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El teatro
Es la rama del arte escénico
relacionada con la actuación, que
representa historias frente a una
audiencia usando una combinación de
discurso, gestos, escenografía,
música, sonido y espectáculo. Es
también el género literario que
comprende las obras concebidas para
un escenario, ante un público.
El Día del Teatro se celebra el 27 de
marzo.
En adición a la narrativa común, el
estilo de diálogo, el teatro también
toma otras formas como la ópera, el
ballet, la ópera china y la
pantomima.
Una representación consta sólo de dos
elementos esenciales: actores y público. La
representación puede ser mímica o utilizar el
lenguaje verbal. Los personajes no tienen por
qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol
han sido muy apreciados a lo largo de la
historia. Se puede realzar una representación
por medio del vestuario, el maquillaje, los
decorados, los accesorios, la iluminación, la
música y los efectos especiales.
El origen de la representación teatral se suele situar
en las antiguas ceremonias rituales de los hombres
primitivos. En estas se representaban escenas
simples vinculadas a la relación entre estos
hombres y sus dioses. En un principio al parecer,
estas ceremonias fueron muy específicas y
respondían a las necesidades básicas: pedir un buen
tiempo para las cosechas, una buena caza o que
terminara alguna calamidad. Con el tiempo, la
forma de vida y las necesidades del hombre se
fueron complejizando y diversificando.
En Grecia cuna del teatro occidental, la
representación teatral se convirtió en un
espectáculo de masas: tragedia y comedia
servían para que el público llorara o riera
junto a los personajes, héroes o bufones.
Poco a poco se fue dejando de lado el
aspecto ritual: ya no eran los dioses sino el
hombre y sus conflictos (cada vez más
complejos) lo mas importante.
Los primeros documentos encontrados de la
literatura dramática fue Poética de
Aristóteles.
La tragedia griega floreció en el siglo V a.C.
con autores como Esquilo, Sófocles y
Eurípides. Las obras son solemnes, escritas
en verso y estructuradas en escenas, entre
personajes e intervenciones del coro en
forma de canciones (odas).
La comedia, que se desarrolló hacia la mitad
del siglo V a.C. Las más antiguas que se
conservan son las de Aristófanes.
Las diversas formas de teatro oriental
también tuvieron su origen en las antiguas
ceremonias rituales, sobre todo en danzas
provenientes de la India. A diferencia del
teatro occidental que poso gran énfasis en la
palabra, las formas teatrales orientales se
centraron básicamente en el movimiento.
Cada movimiento del actor tiene un
significado y en algunos casos se prescinde
del texto o del decorado, sin que esto le reste
expresividad a la representación.
TEATRO ROMANO
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el
siglo III a.C. Aunque la producción teatral se asociara en
principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de
estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse el
número de festivales, el teatro se convirtió en un
entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma
más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación
dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo
dominado por las comedias de Plauto y Terencio, que eran
adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se
basaban en una intriga de carácter local.
Teatro religioso.
El drama litúrgico se fue desarrollando en el
transcurso de los doscientos años siguientes a
partir de varias historias bíblicas en las que
actuaban monaguillos y jóvenes del coro. Al
principio bastaban las vestiduras propias para la
celebración de la misa y las formas
arquitectónicas de la iglesia como decorado, pero
pronto se organizó de modo más formal.
El escenario se dividió en mansión y platea. La
mansión consistía en una pequeña estructura
escénica, un tabladillo, que sugería de forma
emblemática un lugar en concreto, como el jardín del
Edén, Jerusalén o el Cielo; la platea era un área neutra
frente a la mansión que era utilizada por los actores
para la interpretación de la escena.
Con la evolución del drama litúrgico, muchas historias
bíblicas temáticamente relacionadas se representaban
como un ciclo; por ejemplo, desde la creación hasta la
crucifixión. Estas obras se denominan de diversos
modos, obras de Pasión, milagros o loas.
