states - was for his special sensitivity
in this regard.”

L'installazione "Occupations/Discoveries"
dell'artista Antonio Manuel esposta nel padiglione del Brasile
(GABRIEL BOUYS/AFP/Getty Images)


Slide 22

http://www.labiennale.org/en/art/news/05-03.html

Pabellón de Japón
Chiharu Shiota (Osaka, 1972. Vive y trabaja en Berlín)
The Key in the Hand
Foto: Sunhi Mang

“Curiger, Gioni, Enwezor, a trilogy in a sense – President Baratta
recaps– three chapters in a research process engaged by la Biennale di
Venezia to explore the benchmarks that can help us formulate
aesthetic judgments on contemporary art, a “critical” question
following the demise of the avant-gardes and “non-art”.”
“Okwui does not claim to pass judgement or prognosticate; his wish
is to bring together arts and artists from throughout the world and
from different disciplines, to instate a Parliament of Forms, as it
were. A global Exhibition where we may question or at least listen to
artists coming from 53 countries, many of them from geographical
areas that we paradoxically insist on defining as peripheral. This will
also help us uncover the latest tendencies regarding the geography
and routes taken by contemporary art, thanks to a special project
focusing on the Curricula of the artists operating around the world. A
Parliament for a Biennale of varying and intense vitality, therefore.”
“Everything here is exhibited against the backdrop of the Biennale’s
120-year history. Fragments of the past of various kinds may be found
in every corner, given also the fact that the Biennale is active in Art,
Architecture, Dance, Theatre, Music, and Cinema. (…) To borrow the
words of Walter Benjamin, the Biennale hosts “dialectical images”.

“Millares de pequeñas llaves, provenientes de todo el mundo, penden de
una enorme maraña de hilos rojos que sobrevuelan dos barcazas. [...] la
artista contaba que ha querido escribir una poesía dedicada a la ausencia y
las huellas del pasado. Sus hilos rojos son una manera de enmarcar la
memoria para conocer los propios orígenes. Ángeles García (El País,
9/5/2015)

“And once again, I am glad – concludes Baratta - that I did not listen to
the regrettable considerations made in 1998 claiming that the
exhibition with foreign pavilions was outmoded and should be done
away with, perhaps in favor of a white cube, an aseptic space in which
to erase history, exercise our abstract presumptions, or offer
hospitality for the dictatorship of the market. It is our multi-faceted,
complex reality that helps us avoid perils such as these. The great
mountain of the fragments of our history grows year by year. Opposite
stands the even greater mountain of all that was not shown in past
Biennales”

(Read Paolo Baratta's full text)


Slide 23

GIARDINI
Artistas

1 Oscar Murillo
2 Glenn Ligon
3 e-flux journal
4 Raqs Media Collective
5 Carsten Höller
6 Philippe Parreno
7 Isa Genzken
8 Walead Beshty

Philippe Parreno
1964, Orán, Argelia
With a Rhythmic Instinction to be Able to Travel Beyond Existing
Forces of Life (Green + White)
2014. Outdoor LED display, 400 x 240cm


Slide 24

1 Fabio Mauri
2 Christian Boltanski
2a Runo Lagomarsino
3 Naeem Mohaiemen
4 Fatou Kandé Senghor
5 Robert Smithsonm , Runo Lagomarsino, Nancy Holt and Robert Smithson, Daniel Boyd
6 Walead Beshty
7 Mounira Al Solh
8 Inji Efflatoun. Elena Damiani
9 Alexander Kluge
10 Thomas Hirschhorn
11 Samson Kambalu
12 Isaac Julien, Rirkrit Tiravanija
13 Marcel Broodthaers
14 Chris Marker, Teresa Burga, Peter Friedl, Madhusudhanan
15 Wangechi Mutu
16 Victor Man
17 Tetsuya Ishida, Mika Rottenberg, 18 Tetsuya Ishida
19 Ellen Gallagher, Huma Bhabha, Emily Kame Kngwarreye
In the framework of the reorganization
20 Glenn Ligon
of
the
exhibition
spaces of the Biennale venues,
21 Fabio Mauri, Adrian Piper
in the historical Padiglione Italia at the Giardini
22 Isa Genzken, Teresa Burga
was renamed Central Pavilion in 2009.
23 John Akomfrah
24 Andreas Gursky
This change aimed at underlining its new versatile nature,
25 Chris Marker
destined to be the centre of multiple permanent activities
26 Charles Gaines
as well as a milestone for other Pavillions at the Giardini.
27 Hans Haacke
It is a structure (3500 square metres, 2800 of which
28 Walead Beshty
destined for exhibitions), open all year long
29 Jeremy Deller
in the service of hosting the main events of the Biennale,
with specific areas, designed for educational activities,
30 Kerry James Marshall
a library service, open to students and scholars alike,
31 Marlene Dumas
and a bookstore.
32 Rosa Barba


Slide 25

Christian Boltanski
1944, París, Francia
“Animittas”
Pabellón Central

•

_


Slide 26

Christian Boltanski
La instalación “Animitas”, ubicada en la localidad atacameña de Talabre, a 60 kms de San Pedro de Atacama,
es el 3er Monumento a la Humanidad del artista francés, quien también cuenta con los “Archivos del Corazón” en la isla japonesa
de Teshima y otro en Tasmania, desde donde su estudio en Malakoff Paris, es grabado ininterrumpidamente desde el año 2010.

El proyecto Animitas se ubica en la comunidad de Talabre, a 60 kilómetros
de San Pedro de Atacama, y consiste en 300 campanas japonesas ubicadas
en soportes de barras metálicas de entre 1 y 2 metros de largo, cuyo sonido
es un particular homenaje a los que ya no nos acompañan. Sonidos que
quedan después del olvido y que buscan reflejar en esta obra el ciclo de la
vida. Por eso la ubicación de las campanas de fierro fundido, bronce y
cobre, que pertenecen a la tradición shinto de la cultura japonesa y que
para su autor simbolizan de algún modo su tumba, está dada por el
diagrama estelar de la fecha en que nació Boltanski, el día 6 de septiembre
de 1944. http://www.artishock.cl/2014/10/christian-boltanski-expone-enel-mnba-e-interviene-el-desierto-de-atacama/
“Toda mi obra se relaciona con el culto a los ancestros, que también
practican los habitantes de este mágico lugar, en este pueblo en las cimas
de Atacama donde hoy cientos de campanas recrean la música de los
muertos, el sonido del cielo” manifiesta Christian Boltanski. La proyección
en vivo de esta instalación fue transmitida vía streaming a una de las salas
del Museo Nacional de Bellas Artes (Chile), mientras duró la exposición
”Almas, de Cristián Boltanski”, que se extendió desde fines de octubre
del 2014 a comienzos de enero del 2015 y que fue elegida como la mejor
Exhibición internacional del 2014 por el Círculo de Críticos de Arte. “Para
poder llevar esta obra a la Bienal de Venecia, lo que se hizo fue volver a
Talabre, donde Pepe Torres y Francisco Ríos grabaron durante un día
completo la instalación desde un plano fijo, en alta definición. Esta
filmación se proyectará de forma continua en Italia”, explica Beatriz Bustos,
quien trabajó con su equipo de BBO Desarrollo Cultural y Amercanda, con
el apoyo de la Fundación Mar Adentro, Entel, el Consejo Nacional de la
Cultura y las Artes y la colaboración de la Fundación de Cultura y Turismo
de San Pedro de Atacama y Fundación Puribeter.
Cabe señalar que los terrenos donde está instalada la obra fueron donados
por el presidente de la comunidad Atacameña de Talabre, Don Sótero
Arnella, gracias al apoyo de la alcaldesa de San Pedro de Atacama, Sandra
Berna. En la instalación y montaje participaron activamente miembros de la
misma comunidad.
http://fundacionmaradentro.cl/noticias/animitas-de-christian-boltanski-llega-a-labienal-de-venecia/


Slide 27

ARENA
Exposición Central: Giardini
Performance de lectura de una obra de Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
© Foto: Haupt & Binder

Mathieu Kleyebe Abonnenc
Abounaddara
ARENA Film Program
Jeremy Deller
e-flux journal
Charles Gaines
Gulf Labor Coalition
Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
Isaac Julien
Das Kapital Oratorio
Jason Moran and Alicia Hall Moran
Ivana Müller
Olaf Nicolai
the Tomorrow


Slide 28

ARENA
Exposición Central: Giardini
Isaac Julien
Das Kapital Oratorio,
Pabellón Central (Arena).
Foto: Andrea Avezzù. Cortesía: la Biennale di Venezia

Okwui Enwezor has explained one movens for his project as follows:“In 1974 la Biennale di
Venezia, following a major institutional restructuring and the revision of its rules and
articles of constitution, launched an ambitious and unprecedented four-year plan of
events and activities. Part of the programs of 1974 were dedicated to Chile, thus actively
foregrounding a gesture of solidarity toward that country in the aftermath of the violent
coup d’état, in which General Augusto Pinochet overthrew the government of Salvador
Allende in 1973. Bringing practitioners across the fields of visual art, cinema, music,
theater, dance, and performance, the events of the 1974 Art Biennale were spread across
the entire city of Venice. Today, this remarkable and transformative episode in the history
of the Biennale is largely forgotten. The dedication of the program of events to Chile and
against fascism remains one of the most explicit attempts, in recent memory, by which an
exhibition of the stature of the Art Biennale not only responds to, but courageously steps
forward to share the historical stage with the political and social contexts of its time. It
goes without saying that, in view of the current turmoil around the world, that the
Biennale’s Eventi del 1974 has been a curatorial inspiration.”
“In response to this remarkable episode and the rich documentation it generated, the
56th International Art Exhibition: All the World’s Futures, will introduce the ARENA,
an active space dedicated to continuous live programming across disciplines and located
within the Central Pavilion in the Giardini. The linchpin of this program will be the epic
live reading of all three volumes of Karl Marx’s Das Kapital (Capital). Here, Das Kapital
will serve as a kind of Oratorio thatwill be continuously read live, throughout the
exhibition’s seven months’ duration.”
“Designed by award-winning Ghanaian/British architect David Adjaye, the ARENA will
Serve as a gathering-place of the spoken word, the art of the song, recitals, film
projections, and a forum for public discussions. Taking the concept of the Sikh event, the
Akhand Path (a recitation of the Sikh holy book read continuously over several days by a
relay of readers), Das Kapital will be read as a dramatic text by trained actors, directed
by artist and filmmaker Isaac Julien, during the entire duration of this year Art Biennale.”
“Carrying out the concept of “Liveness: On Epic Duration” the Art Biennale has
commissioned several new scores and artists’ performances, to be presented
continuously
In the ARENA. Here, we are especially interested in the concept of the song and the
potential for the human voice to be an instrument that carries forward the pace of a
narrative.”


Slide 29

“Joana Hadjithomas and Khalil Joreige will present a daily reading of their artist book “Latent
Images: Diary of a Photographer”, the third part of their Wonder Beirut project. In addition to
Its text, this book includes thirty-eight photographic plates selected from among hundreds of
reels of film exposed, but until now never developed, by the Lebanese photographer Abdallah
Farah between 1997 and 2006.
Jason Moran’s STAGED will map and investigate the tempos of work songs sung in prisons,
fields, and houses. In a sampling of songs that inmates sing while working in the Louisiana
State Penitentiary at Angola, the tempos range from 57 to 190 beats per minute.
Jeremy Deller will explore the question of life and working conditions in factories, based on
archival materials from the nineteenth century through the present.
Charles Gaines’s new original master composition for the Art Biennale is derived from his
most recent body of work, Notes on Social Justice, a series of large-scale drawings of musical
scores from songs, some borrowed from as early as the American Civil War (1860–1865) and
others dating from the mid twentieth century.
Mathieu Kleyebe Abonnenc will present in the Art Biennale a temporary memorial to the
music and personality of the Legendary African American musician, singer, and composer
Julius Eastman (1940–1990), whose singular and inimitable contribution to contemporary,
avant-garde classical music will be on display in The ARENA throughout the Exhibition.
the TOMORROW will focus their attention on Das Kapital, not just as an abstract field of logical
and economical devices, but rather as a potential repository of stories and figures. In the Art
Biennale, the TOMORROW will attempt to imagine the characters and the figures that could
make use of Marx’s toolbox in the contemporary context. Tales on Das Kapital is a search for
non-modern subjects to play the Capital Drama. The TOMORROW will offer weekend
seminars, during which the focus will turn to the narrative and epic dimension of Marx’s
book.”
“The focus on live performances and actions will extend in the Central Pavilion beyond the
ARENA and into the Biblioteca of la Biennale, where Mounira Al Solh’s NOA (Not Only
Arabic), a limited-edition periodical founded in 2008, will be made available for solo viewings
that must be arranged by appointment. During the preview (May 6–8), also at the Biblioteca,
Lili Reynaud-Dewar and her students will read a selection of texts from the mid 1990s to
today—analysis, testimonies, manifestos—dealing with notions of intimacy, vulnerability, and
promiscuity in the context of the AIDS epidemic.”

Jeremy Deller
(1966, Londres, Reino Unido)
ARENA
Exposición Central: Giardini

“Connecting the 56th Art Biennale’s two main venues, the
Giardini and the Arsenale, aâdane Afif’s performance piece The
Laguna’s Tribute: A Corner Speaker in Venice will be staged at
the corner of Via Garibaldi and the Grand Canal. Spectators there
will see and hear a local Corner Speaker either read a text or sing
the lyrics of songs composed by friends of the artist.” “A number
of performance works will also be presented in the Arsenale,
beginning with a new project by Jennifer Allora and Guillermo
Calzadilla, In the Midst of Things, in which a choral group will
perform an arrangement of Joseph Haydn’s oratorio The
Creation.”


Slide 30

Olaf Nicolai (1962, Halle/Saale. Vive y trabaja en Berlín) desarrolla una nueva performance basada en la composición en dos
partes de Luigi Nono "Musica-Manifesto n. 1: Un volto, del mare - Non consumiamo Marx" (1969), una pieza innovadora para voz
y cinta magnética , el último de los intentos del compositor italiano de pronunciarse crítica y políticamente por medio de la
música inspirándose para sus letras en los poemas de Cesare Pavese, los grafiti que se ven en las calles de París,
y las voces grabadas al azar, en vivo, durante las manifestaciones
Data di composizione: marzo-aprile 1969
Organico: 1 Soprano, 1 Voce
Durata: Un volto, del mare 16'46''; Non consumiamo Marx 17'36'‘
Editore: I Dischi Del Sole - Edizioni del Gallo (licenza di G. Ricordi)
Prima esecuzione assoluta: Chatillons sous Bagneaux, 17 maggio 1969
Soprano: Liliana Poli; Voce: Kadigia Bove (Un volto, dal mare); Edmonda Aldini
(Non consumiamo Marx)
Nota: dedica a Carlos Franqui, rivoluzionario poeta cubano
Il nastro è stato realizzato presso lo Studio di Fonologia Musicale di Milano della
Rai; tecnico: Marino Zuccheri
http://www.luiginono.it/it/luigi-nono/opere/musica-manifesto-n-1-un-voltodel-mare-non-consumiamo-marx

Luigi Nono. (Venecia, 1924 - 1990)
Compositor italiano. Fue discípulo de G. F. Malipiero, de Bruno Maderna y de H.
Scherche. Entre los años 1950 y 1959 participó en los cursos impartidos en
Darmstadt, donde entró en contacto con la música de Webern y de Schoenberg,
del que llegó a ser yerno.
Después de enseñar en Darlington, su obra, iniciada con Variaciones canónicas
(1950), está inscrita bajo la influencia del dodecafonismo de Anton Webern,
pero evolucionaría posteriormente hacia formas propias del vanguardismo más
radical, en las que la voz humana permite expresar su compromiso político al
tiempo que su peculiar lirismo, heredero de la tradición musical italiana.
Aunque fue miembro del Partido Comunista italiano desde 1952, el compositor
rechazó los planteamientos estéticos del realismo socialista y buscó el camino
que acercara su música a un nuevo público capaz de recibir su mensaje. Así, en
Epitafio para Federico García Lorca (1952-1953), Luigi Nono expresa su enérgico
mensaje con un elegante y sutil lenguaje musical, que encuentra su
continuación estilística en El canto suspendido (1956), evocación y denuncia de
los horrores del fascismo. La ópera Intolleranza 1960, de 1961, constituye un
paso adelante en su búsqueda de nuevas formas para el teatro musical.


Slide 31

SPECIAL PRESENTATIONS
Chris Marker,
Untitled (Crush art #5), 2003-2008, y Untitled (Passengers #129),
2008-2010, fotografías.
© Fotos: Legado de Chris Marker
Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia

Christian François Bouche-Villeneuve (Chris Marker)
(Neuilly-sur-Seine, Francia, 1921 - París, Francia, 2012) fue escritor,
fotógrafo y director de cine. Se le atribuye la invención del documental
subjetivo

“While the central focus of All the World’s Futures is on an extensive body of
new works commissioned from artists specifically for the 56th Art Biennale—an
unprecedented range of projects exhibited for the first time—the Exhibition will
also pay close attention to a selected iteration of historical perspectives by
artists both living and deceased. Organized as small anthologies, these compact
surveys range from a series of text-based neon sculptures by Bruce Nauman,
dating from 1972 to the early 1980s, to an atlas of Harun Farocki’s filmography,
which totals 87 films. In addition, the Art Biennale will present works by such
seminal figures as the photographer Walker Evans, with a complete set of the
original edition of Let Us Now Praise Famous Men; from filmmaker Sergei
Eisenstein tomultimedia artist Chris Marker; installation artist Isa Genzken to
sculptor-composer Terry Adkins; author-film director Alexander Kluge to
installation artist Hans Haacke; conceptual artist Teresa Burga to performance
artist Fabio Mauri; sculptor Melvin Edwards to painter Marlene Dumas; artistactivist Inji Efflatoun to earthworks artist Robert Smithson, painter Emily
Kngwarreye to film director Ousmane Sembène; sculptor Ricardo Brey to
conceptual artist Adrian Piper; painters Tetsuya Ishida to Georg Baselitz.
“This gathering of practices from Africa, Asia, Australia, Europe, and North and
South America searches for new connections in the artists’ commitment to
examining the human condition, or exploring specific ideas and areas of
production within the artists’ oeuvre.”
“The Invisible Borders Trans-African Project, for example, is an artist-led
organization founded in Nigeria in 2009 that assembles African artists – mainly
photographers, writers, and filmmakers- with the zeal and passion for social
change, to reflect upon with the question of borders and its implications in 21st
century Africa. The Invisible Borders will present in the 56th Art Biennale a TransAfrican Worldspace, a survey of their platform’s recent and ongoing
photographic and audiovisual production, which will be periodically generated
and incorporated into their presentation throughout the seven months of the
exhibition. Moreover, the group will present in the ARENA their feature length
documentary Invisible Borders 2011, The Film, followed by a discussion on the
State of Things in the trans-African contemporary art scene and the critical ideas
at the center of their practice.
Abounaddara is an anonymous collective of Syrian filmmakers working on
impromptu documentaries, otherwise known as “emergency cinema.”
Abounaddara has long reflected on the right to the image. They employ an
aesthetic of do-it-yourself and disorientation, self-producing their films and
distributing them online to avoid political censorship and the formatting dictates
of the media and entertainment industries. Since its founding in 2010,
Abounaddara has released a series of short documentaries celebrating the daily
life of ordinary Syrians. In the wake of the March 2011 popular uprising, they
began to produce a short film everyFriday, an ongoing initiative that relies on the
voluntary commitment of a network of filmmakers who work in secret, for
reasons of security. At the Art Biennale Abounaddara will present a video
installation featuring a selection of films from their prolific body of work, and will
premiere a new film every Friday in the ARENA.“
(Read II. A Note on the Special Presentations of All the World’s Futures and IV. A
Note on the Special Projects featured in All the World’s Futures in the Addendum
to the Curator’s statement)