El renacimiento
Empezó en diferentes momentos
dependiendo del lugar de Europa y no fue
nunca un cambio repentino sino un lento
proceso de evolución en las ideas y valores de
la época. En el teatro, supuso un intento de
recrear el drama clásico. Como los métodos
de producción y representación clásicos no se
conocían perfectamente, el teatro del
renacimiento tomó una forma totalmente
nueva con algunos visos de clasicismo.
Ópera
Drama cantado con acompañamiento instrumental que, a
diferencia del oratorio, se representa en un espacio teatral ante
un público. Existen varios géneros estrechamente relacionados
con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la opereta.
La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del
XVII. Entre sus precedentes estaban los madrigales italianos de
la época, a cuyas escenas con diálogos, pero sin acción teatral,
se pondría música. Otros antecedentes eran los melodramas,
ballets de cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de
salón propios del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a
un grupo de músicos y estudiosos conocidos como la camerata
fiorentina o di Bardi.
Commedia dell’arte
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de
estilo clasicista, el público en general se divertía con la
Commedia dell’arte, un teatro popular y vibrante basado en la
improvisación. A partir de varias formas populares del siglo XVI,
compañías de intérpretes cómicos crearon una serie de
personajes tipo, como Arlequín o Pantaleón, que eran
exageraciones y estilizaciones de criados, locos, amantes,
abogados y doctores, entre otros. Inmersos en tramas y
decorados predecibles, a cada actor le correspondían discursos
predeterminados y partes de la acción conocidas como lazzi. Los
decorados proporcionaban guías e indicaban entradas, salidas y
el foco de discursos específicos.
Teatro Inglés
El teatro inglés se basó en formas populares, en el vital
teatro medieval, y en las exigencias del público en
general. Bajo la influencia del clima de cambio político
y económico en la Inglaterra del momento, así como
de la evolución de la lengua, dramaturgos como
Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al
nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin
cortapisas que culminó en el variado y complejo
trabajo del más grande genio del teatro inglés, William
Shakespeare.
Las obras seguían una estructura clásica en lo relativo a actos y
escenas; se empleaba el verso (aunque a menudo se intercalara la
prosa); se recogían recursos escénicos de Séneca, Plauto y la
Commedia dell’arte; se mezclaban tragedia, comedia y pastoral; se
combinaban diversas tramas; las obras extendían su acción a través de
grandes márgenes de tiempo y espacio; convivían personajes de la
realeza con los de las clases bajas; se incorporaba música, danza y
espectáculo; se mostraba violencia, batallas y sangre.
Los temas de la tragedia solían ser históricos más que míticos, y la
historia era utilizada para comentar cuestiones del momento. Las
comedias eran frecuentemente pastoriles, e incluían elementos como
ninfas y magia. Dramaturgos ingleses posteriores a esta época, en
especial Ben Jonson, observaron de forma más estricta los preceptos
neoclásicos.
Barroco y neoclasicismo
El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran
enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del
drama clásico francés de la regla de las tres unidades acción, tiempo
y lugar hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo que
se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la
costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la
creciente popularidad de la ópera, que requería varios montajes,
favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran
mayor apariencia de veracidad a efectos tales como: la desaparición
de actores y la simulación de vuelos las llamadas "glorias", por
ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario de
una nube que portaba a los cantantes
Francia
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar
a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama
renacentista. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar
representaciones parecidas al intermezzo, que fueron denominados
ballets.
Hasta la década de 1630-1640, con las obras de Pierre Corneille y, más
tarde, de Jean Baptiste Racine, no se estableció plenamente el drama
neoclásico. Bajo la influencia ejercida por el cardenal de Richelieu, las
normas neoclásicas fueron rígidamente aplicadas, y la obra de Corneille
El Cid (1636 o 1937), aunque extremadamente popular, fue condenada
por la Académie Française por violar los principios del decoro y la
verosimilitud. Las obras de Racine combinan con éxito la belleza formal
de la estructura y el verso clásicos con temas mitológicos para crear
obras austeras de elevado estilo.