Slide 32

Biennale Sessions, a project for universities
The Biennale Sessions project will be held for the sixth consecutive
year, following the success of its previous editions. This initiative is
dedicated by la Biennale di Venezia to universities and academies of
fine arts, and to institutions that develop research and training in
the arts and in related fields. The goal is to offer favourable
conditions for students and teachers to organize three-day group
visits for fifty people or more, offering reduced price meals,
assistance in organizing their journey and stay, and the possibility to
organize seminars at the Exhibition’s venues free of charge. As of
today, 38 international Universities have enrolled in the project. 17
Universities are Italian and 21 foreign (amongst which 11 are
European and 10 non-European).
Educational
Educational activities will again be offered for the year 2015,
addressed to individuals and groups of students of all levels and
grades, to universities and academies of fine arts, and to
professionals, companies, experts, art lovers and families. These
initiatives aim to actively involve participants in both Guided Tours
and Creative Workshops.

Rirkrit Tiravanija
1961, Buenos Aires, Argentina. Vive en New York, Berlin y Chiang Mai (Tailandia)
Untitled . 2015
(14086 unfired), 2015, ladrillos de barro, sellos de madera, herramientas.
Dimensiones variables.
Arsenal
Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia


Slide 33

Exposición Central: Giardini

Izq.: Samson Kambalu (1975, Malaui, África). Nyau Cinema. 2012-2015. Instalación de video, color y b&n, s/sonido
Der.: Thomas Hirschhorn (1957, Berna, Suiza). Roof Off. 2015. Instalación
© Foto: Haupt & Binder


Slide 34

Fabio Mauri
(1926-2009, Roma, Italia)
Varias obras, Sala Chini del Pabellón Central en los Giardini.
Der.: Il Muro Occidentals o del Pianto. (El muro occidental o de los lamentos) 1993
Maletas, bolsos, cajas, billeteras de cuero, tela y madera
© Foto: Haupt & Binder


Slide 35

Venecia convierte su 56ª Bienal en un volcán de arte sociopolítico
Inmigración, exclusión, hambrunas y ecología, entre los asuntos de esta edición
Ángeles García / Milena Fernández
Venecia 6 MAY 2015 - 00:57 CEST
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397.html

Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963) anunció, desde que
fue elegido para la comisaría de la Exposición General de la
56ª edición de la Bienal de Venecia titulada Todos los
mundos futuros, que quería la implicación de los artistas en
el convulso momento que se vive en el planeta.
El crítico nigeriano pretendía que el arte contemporáneo
volviera a recobrar la importancia que ha tenido cuando
las circunstancias históricas así lo han requerido. Y por lo
que se puede ver en los pabellones de estos auténticos
juegos olímpicos del arte, Enwezor ha conseguido de sobra
su objetivo.

Wangechi Mutu
The End of Carrying All. 2015
Instalación de video, animación, color sonido (14')
She’sgot thewhoieworidinher. 2015
Maniquí, papel, cera, luces
Bienal de Venecia,
/ andrea mreola (efe)

La emigración, el hambre, las persecuciones políticas, la
discriminación sexual o el cambio climático son algunos de
los temas que empapan las obras (gran predominio de
vídeo y fotografía) expuestas a lo largo y ancho de los
Giardini y el Arsenale. Se abre así una bienal con más de 60
exposiciones de primer nivel en los llamados eventos
colaterales (Mario Mertz, Charles y Jackson Pollock, Cy
Twombly, Jaume Plensa, Albert Serra, Sebastião Salgado,
Fabrizio Plessi, o la importancia de la copia en el Arte
Antiguo). Mientras llega la apertura oficial, este sábado (la
Bienal se alargará hasta finales de noviembre), las
embarcaciones de lujo copan ya las aguas de la laguna con
coleccionistas multimillonarios y famosos como Cate
Blanchett, la musa de Armani que ha llegado a
promocionar el pabellón de su país, Australia. Muchos
vienen de la Expo de Milán, cuya celebración ha hecho que
la Bienal se adelantara un mes, en una apuesta insólita por
el turismo por parte del gobierno italiano, que espera
superar los cuatro millones de visitantes entre ambas
manifestaciones.


Slide 36

Exposición Central: Giardini

Fatou Kandé Senghor
Giving Birth. 2015.
Video, color, sonido ('30)
© Stills: Fatou Kandé Senghor. Repros: Haupt & Binder

Elena Damiani:
Rude Rocks N.4 (Turrón after Bratke). 2015. Instalación
En la pared, collages, serie The Victory Atlas. 2012-2013
Inji Efflatoun
Fondo izquierda: obras en acuarela, entre los 1950s y 1980s.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 37

Naeem Mohaiemen (1969, Londres, Reino Unido)

Cinco impresiones de archivo en papel de arroz
(Detalle)
Exposición Central: Giardini
© Foto: Haupt & Binder
En su piso holandés, Peter subrayó y ´dibujó signos de
exclamación acerca de la autopsia de Abu Yusuf Khan (el cuerpo
está frío ) en un motín de soldados el 7 de noviembre de 1975.
Los titulares dicen: ' Zia abrazó a Taher y dijo: “Has salvado mi
vida"; “Los oficiales se asustaron y huyeron del acantonamiento' ;
' A pesar de las precauciones Taher fue capturado ' ; ' Sirajul Alam
Khan había adquirido una imagen para sí mismo”; '¿Por qué
fracasó el alzamiento del 07 de noviembre”. 2014

Last Man in Dhaka Central (The Young Man Was, Part 3) (2015), See more at: http://artobserved.com/2015/05/ao-on-site-veniceall-the-worlds-futures-at-the-giardini-in-venice-throughnovember-22nd-2015/#sthash.oxrWY4GM.dpuf


Slide 38

Exposición Central: Giardini
Centro: Robert Smithson: Dead Tree. 1969, reconstruído en 2015 Árbol, espejos
En el fondo: Pinturas de Daniel Boyd
© Foto: Haupt & Binder


Slide 39

Exposición Central: Giardini

Tetsuya Ishida
Recalled. 1998
Acrílico sobre papel, panel
© Foto: Haupt & Binder

Teresa Burga
Autorretrato. Estructura. Informe. 09.06.72,1971/2006
Instalación
© Foto: Haupt & Binder


Slide 40

Huma Bhabha
Atlas. 2015
Llantas de goma recicladas
With Blows. 2015/ With Words. 2015/ Mechanic. 2015/ Against What? Against Whom? 2014
Esculturas: Corcho, telgopor, cartón, acrílico, pasteles de óleo, esmalte de uñas, madera
Fondo, izquierda: Emily Kame Kngwarreye - Derecha: Ellen Gallagher
© Foto: Haupt & Binder


Slide 41

Palabra de Carlos Marx
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397.html

La palabra de Carlos Marx está presente de manera
protagónica en esta 56ª edición de la Bienal de Venecia.
Dos actores leerán en inglés, al menos dos veces al día y
durante los siete meses que dura la exposición los
volúmenes de El capital, de Marx, en una performance
dirigida por el videoartista Isaac Julien (Londres, 1960).
Los lectores —un chico y una chica— leen sobre un
escenario con capacidad para cien personas. Dos
monitores gigantes proyectan el texto recitado, en inglés
y en alemán, la lengua en la que fue publicado en 1867.
El director artístico de la Bienal, Okwui Enwezor, ha
propuesto la palabra de Marx porque “El capital es el
drama de nuestra época, que tiene que ver con cada
esfera de nuestra existencia y gobierna los dos sitios
donde se produce la economía: la fábrica y la Bolsa”.
No se trata de una secuencia de escenas documentales
como en el telediario, sino de “una política de la forma
respecto a lo que el arte puede producir”, explica
Enwezor.
Él ha escogido personalmente a cada uno de los 136
participantes porque su obra ha sido influida por la
lectura de El Capital. “Cada uno de los artistas
presentes representa mi biografìa y todos abordan
temas de un siglo terrible”, declaraba ayer el comisario,
que defiende la necesidad de una actitud más crítica por
parte de los artistas.

Isaac Julien, Kapital (2013),
via Sophie Kitching for Art Observed –
See more at: http://artobserved.com/2015/05/ao-on-site-veniceall-the-worlds-futures-at-the-giardini-in-venice-throughnovember-22nd-2015/#sthash.R0Jc5XME.dpuf


Slide 42

Exposición Central: Giardini
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397.html

La selección de Enwezor combina nombres famosísimos
en el mundo del arte con otros desconocidos o con poca
obra realizada. Junto a Boltanski, Steve McQueen,
Broodthaers, Jeremy Deller, Marlene Dumas, James
Marshall, Bruce Nauman, Robert Smithson o Walker
Evans hay un grupo potente de semi-desconocidos, y un
25% de jóvenes creadores africanos que han provocado
las críticas de algunos periodistas. “Yo no he escogido a
nadie por su color”, asegura tajante el comisario, quien
añade: “Hay artistas negros buenos y hay artistas negros
malos. Ocurre lo mismo en todas las razas”.

Hans Haacke
Blue Sail. 1964-1965
Tela de chiffon, ventilador oscilante, plomadas e hilo
© Foto: Haupt & Binder

La que no está muy bien representada, por cierto, es
España, al menos en cuanto a número de artistas. Sólo a
última hora ha sido incluida Dora García, creadora
conceptual que ya estuvo en el Pabellón de España en
2011 con una pieza bucle que se desarrollaba a lo largo
de la bienal. De Latinoamérica llegan el colombiano
Oscar Murillo, la cubana Tania Bruguera (aunque, al
igual que en Arco, ayer seguía sin saberse oficialmente si
puede viajar) o el tándem afincado en Puerto Rico Allora
& Calzadilla.
De la chilena Paz Errazuriz procede una de las obras más
conmovedoras de la exposición. La artista recurre a los
archivos de imágenes de la dictadura de Pinochet para
hablar de víctimas doblemente olvidadas. Son travestis y
transexuales que fueron crudamente perseguidos y
muchos de ellos exterminados sin que después nadie les
reconociera como héroes; un olvido similar al sufrido
por los gitanos durante el exterminio nazi.


Slide 43

Exposición Central: Giardini

Kerry James Marshall

Sin Título (Amantes). 2015
Acrílico sobre panel de PVC
Sin Título (Mancha). 2015
Acrílico sobre panel de PVC
© Foto: Haupt & Binder

Marlene Dumas

Cráneos. 2013-2015
36 obras en óleo sobre tela
© Foto: Haupt & Binder


Slide 44

http://cultura.elpais.com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397.html

El Gobierno italiano espera superar los cuatro
millones de visitantes

•Haig Aivazian, Libano

En un recorrido apresurado por esta gigantesca
exposición llama la atención el peso que han
recuperado el vídeo y la fotografía como soportes,
algo que tiene que ver con la petición del comisario
de recuperar la palabra para narrar historias de
manera comprensible para el espectador.

•Anna Boghiguian, Egipto/Canadá

La memoria del exterminio armenio no podía faltar
en este repaso a los grandes desastres de la historia
reciente y el asesinato de millón y medio de
armenios a manos de los turcos otomanos durante
la I Guerra Mundial se recuerda con obras de 18
artistas en el monasterio de San Lázaro.
Dentro de los actos colaterales, el pabellón iraquí
recoge el drama creado por el Estado Islámico. El
artista Haider Jabbar, refugiado residente en
Turquía, expone 2000 acuarelas con retratos de
personas asesinadas por el ISIS.

•Nigol Bezjian, Siria/EUA
•Hera Büyüktasçiyan, Turquía
•Silvina Der-Meguerditchian, Argentina/Alemania
•Rene Gabri & Ayreen Anastas, Irán/Palestina/EUA
•Mekhitar Garabedian, Bélgica
•Aikaterini Gegisian, Grecia
•Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Italia
•Aram Jibilian, EUA
•Nina Katchadourian, EUA/Finlandia
•Melik Ohanian, Francia
•Mikayel Ohanjanyan, Armenia/Italia

•Rosana Palazyan, Brasil
•Sarkis, Turquía/Francia
•Hrair Sarkissian, Siria/Rein Unido


Slide 45


Slide 46

Biennale College – Theatre
18 training workshops (30 July > 9 August)
Deadline for applications: 1 June 2015


Slide 47

Arsenale

ID Repubblica di Indonesia
IT Italia
MZ Mozambico
CN Repubblica Popolare Cinese
People’s Republic of China

Biennale Sessions
Biennale College
Mostra Exhibition. La Biennale all’Arsenale
1 Ibrahim Mahama ASAC
2 Xu Bing
3 Lemi Ponifasio
4 Samson Kambalu
5 Emeka Ogboh
6 Mathieu Kleyebe Abonnenc, Coco Fusco, Ana Gallardo,
Maria Eichhorn, Abounaddara
7 Mounira Al Solh
8 Emily Floyd
9 Sarah Sze
10 Joachim Schönfeldt
Arsenale
Teatro Piccolo Arsenale Ingresso Entrance


Slide 48

Exposición Central: Arsenale 1
Adel Abdessemed: Nymphéas (Water Lilies). 2015. Instalación
En el fondo, una de las obras de neón de Bruce Nauman.

© Foto: Haupt & Binder


Slide 49

Terry Adkins
“Divine Mute”. 1998. De la serie Deeper Still
Aluminio, latón, niquel, madera
Exposición Central: Arsenale 1
© Foto: Haupt & Binder


Slide 50

Obras de Abu Bakarr Mansaray, Melvin Edwards, Terry Adkins, Daniel Boyd
(de izquierda a derecha)
Exposición Central: Arsenale 1


Slide 51

Exposición Central: Arsenale 1

Abu Bakarr Mansaray
Sinister project. 2006
Grafito, lápiz de color, marcador sobre papel
© Foto: Haupt & Binder

Terry Adkins
Matinée. 2007-2013. Bronce, acero, perchas, corcho quemado
“Plinth”. 2004 (De la serie Black Beethoven).
Fibra de vidrio, brocato, acero
Single Bound. 2000. Metal, plumas
© Foto: Haupt & Binder


Slide 52

Qiu Zhijie
JingLing Chronicle Theater Project. 2010-2015
Instalación
Exposición Central: Arsenale 1
© Foto: Haupt & Binder


Slide 53

Exposición Central: Arsenale 1

Raha Raissnia
Longing. 2014
16mm film, color, b&n, sonido óptico (20')
© Stills: Raha Raissnia - Repro: Haupt & Binder

Katharina Grosse
Sin título, Trumpet. 2015
Instalación
© Foto: Haupt & Binder


Slide 54

Exposición Central: Arsenale 1

Lili Reynaud Dewar
My Epidemic (Small Bad Blood Opera). 2015
Instalación, telas, tinta, pintura, metal, amplificadores, videos,
pantallas de LED, audio 29:58 min
© Foto: Haupt & Binder

Saâdane Afif
The Laguna’s Tribute (A Comer Speaker in Venice). 2015
Performance en el espacio público durante la puesta del sol,
afiches, panfletos, caja de jabón fundida en bronce.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 55

Exposición Central: Arsenale 1

Karo Akpokiere
Zwischen Lagos und Berlin. 2015
Cincuenta dibujos, aguada, lapicera y lápiz sobre papel
© Foto: Haupt & Binder

Petra Bauer
A Morning Breeze. 2015
Instalación, afiches, proyección de diapositivas digitales sobre mesa
Sobre los comienzos del Movimiento Socialista Femenino
en Suecia, entre 1907 y 1920.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 56

Theaster Gates
Gone Are the Days of Shelter and Martyr. 2014
Exposición Central: Arsenale 1
Madera, viento, concreto, laja, metal, video
El artista recicla materiales de la Iglesia Catolica St. Laurence, una parroquia ahora demolida en el sur de Chicago,
que ejemplifica el actual proceso de desinversión en espacios urbanos religiosos, sobre todo en vecindarios negros pobres.
(De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt)
© Foto: Haupt & Binder


Slide 57

Exposición Central: Arsenale 1

Cao Fei
La Town. 2014
HD video, color, sonido (42’)
© Still: Cao Fei. Repro: Haupt & Binder

Madhusudhanan
Penal Colony. 2014-2015
Treinta y cinco dibujos de carboncillo sobre papel
© Foto: Haupt & Binder


Slide 58

Pino Pascali:
Cannone Semovente. 1965
Madera, chatarra, ruedas
En el fondo: Joana Hadjithomas & Khalil Joreige:
“Latent Images, Diary of a Photographer.” 2009-2015. Parte III del proyecto Wonder Beirut
Performance basada en una edición limitada del libro de artista publicado por Rosascape, Paris . Approx. 130 min.
Exposición Central: Arsenale 1
En la foto: Copias del libro en la pared. La publicación de 1.312 páginas documenta los cientos de rollos de película expuesta que nunca fueron revelados
por el fotógrafo libanés Abdallah Farah. Durante la Guerra Civil Libanesa (1975-1991), Farah dejó de revelar sus películas. En el libro, breves fragmentos
de texto describen las imágenes invisibles. Para la performance de lectura todos los jueves y domingos en la Arena del Pabellón Central, Giardini,
una copia del libro es tomada de la instalación cada vez y llevada a la Arena.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 59

Samson Kambalu
Sanguinetti Breakout Area. 2015
Exposición Central: Arsenale 1
El proyecto se refiere a los escritos de Gianfranco Sanguinetti, un miembro del movimiento italiano de arte de protesta política, conocido como Situacionista
Internacional, consultado por el artista el el Yale Center for British Art en 2013. La venta de los archivos de Sanguinetti a la Beinecke Rare Book and
Manuscript Librarary de Yale provocó una enfadada carta de su antiguo traductor al inglés y servidor web, Bill Brown, en diciembre de 2013.
Kambalu presenta la carta de Brown como un "regalo“ al proyecto Situationista y una extensión del mismo.
Fotografías de imágenes y textos encontrados en la colección de Sanguinetti, alterados y recontextualizados
("detournement" a la manera de los Situacionistas.
(De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt)
© Foto: Haupt & Binder