Teatro del siglo XVIII
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de
Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por
intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su
estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para
complacer sus gustos y adecuar las obras a sus
características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran
alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para
complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los
ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por
ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos
felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.
Sin embargo, también se produjo una reacción contra el
neoclasicismo y un creciente gusto por lo sentimental;
esto se debió en gran parte a la aparición de una pujante
clase media. Dramaturgos como el alemán Gotthold
Ephraim Lessing, el francés Pierre de Marivaux, George
Lillo y Richard Steele en Inglaterra, escribieron obras
sobre la clases media y baja en situaciones realistas pero
simplistas, en las que el bien triunfaba de forma
invariable.
Teatro Romántico .
En su forma más pura, el romanticismo proponía en el plano
espiritual que la humanidad debía trascender las limitaciones
del mundo físico y el cuerpo alcanzar la verdad ideal. La
temática se extraía de la naturaleza y del hombre natural. Quizá
uno de los mejores ejemplos de teatro romántico sea Fausto
(Parte I, 1808; Parte II, 1832) del dramaturgo alemán Johann
Wolfgang von Goethe. Basada en la clásica leyenda del hombre
que vende su alma al diablo, esta obra de proporciones épicas
retrata el intento de la humanidad por controlar conocimiento y
poder en su constante lucha con el Universo
Los románticos se centraron más en el sentimiento que en la razón,
sacaron sus ejemplos del estudio del mundo real más que del ideal,
y glorificaron la idea de artista como genio loco liberado de las
reglas. Así, el romanticismo dio lugar a una amplia literatura y
producción dramáticas que con frecuencia ignoraba cualquier tipo
de disciplina.
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con
poca tradición teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas.
Muchas de las ideas y prácticas del romanticismo eran ya evidentes
en un movimiento de finales del siglo XVIII llamado Sturm und
Drang, liderado por Goethe y el dramaturgo Friedrich von Schiller.
Teatro moderno
Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y
escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables, si bien las
exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos
condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del
arte dramático en sus diversos aspectos.
Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental
Festspielhaus de Bayreuth, Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con
las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la
primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su diseño en
abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio
durante su representación y la ubicación de la orquesta en un
pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de
los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación
entre escenario y público.
MÚSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de
una libre asociación en forma de serie de canciones,
danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias,
que algunas veces eran serias, y se contaban a través del
diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de
Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó
esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de
1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical
para convertirse en algo más serio, incluso sombrío.
A finales de la década siguiente, sin embargo,
posiblemente como resultado de crecientes problemas
políticos y económicos (de los que el público deseaba
escapar), volvieron los musicales (muchos de ellos
reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo,
haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia
fácil. La tendencia de espectacularidad continuó durante
la década de 1980 con musicales como los de Andrew
Lloyd Webber y producciones como Cats (1981) y El
fantasma de la ópera (1986). El West End de Londres,
punto de referencia teatral, no ha dejado de ver pasar
musicales por sus salas, ya que muchos de ellos se han
convertido en grandes éxitos de taquilla.
Teatro en Venezuela.
El teatro en Venezuela comienza en la época precolombina donde los
aborígenes realizaban representaciones con fines educativos y sobre
todo religiosos.
En los Andes Venezolanos, los Timotocuica, Muku y Jirapa sí
realizaban teatro propiamente dicho. Este era utilizado con un fin
educativo y religioso, y llegó a tener tal importancia dentro de sus
sociedades, que fueron los únicos en Venezuela que llegaron a
desarrollar una estructura de madera para su realización. Este teatro
era ritual, trasmitido por tradición oral y esencialmente igual a lo
largo del tiempo.
Su estructura era diferente a la que
formalmente es conocida hoy en día, y los
espectadores eran parte activa del mismo.
Además, se solía improvisar según el ritmo
que la misma representación impusiera sobre
intérpretes y público.
Es solo en el siglo XVIII es cuando se pueden
presentar en formas mas o menos
permanentes en un coliseo de Caracas. La
actividad fue casi permanente en las
ciudades de Caracas y Maracaibo, los autores
mas representativos fueron Calderón de la
Barca y Lope de Vega.