Slide 60

Oscar Murillo
Frequencies (an archive, yet possibilities). 2013-en curso
Exposición Central: Arsenale 1
Una colaboración entre el artista, miembros de su familia, y la científica social Clara Dublanc.
Telas son ajustadas temporariamente sobre pupitres de escuela en diferentes partes del mundo -incl. Colombia, Israel,
Etiopiapara registrar las actividades y comentarios diarios de los alumnos.
(De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt)
© Foto: Haupt & Binder


Slide 61

Eduardo Basualdo
Exposición Central: Arsenale 1
Alba. 2014. Madera, metal
Grito. 2015. Grafito sobre papel, metal
Amenaza. 2015. Plástico, grafito, metal, madera
Cómo volver a casa. 2015. Grafito sobre papel sobre metal y mesa de madera
© Foto: Haupt & Binder


Slide 62

Exposición Central: Arsenale 1

Chris Ofili
Forgive Them. 2015
Óleo sobre lino
© Foto: Haupt & Binder

Sammy Baloji
The Other Memorial. 2015
Cobre
Motivos de escarificación de diversas comunidades en el Congo,
encontrados en archivos etnográficos.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 63

Massinissa Selmani
A-t-on besoin des ombres pour se souvenir?, 2014
Exposición Central: Arsenale 1
Grafito sobre papel
Massinissa Selmani recibió una de las Menciones Especiales del Jurado de la 56a Exposición Internacional de Arte.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 64

CORDERIE

Arsenale
Corderie, Artiglierie, Isolotto, Sale d’Armi

•
•
•

•
•

•

•

•

•

1-11 Philippe Parreno
1 Bruce Nauman, Adel Abdessemed
2 Daniel Boyd, Terry Adkins, Melvin Edwards, Monica
Bonvicini, Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Antje
Ehmann & Harun Farocki, Peter Friedl, Raha Raissnia, Abu
Bakarr Mansaray, Thea Djordjadze, Pino Pascali, Taryn Simon,
Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Adel Abdessemed
3 Katharina Grosse
4 Dora García, Steve McQueen, Lili Reynaud Dewar, Karo
Akpokiere, Olga Chernysheva, Samson Kambalu, Oscar
Murillo, Petra Bauer, Ayoung Kim, Liisa Roberts, Teresa
Burga, Saâdane Afif, Qiu Zhijie, Theaster Gates, Sonia Leber
and David Chesworth, Sonia Boyce, Carsten Höller, Nidhal
Chamekh, Madhusudhanan, Cao Fei
5 Boris Achour, Massinissa Selmani, Eduardo Basualdo,
Newell Harry, Chris Ofili, Hiwa K, Sammy Baloji, Adrian Piper
6 Chantal Akerman, Christian Boltanski, Jumana Emil Abboud,
Ji Dachun, Ricardo Brey, Meriç Algün Ringborg, Ernesto
Ballesteros, The Propeller Group,
7 Helen Marten, Keith Calhoun & Chandra McCormic,
Joachim Schönfeldt, Gedi Sibony, Kay Hassan, Mykola Ridnyi,
Marco Fusinato, The Propeller Group, Gulf Labor Coalition,
Lorna Simpson, Jason Moran, Lavar Munroe, Gonc¸ alo
Mabunda, Tiffany Chung, Sônia Gomes
8 Harun Farocki, Huma Bhabha, Mykola Ridnyi, Cao Fei,
Cooperativa Cráter Invertido, Rupali Gupte & Prasad Shetty,
Maja Bajevic, Mika Rottenberg, Barthélémy Toguo, Mariam
Suhail, Natalia Pershina-Yakimanskaya Gluklya, Hwayeon
Nam, Peter Friedl, Ala Younis, Mikhael Subotzky, Georg
Baselitz, Carsten Höller, Tania Bruguera, David Maljkovic,
Nidhal Chamekh


Slide 65

Arsenale
Corderie, Artiglierie, Isolotto, Sale d’Armi

ARTIGLIERIE
• 9 Im Heung-soon, Rupali Gupte & Prasad
Shetty
• 10 Kutlug˘ Ataman, Chris Marker
• 11 Maria Eichhorn, Cheikh Ndiaye, Gary
Simmons, Rupali Gupte & Prasad Shetty,
Rirkrit Tiravanija
• 12 Invisible Borders: The Trans-African
Project
•
•
•
•
•
•
•

AL Albania
CL Cile Chile
IE Irlanda Ireland
KS Repubblica del Kosovo - Republic of
Kosovo
SI Repubblica di Slovenia - Republic of
Slovenia
SE Svezia Sweden
TV Tuvalu

ISOLOTTO
• IILA Istituto Italo-Latino Americano
• LV Lettonia
SALE D’ARMI
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•

12 Invisible Borders: The Trans-African
Project
AR Argentina
AE Emirati Arabi Uniti
MK Ex Repubblica Jugoslava di Macedonia ,
GE Georgia
MX Messico
PE Peru
VA Santa Sede
SG Singapore
ZA Sudafrica
TR Turchia


Slide 66

Exhibicion Central : Arsenale 2
Vista del Arsenale, Corderie
Obras de derecha a izquierda:
Ji Dachun:
Ricardo Brey: Crack. 2009. Objetos, técnica mixta
Jumana Emil Abboud: Ballad of the lady who lives behind the trees. 2005-2014. 41 dibujos de técnica mixta sobre papel
© Foto: Haupt & Binder


Slide 67

Arsenale 2

Joachim Schönfeldt
Factory Drawing Drawn In Situ. 2010-2015
Serie de dibujos
© Foto: Haupt & Binder

Marco Fusinato
From the Horde to the Bee. 2015
10.496 páginas de documentos impresos, mesas,
billetes, cámara secuencial
En el fondo, Gulf Labor Coalition.
© Foto: Haupt & Binder

Proyecto para recaudar fondos para el Archivo Primo Moroni,
archivo y fuente en Milán para publicaciones militantes y críticas.


Slide 68

Kutluğ Ataman: THE PORTRAIT OF SAKIP SABANCI. 2014
Aprox. 10.000 paneles LCD
Creada para el vigésimo aniversario de la muerte del líder empresario turco Sakıp Sabancı. Una obra multi-imagen de las
miles de personas, cuyos caminos de alguna manera se cruzaron con el de Sakıp Sabancı: Personas que fueron apoyadas por
él, que trabajaron con él, así como miembros de familia.
En el fondo, fotos de Chris Marker.
© Foto: Haupt & Binder


Slide 69

Venecia. La directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Maria Cristina García Cepeda, inauguró este jueves 7 de mayo el Pabellón
de México en la 56 Exposición Internacional de Arte “Biennale di Venezia”, con la obra “Possesing Nature”,
de los artistas Tania Candiani y Luis Felipe Ortega, y la curaduría de Karla Jasso.
“Possessing Nature parte del vínculo que tienen la Ciudad de México y Venecia con su entorno lacustre. Creo que los visitantes que vean la
pieza mexicana reflexionarán sobre la manera como usamos el agua y la forma en que la modernidad utiliza los recursos naturales.
Con esta exposición, con esta pieza estamos celebrando el diálogo de México con el mundo a través del arte y la cultura”, dijo García Cepeda.
http://mexicoenlared.tv/inauguran-pabellon-de-mexico-en-bienal-de-arte-de-venecia/
La curadora Karla Jasso explicó que “Possessing Nature” inició desde múltiples puntos de
investigación, paralelismos, intenciones, urgencias y actos de reflexión. “Concebida como un
aparato de ingeniería cuya función es la evocación, ‘Possessing Nature’ se presenta como
escultura monumental, sistema hidráulico, caja de resonancia, espejo o canal de agua”. Se
trata, dijo, de una pieza de (contra) infraestructura que enfatiza dos momentos de la
modernidad: la materialidad y el dinamismo, así como la arrogancia y el límite del sueño.
Por su parte, Luis Felipe Ortega explicó que la pieza se desdobla en dos ámbitos. Uno tiene que
ver con una investigación histórica, con una propuesta conceptual, con una reflexión sobre la
idea de modernidad y los tropiezos de la modernidad y esa insistencia de ser modernos y
generar grandes transformaciones en el mundo.
Por otro lado, añadió, es una pieza monumental, hecha con un material muy crudo, el acero,
que no está maquillado y que a la vez se convierte en un sistema hidraúlico para atraer
literalmente agua de la laguna de Venecia, ponerla a circular para que afecte esa escultura y
regresarla nuevamente a la laguna.
Es decir, dijo, la escultura se transforma en mecanismo, tiene una utilidad, una función, se le
pone a trabajar. También se vuelve el contenedor de un video filmado en Venecia, Xochimilco
y Tequixquiac, que el público puede ver al pie de la escultura como si se tratase de un espejo
de agua.
Tania Candiani explicó que la pieza se construyó en base a una cartografía que hace referencia
a los espacios que México ha ocupado para su participación en la Biennal de Venecia desde el
2007.
“Haciendo un análisis histórico de los edificios, la curadora encontró que estos representaban
los cuatro poderes del mundo occidental, que son el poder de la aristocracia, el mercantil, el
religioso y el poder militar.
“Entonces, atendiendo a esa traza empezamos a pensar en la idea de las ciudades
originalmente anfibias pero con destinos diferentes. México como una ciudad que fue
desecada, en la que el primer actor de arrogancia lo hizo Hernán Cortés drenando el agua de las
lagunas que rodeaban a Tenochtitlán para poder atacarla”, dijo.
Comentó que la pieza tiene varias capas, funciona como una biopsia de la memoria y de alguna
manera debido a su materialidad parece ocultar, pero tiene un mirador al que el público accede
que lo que hace es revelar y mostrar el interior.