Molière
Molière, dramaturgo del siglo XVII y quizá el autor satírico francés más
importante, creó un gran número de personajes cómicos que utilizó
para denunciar la hipocresía de la sociedad de la época. Fue más allá de
las posibilidades de la farsa, desplegando ante su público profundas
observaciones sobre el carácter y satirizando el autoengaño y la
adhesión incondicional a las convenciones sociales. Este es un extracto
de Tartufo cuya traducción es: "Es el escándalo público lo que lo
convierte en ofensa, pues el pecado en secreto no es pecado".
Christopher Marlowe (1564-1593)
Dramaturgo y poeta considerado como el primer gran autor de teatro inglés
y el más importante del periodo isabelino a pesar de que sólo se dedicó al
teatro por espacio de seis años. Sus primeras obras fueron básicamente
comedias. Después cultivó el género de la tragedia de una manera novedosa
al llevar a escenas personajes arquetipos de pasiones que influirían en el
teatro posterior de William Shakespeare. Su obra maestra es La trágica
historia del doctor Fausto.
Escribió cuatro grandes obras de teatro, tres de las cuales se publicaron
póstumamente: la epopeya heroica Tamerlán el grande (1590), basada en el
personaje del conquistador mongol del siglo XIV; Eduardo II (1594), que fue
uno de los primeros dramas históricos de éxito del teatro inglés y sirvió
como modelo a Shakespeare para su Ricardo II y Ricardo III; La trágica
historia del doctor Fausto (c. 1604), una de las primeras dramatizaciones de la
leyenda fáustica; y la tragedia El judío de Malta (1633).
David Garrick (1717-1779)
Actor británico, gerente teatral y dramaturgo,
considerado uno de los mas grandes actores del teatro
británico.
Garrick estaba dotado por igual para la tragedia, la
comedia y la farsa. Rompió con el elaborado estilo
declamatorio francés, tan de moda en la época, y siguió la
fórmula más natural de entregarse al verso sugerida por
Shakespeare. Como gerente, incorporó la iluminación
escénica e introdujo telones de fondo pintados con
inspiración naturalista.
Aristófanes
El dramaturgo ateniense Aristófanes escribió comedias satíricas
que han mantenido su popularidad a través de los siglos. Fue autor
de más de 40 obras, de las que sólo se conservan 11. Representó sus
tres primeras obras bajo seudónimo. Una de ellas, Los acamenses
(425 a.C.), era un alegato para terminar la guerra con Esparta. Los
caballeros (424 a.C.), la primera de las obras de Aristófanes
representada con su nombre, es una devastadora sátira sobre el
político y militar ateniense Cleón, campeón de las fuerzas
democráticas y jefe del partido belicista. Las nubes (423 a.C.) es una
sátira sobre el filósofo griego Sócrates, cuyos penetrantes análisis
de los valores establecidos.
Eurípides (c. 480-406 a.C.),
Dramaturgo griego, el tercero junto con Esquilo y Sófocles
de los tres grandes poetas trágicos de Ática. Su obra,
enormemente popular en su época, ejerció una influencia
notable en el teatro romano. Posteriormente su influencia se
advierte en el teatro del renacimiento como en los
dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste
Racine.
Las obras de Eurípides comenzaron a representarse en los
festivales dramáticos de Ática durante el año 454 a.C., pero
hasta el año 442 a.C. el autor no obtuvo el primer premio.
Esta distinción, pese a su prolífico talento, no recayó sobre él
más que en cuatro ocasiones. Además de sus escritos se
interesó muy especialmente por la filosofía y la ciencia.