Slide 70


Slide 71

En esta edición, Argentina estará representada por el reconocido artista Juan Carlos Distéfano, con el envío
“La rebeldía de la forma”, cuya movilizadora obra hace reflexionar sobre la condición humana.
http://www.telam.com.ar/notas/
08 de mayo de 2015

El pabellón, una antigua sala de armas de los Arsenales (500 metros cuadrados) donde los barcos que iban a Oriente
guardaban sus atalajes, conserva los muros de ladrillo y un increíble techo con vigas de madera, que, según recordó el
presidente de la Fundación Bienal, Paolo Baratta, "es el único que queda intacto". Fue Baratta quien negoció con el
gobierno argentino la posibilidad de alquilar por 20 años un espacio propio y evitar la condición de "país nómade".
En 2011 la Presidenta firmó en Venecia el comodato por veintidós años, con la contrapartida de restaurar la sala


Slide 72

El acto de apertura del pabellón argentino fue presidido por el canciller Héctor Timerman , con la presencia de la directora
de Asuntos Culturales, Magdalena Faillace y de Distéfano acompañado por su mujer, la dramaturga Griselda Gambaro,
además de otros artistas invitados, coleccionistas, periodistas y un grupo de compatriotas que se encontraban en el lugar.
En la exposición central participan además tres artistas argentinos:
Ana Gallardo (1958), Eduardo Basualdo (1977) y Ernesto Ballesteros (1963), que cuentan con el apoyo de la Cancillería
Según Faillace […] "Emma traviesa” es un homenaje a Spilimbergo de la serie de una
prostituta que lleva ese nombre, una escultura grandiosa pero terrible, se trata de la
figura de una travesti que tiene a babucha a la muerte que le está succionando el cuello,
en blanco y negro, y debajo hay un piso que es un damero también en esos dos colores".

"Todas las demás piezas, de las 23 expuestas, son en color y con esa resina tan especial
y envolvente que parece que encapsula sus obras. La muerte tiene un reloj y encima,
grabados, avisos del rubro 59, los que ofrecen servicios sexuales: es la maravilla del arte
griego trasplantada a una travesti del siglo XXI", consideró la embajadora.
"Hay otra escultura, 'Los iluminados', que alude fuertemente a la violencia, donde los
distintos estamentos del poder están mirando hacia un lado, con las manos unidas de
rodillas, en postura de oración y la cabeza tirada para atrás, mostrando la absoluta
indiferencia de todo un sector del poder en relación con lo que estaba pasando durante
la dictadura militar", agregó Faillace y dijo que el artista "es una persona con un don
especial, que trasciende la prueba ácida del tiempo".
Refiriéndose a la Urpila, una figura del norte argentino que arrastra un carrito, donde
lleva una réplica del obelisco -que la Presidenta por la videoconferencia señaló a los
presentes a un acto en el Chaco para que la observaran- Faillace la calificó de una gran
ternura, "pero las otras presentan situaciones de violencia, figuras que tienen una
impronta agónica, de redención y ponen al hombre en el imaginario de un Cristo".
Por último, la embajadora mencionó una obra hecha por Distéfamo en homenaje a
Cataluña -ya que estuvo por años exiliado en Barcelona durante la dictadura militarprestada por el Museo de Houston para su exhibición en el Pabellón y que tiene un valor
de un millón de dólares.
La escultura muestra a un obrero que ve enredado un barrilete y se monta al poste de
una luz, con una tenaza para cortar el cable. Quiere que el barrilete vuelva a volar a
riesgo de quedar electrocutado en una metáfora del hombre que se inmola por el bien
de los demás".
Entre los presentes se encontraban la artista Marta Minujín, la fotógrafa Adriana Lestido,
la galerista Teresa Anchorena; la titular de Fundación Proa, Adriana Rosenberg; el
director de la Bienal, Paolo Baratta; y el presidente del Museo de Bellas Artes de
Neuquén, Oscar Soljan.
La delegación argentina está conformada, entre otros, por Martín Di Girolamo, Fermín
Eguía, Tomás Espina, Maximiliano Gómez Canle, Sebastián Gordín, Zulema Maza y
Viviana Ponieman.


Slide 73

Entre las 23 obras de Distéfano que se presentan en La rebeldía de la forma, selección curada por María Teresa Constantin, con montaje de
Patricio López Méndez y Federico Fishbarg, se destaca la última pieza que secretamente Distéfano terminó cuando el envío ya estaba anunciado.
Inspirada en “El secreto de Ema”, de Lino Enea Spilimergo, la “Ema traviesa”, recrea la historia de una joven prostituta que acaba suicidándose.
Un final más dramático que el de la Ramona Montiel de Berni, a la que el rosarino pinta en su boda, hecho que la redime del pasado marginal.
Esta Ema tensa aún más la cuerda por su condición de travesti. Distéfano deja ver a través de la resina transparente, modelada magistralmente, los
clasificados de los diarios que le ponen precio al sexo. La rebeldía de la forma es el último envío de la actual directora de Asuntos Culturales de la Cancillería,
Magdalena Faillace, quien cierra un ciclo de cuatro envíos nacionales durante su gestión; Yuyo Noé, Adrián Villar Rojas, Nicola Costantino y esta selección
de esculturas de Juan Carlos Distéfano, entre las que se incluye “Acción directa”, un trabajo imponente (mide 3,25 x 3 x 3) que integra la colección del
Museo de Bellas Artes de Houston. Desde allí llegó la obra custodiada por las manos expertas de Delmiro Méndez, quien podría escribir una historia
del ir y venir de las obras de arte en nuestro país y en el mundo.
http://www.lanacion.com.ar/1790894-momento-de-gloria-en-la-bienal-de-venecia-para-distefano

http://www.revistamagenta.com/index.php/56-bienal-de-venecia/


Slide 74

Arte
27/03/15
Distéfano: el misterio de la forma elocuente
Entrevista.
Antes de viajar a Venecia, donde representará al país, el artista revela
detalles de su proceso creativo y cómo sus esculturas son el resultado de
su vínculo estrecho con la materia.
Por Ana Maria Battistozzi Y Mercedes Perez Bergliaffa

La voz de Juan Carlos Distéfano discurre en un susurro y su andar parsimonioso no le impide a los 81 años subir y bajar cuantas veces sea necesario la escalera de su estudio
en La Boca. Es un día de visitas. Próximo a partir a Venecia donde representará al país en la edición número 56 de la Bienal Internacional, recibe a Ñ. El artista se deja
fotografiar junto a sus elementos de trabajo y, muy tangencialmente aparece, cubierta con un paño y aún en proceso de producción, la enigmática obra que llevará a
Venecia. Cuando se le pregunta por el significado que asume para él esa ciudad donde se presentará en pocas semanas habla de su terrible melancolía.
“Una ciudad triste como pocas –dice–, donde no hay más qué hacer porque todo está hecho. Es como un gran museo con grandes museos. Por suerte voy a poder visitar
algunos –se entusiasma– y ver algunas obras que me interesan, como un cuadro de Cosme Tura que está en el museo Correr. Es una Piedad, muy pequeña. Un cuadro que
conjuga una mezcla de la pintura italiana y alemana. La cosa geométrica italiana y al mismo tiempo el tratamiento de los paños de los alemanes. Pero además hay en ese
pequeño cuadro algo raro, cierta cosa diabólica –precisa–. Cerca de la figura de la ‘Virgen con el Cristo muerto’ hay un árbol con una forma extraña, podría ser un mono o no
sé qué”.
–Su obra es pródiga en este tipo de referencias. ¿Por qué?
Porque encuentro allí una mezcla de lo que me pasa, de lo que me pasó, de lo que mamé aquí y al mismo tiempo de ciertas vivencias bastante profundas de los artistas que
amo, entre ellos, los italianos y los alemanes.
–Hay también un momento en que aparece una influencia del románico catalán tal vez asociada a su estadía en Barcelona. Por ejemplo, en la obra Persona u Homenaje a
Cataluña de 1979.
Sí, puede ser, cuando estaba en Barcelona me pasaba los días en el Montjuich. Porque el Montjuich (Museo Nacional de Arte de Cataluña) es un milagro. Eso que hicieron de
sacar los frescos de las iglesitas del Ampurdan y llevarlas allí es un milagro. En las obras de arte yo creo percibir cuánto hay de verdad y cuánto de especulativo. Por ejemplo,
un fragmento o un paisaje pequeñito de Pietro Lorenzetti me parece que son milagros. Es muy difícil encontrar en obras –que seguramente las hay– de esa calidad, esa
potencia, esa verdad. Por ejemplo hablo de un Kieffer, que son palabras mayores.