William Shakespeare (1564-1616),
Dramaturgo y poeta inglés. En 1589 escribió su
primera obra dramática, «Pericles», y dos años
después, «El rey Enrique VI». Su teatro no supuso una
innovación, pero sí la conclusión de los esbozos que ya
habían sido iniciados por anteriores autores; la
conclusión genial y definitiva de un tipo de
dramaturgia que apenas comenzaba a aflorar. La
mezcla de elementos cómicos y trágicos, la utilización
del verso blanco, la conjunción de la prosa y las formas
poéticas de una misma obra y tantos otros factores
literarios que escandalizaron a los espectadores de
incuestionable sabiduría artística e insuperable cultura
clásica, habían sido ya preludiados por autores como
Richard Edwardes. Pero Shakespeare fue quien los
perfecciónó y asumió en profundidad para darles un
sentido plenamente innovador, casi revoluciónario, e
indudablemente magistral.
Gran Teatro del Liceo de Barcelona,
teatro situado en Barcelona. El Gran Teatro del Liceo fue primero
un escenario convencional, inaugurado en 1845 con Fernando de
Antequera de Lope de Vega. La primera representación operística
tuvo lugar en 1860, con Ana Bolena de Gaetano Donizetti. Destruido
parcialmente por un incendio al año siguiente, no abrió de nuevo
sus puertas hasta 11 años después, con I Puritani de Vincenzo Bellini.
Otro incendio, acaecido el 31 de enero de 1994, asoló, esta vez por
completo, una de las mayores salas del mundo (3.600 localidades) y
un coliseo que mantuvo prácticamente en solitario la relación de
España con la lírica durante los años que permaneció cerrado el
Teatro Real de Madrid. La reinauguración del Liceo reconstruido
tuvo lugar el día 7 de octubre de 1999.
Teatro Real de Madrid,
teatro español situado en Madrid. El Teatro Real de Madrid,
construido según proyecto de Antonio López Aguado, se
inauguró en 1850, con La favorita de Gaetano Donizetti. Debido a
que amenazaba ruina, por estar construido sobre un arroyo
subterráneo, debió cerrar sus puertas en 1925, con La Bohème de
Giacomo Puccini. Durante la Guerra Civil española (1936-1939)
fue utilizado como arsenal. En 1966 fue reinaugurado como sala
de conciertos, destacando por su magnífica calidad acústica.
Cerró de nuevo en 1988, tras la construcción del Auditorio
Nacional de Música, para reacondicionarse como teatro de
ópera. La inauguración de la nueva sala, que presenta los
mayores adelantos técnicos, tuvo lugar el 11 de octubre de 1997
con El sombrero de tres picos y La vida breve de Manuel de Falla.
Teatro romano de Mérida, España
El teatro romano de Mérida es uno de los
más bellos y mejor conservados de
Europa. Fue construido por Agripa en el
siglo I a.C. con un aforo para 5.000
espectadores. Durante los meses de julio y
agosto se celebra en el teatro el Festival
Internacional de Teatro Clásico.
Teatro The Globe de Londres
El teatro The Globe, donde hace 400 años
presentó su obras al público el dramaturgo
William Shakespeare, fue reconstruido
respetando la estructura, los materiales y
la ubicación originales, en la orilla sur del
río Támesis, en Londres. El nuevo teatro
reabrió sus puertas en 1997, y desde
entonces todos los veranos ofrece
magníficos montajes de la obra de
Shakespeare.
Palacio de Bellas Artes (México),
obra proyectada inicialmente como Teatro Nacional
por el arquitecto italiano Adamo Boari. Comenzó a
construirse en 1904 pero tardó treinta años en
finalizarse ya que los trabajos se suspendieron en 1910
a causa de la Revolución y no volvieron a iniciarse hasta
1932. El edificio fue terminado en 1934 siguiendo el
proyecto de E. Mariscal, que incorporaba importantes
modificaciones del interior, al ampliar la sala y
modificar la función de varias dependencias. El cambio
más decisivo afectó a la función de todo el edificio que
de Teatro Nacional pasó a ser Palacio de Bellas Artes.