Slide 75

–Hay un interrogante que mucha gente se plantea con frecuencia respecto
del arte contemporáneo y es sobre cuáles obras del presente
podrían considerarse equivalentes de aquellas grandes obras del
pasado que tanto nos fascinan. ¿Es posible parangonar, más allá de
la cuestión del oficio, esa dimensión de verdad, si es posible seguir
usando el término?
Uso la palabra verdad porque no encuentro otra palabra. Porque allí no
hay especulación y creo que con algunos artistas sí es posible hacer
una comparación de ese tipo. Además de Kieffer, yo podría
nombrar a Norberto Gómez, a Marcia Schvartz, a Garabito, a
Pirozzi.
–¿Cuáles serían las instancias comparables en ellos?
Es que son inefables. Me interesa aquél artista que hace lo que hace
porque si no lo hace se muere. No para asombrar. El espectáculo es
una estupidez. No se trata de la lógica del espectáculo, ni del
chisporroteo del chiste. Ni como decía Girondo: de las ideítas
reputitas y las ideonas reputonas. Tal vez esto siempre fue así pero
me da la impresión de que por lo menos antes había un oficio que
lo disimulaba o lo enmascaraba. Algo noble que por lo menos
mostraba que el pintor sabía pintar, que no se le escapaban los
tonos...
–¿Diría que el oficio actuaba como un filtro que desenmascaraba cualquier
impostura?
En cierto modo sí. Un músico si no sabe por lo menos solfeo no puede
meterse a componer, ¿no? No se puede ser tan pedante como para
no escuchar lo que hicieron los otros. Además de la alegría que
produce sentir que aquello del pasado ha sido hecho también para
nosotros. Yo disfruto como loco con las obras de arte de distintas
épocas.
–Una de las virtudes del libro que acaba de editar Capital Intelectual sobre
su obra es que al hacer foco en fragmentos de algunas obras, las
imágenes ponen de relieve el carácter pictórico que tienen sus
piezas escultóricas.
Sí, claro es un híbrido; siempre quise ser pintor.
–¿Qué lo llevó a salir de la pintura y ocupar el espacio de esa manera?
El placer de manejar la arcilla, tocarla y modelar. La arcilla es algo tan
sensual, no conozco ningún placer –salvo hacer el amor– que
produzca una sensación que se le parezca. El poder modelar, tocar
el material va indicando cómo uno tiene que ponerlo. Lo que hago
es simplemente dejar aparecer lo que surge espontáneamente. Y
resulta mucho mejor de lo que yo lo imagino. Tengo que estar muy
atento, no ser testarudo y no aferrarme a un plan que me indica
que esto debe ser de determinada manera. Hay algo en la superficie
que me va diciendo cómo y por dónde tengo que ir.


Slide 76

–Pero la arcilla no es el material definitivo sino una instancia intermedia.
Luego viene el uso del poliéster. ¿Cómo surge ese material en su obra?
Nace sobre todo de un problema económico. Elijo el poliéster, que es
un material bastante desagradable para trabajar, básicamente porque
se puede trabajar en casa, no me obliga a ir a un fundidor. El poliéster
es muy fuerte y permite situaciones que con otros materiales
sería absolutamente imposible.

–Tiene una cualidad pétrea, al menos esa es la sensación que produce.
Sí, es muy duro. Se sostiene a sí mismo. En la historia de la escultura hay infinidad de recursos
formales –un arbolito, una plantita– como para ocultar el sostén. Aquí no hace falta.
Por otro lado está el color, el poliéster tiene color. Yo adoro el color en la pieza. Y lo
bueno es que con el poliéster el color puede ser incluido dentro de la pieza. No es una
capa sobre la superficie. El color nace desde adentro. Desde la primera capa a la
segunda, la tercera, la cuarta o la quinta es posible pasar de un verde a un rojo.
–Mencionó la cuestión económica que lo llevó a usar la resina poliéster. Pero a continuación
surgieron una serie de cuestiones que traducen especial entusiasmo por las
posibilidades de ese material y su potencial expresivo. Pareciera algo más que una
cuestión económica ¿no?
Sí, claro, me iluminó caminos que además fui confrontando con la experiencia de algunos
colegas. Pablo Suárez me enseñó bastante en ese sentido y luego unos ingenieros me
ayudaron mucho para que mis trabajos funcionaran.
–¿Cuánto tiempo le llevó familiarizarse con el material?
La primera obra en la que lo usé, en 1968, era una cabeza que hace recordar la escultura
sumeria. ¡Qué salto en la historia del arte, voy de un lado para otro! Es una pieza de un
rigor geométrico tremendo. Parece piedra negra pero es poliéster.

–Es lo que permiten los materiales sintéticos. Muchas veces lucen como si fueran otra cosa.
Pero no en el sentido que yo los trabajo, de ningún modo puede confundirse con otro
material. No tienen otra verdad que la de sí mismos. La que ha surgido de lo que el
material mismo sugiere.
–Hemos hablado de sus ideas sobre el arte del pasado y del presente y también de la
importancia del material. Podríamos hablar ahora del envío a Venecia. ¿Cómo fue
concebido?
Siguiendo de alguna manera las directivas que emanaron del curador general de la Bienal.
Sólo que esos lineamientos llegaron a la Cancillería en octubre, con muy poco tiempo
para preparar una obra inédita, tal como es la exigencia. Tal vez Picasso podría hacer
una gran obra en un tiempo tan corto pero yo no. Así con esos elementos la curadora
María Teresa Constantin, Burucúa y yo nos planteamos algunas definiciones. Primero
que yo no puedo hacer ninguna pieza especial para la Bienal. Olvídense, no es mi modo
de trabajar, la única obra inédita que va ya había sido empezada hace dos años y
todavía está en proceso de producción. La producción de mis obras me toma mucho
tiempo. Eso no garantiza que sean buenas pero estos son mis tiempos. No hay caso,
como diría Espartaco, es mi modo de operar. Luego irán una serie de piezas que
elegimos en conjunto.


Slide 77

–A lo largo de su carrera ha citado distintos momentos de la historia del arte pero en los últimos años aparecen abundantes referencias al arte argentino; a Gómez Cornet en
“La Urpila”, ahora a Spilimbergo en “Emma Traviesa”. ¿Por qué esas citas?
Porque se trata de grandes artistas a los que amo. Tengo una profunda admiración por Spilimbergo, Gómez Cornet y un cariño muy especial por Cúnsolo por ejemplo. De
haber estado en otro país, Cúnsolo podría haber estado al lado de Carrara. ¿Qué diferencia hay entre De Pisis y Victorica? No sé si se conocieron y tampoco me
importa. Tenemos un artista enorme como Guttero; un artista como Fermín Eguía o como Garabito que logra hacer una obra de arte a partir de un balde o una
palangana. Que uno pueda quedar fascinado con eso hay que ser un gran poeta para lograrlo. ¿No? Poca gente presta a estos artistas la atención que se merecen. ¡Y
en cambio hay tanta excitación alrededor de tanta novedad banal! Eso me rebela. Por supuesto, no es que yo vaya a salir a vociferar con una pancarta por ahí.
Consciente o no, cada uno de nosotros da una respuesta a los grandes interrogantes de nuestra civilización. Si esto no ocurre lo que sale a la luz es un naturalismo
irrelevante. Yo parto de un tema porque necesito un tema. En la obra que estoy trabajando para llevar a Venecia podría decirse que hay una referencia a lo que
Spilimbergo trató en Breve Historia de Emma, que es para mí una obra bisagra en el arte argentino. El tema es el motor que me hace trabajar pero el material me va
apuntado formas y cuando trabajo yo estoy atento a esas formas. Como es tan largo el trabajo, puedo estar atento al material y todo lo que me sugiere. No pienso en
el efecto que va a producir en el espectador, ni en mí ni en nadie. Me concentro en qué relación hay entre una curva y una recta. Van a decir que soy un formalista.
Pero lo que quiero es que la obra no sea estúpida; que no sea tosca. Puede ser agria, dulce amorosa o agresiva, que me satisfaga.
–¿No piensa en lo simbólico mientras hace las obras?
–No pienso en lo simbólico para nada.
–La condición y las posturas del cuerpo, las torsiones ¿tienen valor simbólico?
–No tienen valor simbólico. Es implemente una curva, una forma plástica, no un tema. Se relaciona con lo que me dice la materia.
–¿También la incorporación de pedazos de diarios de avisos de oferta sexual?
En “Ema Traviesa”, la obra que aún tengo que terminar para llevar a Venecia, los diarios se mezclan con la ropa de uno de los personajes. Allí estoy usando un elemento de la
realidad. Aunque los avisos de oferta sexual hace tiempo que fueron prohibidos. Pero me sirvió para que la ropa del “cafisho” estuviera ajada, que la tela sean los
avisos. Lo que significaba eso para ese momento y lo que significa plásticamente. Y una cosa importante que no suelo decir que tiene que ver con mi oficio gráfico: es
el poder de la letra.
–Si uno recorre su obra diría que en ella primero aparece lo pictórico y más recientemente lo gráfico.
Si pero los colores que elijo tienen que ver con mi oficio gráfico. Trabajo por superposición y transparencia y allí aparece la letra también.
–Las superficies de sus esculturas son muy complejas. Tan complejas como una pintura.
Es que ya lo dije yo quiero ser pintor.
–Respecto de Emma Traviesa, la obra que se verá por primera vez en Venecia. Hay en ella una fatalidad, una suerte de infortunio que recorre muchas obras en el arte
argentino.
Si, está la referencia a la serie de monocopias de Spilimbergo pero también algo muy personal que no tiene nada que ver con la plástica y es el dolor que me produce la
fatalidad de estos seres, los o las travestis que parecieran condenadas a prostituirse. Esta situación es el punto de partida de mi obra. No tiene que ver con una
cuestión moral ni estética. Es otra cosa. Morandi partía de una botella o una manzana y Garabito de una palangana, yo parto de esto. Es algo que me inquieta porque
es socialmente una situación muy dura que me conmueve.


Slide 78

En un momento importante de nuestra actual temporada artística
tenemos el privilegio de ver obra de Lino Enea Spilimbergo
(1896-1964) tanto en "Territorios de Diálogo" (CC Recoleta),
comentada en la edición anterior de Arte al Día, como en Imago Espacio de Arte, perteneciente a la Fundación OSDE.
“Breve historia de Emma 1936-1937" es un relato tomado de
una crónica policial: Emma Scarpini, de 30 años de edad autorizada para ejercer la prostitución- se suicidó arrojándose
desde el noveno piso de un hotel. Conocida en el bajo fondo por
Lola, su cadáver nunca ha sido reclamado. Se halló en su
habitación una carta para sus padres que decía: "Siempre fui
buena... No soy yo la culpable...". No hay certezas sobre su
verdadera existencia, pero en las treinta y cuatro monocopias de
un realismo brutal, Spilimbergo relata los avatares de una niña en
su hogar, que a los quince años trabaja en un taller de planchado
y a los diecisiete es invitada a subir a un auto cuyo destino será un
prostíbulo de San Fernando.
Emma, de melena corta con moño, ojos grandes, es un dibujo
casi esquemático que se irá transformando, que muestra la
angustia, la resignación, la muerte como testigo, el pequeño
espacio de una habitación cuyos objetos, cama, jarra, palangana,
acompañan su existencia reducida a la esclavitud. En cierta
forma, Spilimbergo denuncia esta explotación a través del relato
dramático de su vida y de la de sus compañeras. Entre ellas se
contemplan, se muestran sin pudor. Sólo una escena la muestra
junto a un hombre. En las secuencias posteriores se la ve ya con
el rostro ajado, cubriéndoselo, acurrucada, hasta llegar a la
monocopia final, un rostro que presagia su fin.
Diana Wechsler, curadora también de esta muestra, señala que
el proyecto Emma integra dos aspectos de la figura militante de
Spilimbergo: el estético y el político. Esta historia está contada
para interpelar a la sociedad burguesa, la que avaló la redacción
de leyes que regularizaron y naturalizaron la prostitución. Debe
recordarse que cuando se expuso la muestra de este personajesímbolo en Tucumán, en 1949, sufrió la censura de la Iglesia.

News Argentina
miércoles 16 de julio, 2008
Breve historia de Emma
por Laura Feinsilber

Lino Enea Spilimbergo
Breve historia de Emma XVIII
1936-1937. monocopia 47 x 27,5 cm.
Colección particular.


Slide 79


Slide 80


Slide 81

Ana Gallardo – Argentina
EL PEDIMENTO, 2009-2015
Jardín de las Vírgenes
Installazione con diversi media, suolo, legno – Dimensioni variabili
La ubicación de la instalación “El pedimento” de Ana Gallardo,
apartada y segregante como una celda, podría resultar tautológica
si no fuera porque afuera enloquece el Jardín de las Vírgenes en
pleno florecimiento de sol. Sientes casi el deseo de inclinar la
cabeza al entrar en la oscuridad interna que lleva consigo el olor de
la tierra. De inmediato, percibes que los pasos recorren una
especie de ritual antes incluso de vislumbrar entre la tierra las
formas de los puñados de tierra levemente posados en el suelo.
En la oscuridad te encuentras de repente ante la materia inerte,
como el desecho de la colada de un metal precioso en el que se
apoyan esquirlas de una fusión oscura y propiciatoria. Una tumba
antigua sembrada de objetos, de fetiches mestizos. Olor de tierra,
olor de muerte. “En la entrevista que me ha concedido ante la
instalación, Ana Gallardo habla del renacer, de la reencarnación, y
cuenta el proceso de creación tras los dos meses de trabajo con las
mujeres, internas en la cárcel de la Giudecca, en Venecia, con las
que ha compartido algunos temas que se cruzan con su trabajo de
artista.
“Un lugar para vivir cuando seamos viejos” (2008) es su más
reciente trabajo centrado en la pregunta que la artista se plantea y
comparte también en este proyecto con las mujeres de la cárcel.
La clausura. La reclusión. El internamiento. La constricción. La
pena. La vejez. La representación de la muerte, el “fil vert” que une
a la tierra, la misma tierra de la “muerte en vida”. Las internas,
“zombis” separadas de la cotidianidad de los honestos, que
cultivan el huerto dentro de la cárcel. Precisamente esa fusión, esa
tierra, agua y compost proceden de allí dentro.
Inspirada en diversos rituales de las mujeres mejicanas de Oxaca
que ofrecen a la divinidad un puñado de tierra, una ofrenda a
cambio de atenciones, la instalación “El pedimiento” permite a las
mujeres de la cárcel de la Giudecca dejar estos objetos fetiche para
marcar la vida-tierra, próxima futura, para imaginar la muerte, el
envejecimiento. En una atmósfera de soledad que atraviesa todo el
trabajo de Ana Gallardo y también su cuerpo de artista, sus dibujos
potentes. Soledad y fuerza vital juntas ”


Slide 82

Eduardo Basualdo
(Buenos Aires, 1977)
Grito (Shout), 2015. P
aper, graphite and metal, variable dimensions.
Photo by Ignacio Iasparra. Courtesy of the artist.
“Basualdo’s works will, whether we want to or not, train our
eye to perceive what is not there, what lies beyond. In his
works (in his worlds) there is always more than meets the
eye: and what does meet the eye is there to lead it towards
this dimension of the yet unseen. However much there might
be, there is always more: a chink in an otherwise solid door,
some extra space and emptiness behind or beyond the
continuous lines of everyday life, the ghostly image of what
lies beneath the table or behind the wall, the visible shadow
of the hidden blade.
His art constructs a peepshow into other worlds.”
—Victoria Noorthoorn

Galeria Luisa Strina is pleased to announce Eduardo
Basualdo’s participation at the 56th Venice Biennale, All the
World’s Futures, curated by Okwui Enwenzor. Basualdo’s
presentation focuses on the notion of limits, their nature and
permeability, featuring a series of new works comprising
sculptures, drawings, and a site-specific installation.
By means of an overall suspicion towards reality, Basualdo
questions the relations between what is perceived by the
mind and what is sensed through the body. The pieces
presented in Venice use the senses to diffuse the boundaries
of the material world.


Slide 83

Arsenale 2
Ernesto Ballesteros
(1963, Buenos Aires, Argentina)
Indoor Flights. 2014
Construcción y demostración de vuelo de aeroplanos ultralivianos.
© Foto: Haupt & Binder

[...]
“Ballesteros también dedica tiempo al
aeromodelismo “indoor”, una particular
especialidad para la que se construyen aeroplanos a
escala reducida aptos para ser volados en grandes
espacios cerrados. El proyecto del artista es llevar
sesiones de “indoor” a lugares dedicados al arte,
estetizando algo que normalmente es considerado
un hobby, pero que contiene gran belleza formal.
Estas acciones podrían considerarse como un nuevo
capítulo del ciclo abierto con las pinturas de 1986 y
1987 ( En el hangar y Afuera del hangar ). Parecen
también una respuesta al legado familiar, presente
ya en los dibujos realizados sobre los libros
dedicados a la aviación descubiertos en su niñez en
la biblioteca de su padre, y en todo el corpus de
obras donde los misterios del espacio y su
exploración están permanentemente presentes”.
http://cvaa.com.ar/03biografias/ballesteros.php


Slide 84

Mika Rottenberg
Buenos Aires, 1976
NoNoseKnows
Emigró a Israel en 1977. Vive en Estados Unidos
Durante más de una década, Rottenberg se ha centrado en el
trabajo y en las mujeres que lo realizan. Pero sus obras se han
acercado al tema desde ángulos nunca fáciles de atar a
ninguna perspectiva política, transformándola en algo así
como una insurgente en la Bienal.“Siempre he leído El Capital
como poesía, el modo en que Marx escribe acerca de las
hilanderas, midiendo el valor literario por la cantidad de vida
humana que requiere,” dijo Rottenberg, de 38 años, quien
nació en Buenos Aires en 1976 y emigró un año después a Tel
Aviv, Israel, donde su padre, Enrique Rottenberg, era
productor de cine. “Aunque como artista estás obligado a
crear una buena obra y a veces eso no tiene nada que ver con
la moralidad, o incluso la contradice”.

Los trabajadores de una escena de "NoNoseKnows" Instalación de
Mika Rottenberg en la Bienal de Venecia. CréditoMika Rottenberg, a
través de Andrea Rosen Gallery, Nueva York

Respecto de su presentación dice:
“Creo que en mi obra trato de darle forma a la manera en
que se fabrican y consumen las cosas, lo que se ha
transformado en algo tan vasto hasta convertirse en
inimaginable. Si realmente comprendemos la insania de esto,
creo que la gente se comportaría de manera diferente”.La
gente que se reunía alrededor de la instalación se
comportaba bastante mal, inclinándose sobre canastos llenos
de perlas rechazadas y deformadas, y tratando de robar
algunas como recuerdos de la Bienal. “¡No las toquen!”, decía
Rottenberg furiosa, vigilando sus mercancías como si
realmente fuera una vendedora de perlas. “¡No las roben!”.
Aunque su mal humor se alivianó por la cantidad de personas
agolpadas en el pequeño teatro, donde el aire acondicionado
había dejado de funcionar. “Me encanta que estén ahí
sentados y transpiren”, dijo sonriente. “Que estén sufriendo
por su placer”.


Slide 85


Slide 86