Teatro Teresa Carreño
Es un complejo del arte y la cultura situado en
Caracas, Venezuela- donde se realizan
presentaciones artísticas de envergadura, como:
conciertos sinfónicos y populares, óperas, ballet
clásico, danza, teatro y espectáculos diversos. Su
nombre proviene en honor a una majestuosa
pianista, cantante y compositora venezolana. Y en
este sentido, el teatro cuenta con dos prestigiosas
empresas que son el Coro de Ópera Teresa Carreño y
el Ballet Teresa Carreño.
Máscaras.
Las representaciones teatrales en la antigua Grecia
tenían un carácter semireligioso basado en un ritual
de máscaras. Las que usaban los actores eran de gran
tamaño, con rasgos convencionales y expresiones
exageradas. La enorme boca de la máscara contenía
un megáfono de latón que proyectaba la voz del actor
al público. Las máscaras podían ser trágicas y
cómicas, con sus respectivas variantes. En Roma, se
utilizaban en las comedias y en las pantomimas.
En los misterios y milagros de la Europa medieval se emplearon las
máscaras para representar dragones, monstruos, personajes alegóricos,
como los siete pecados capitales, e, inevitablemente, al demonio. El
actor que representaba a Dios lucía, con frecuencia, una máscara dorada.
Durante el renacimiento, las máscaras de media cara que cubrían los ojos
y la nariz, se emplearon en la Commedia dell’arte.
En Indonesia las máscaras se usan en representaciones de bailes rituales
populares y en obras teatrales sacadas de las de marionetas de sombras.
Los espectáculos tradicionales y las obras didácticas religiosas chinas
requieren máscaras que representen reyes, princesas y personajes
grotescos, y las obras de misterio del Tíbet muestran actores
enmascarados que representan demonios y otros espíritus.
¿Quién es el Autor de El perro del hortelano?
WILLIAM SHASPARE
LOPE DE LA VEGA
MIGUEL DE CERVANTES
Nombre de las salas del Teatro Teresa Carreño
Sala José Félix Ribas y Sala Ríos
Reyna
Sala simón Bolívar y Sala
José Ignacio Crabujas.
¿La opera nace en Italia en el siglo?
XV
XVIII
XIV
XVI
¿Quién escribió la comedia Las alegres comadres de Windsor?
Los hermanos Serafín
WILLIAM SHASPARE
Richard Steele
¿En que estado de Venezuela esta ubicado el teatro César
Rengifo?
Mérida
Distrito Capital
Carabobo
¿Para que dios eran los rituales hechos en Grecia
que dieron origen al teatro?
DIONISIO
ZEUS
APOLO
César Rengifo fue un autor venezolano que fue
considerado como uno de los autores más prolíficos del
país, su basta obra no sólo se limita a textos
dramáticos, sino también a poesías, ensayos, artículos
de opinión sin descontar su labor como pintor, el
objetivo de esta disertación es presentar a César
Rengifo como dramaturgo y en específico utilizar el
texto Los Canarios para hacer un análisis inductivo de
su obra dramática, es de aclarar que la intención no es
concluir con consideraciones contundentes, más bien,
se pretende abrir un abanico de posibilidades en el
estudio de la obra dramática del autor escogido.
La Sala José Félix Ribas, la cual fue pensada como una sala de conciertos
sinfónicos y de cámara. Fue inaugurado en el año 1976 y actualmente
también es nombrado como Sala del Nuevo Arte. En cuanto a su
estructura tiene forma semicircular de estilo griego; y cuenta una
capacidad para 440 personas.
La Sala Ríos Reyna, la cual lleva el nombre de un importante músico y
compositor venezolano, y quien estaba entre los propulsores del proyecto
de esta grandiosa edificación. Esta sala es la principal del teatro, sede de
la Orquesta Sinfónica de Venezuela y el escenario majestuosas
presentaciones clásicas de ópera, ballet y sinfonía. En cuanto a la
estructura, tiene una capacidad de 2,405 personas y posee un foso de
orquesta, cabinas de iluminación y un grandioso sistema de sonido y
video.
http://www.youtube.com/watch?v=9qbVdjYutMg
http://www.youtube.com/watch?v=BRpLexqbLu4
http://www.youtube.com/watch?v=JYV2ODKg6P8