Transcript 40-principales del 2º cuatrimestre

40 PRINCIPALES
La Figura Femenina
en el Arte
Trabajo realizado por: Manuel Daniel Díaz Muñiz
La mujer como objeto de representación artística (Introducción).
Desde el comienzo de la humanidad, la mujer ha sido representada primero por pintores, y más tarde
por fotógrafos, escultores, escritores o diseñadores. La mujer ha sido y continuará siendo creadora
de estilos propios y modas que han marcado y marcaran un tiempo.
Nunca podremos negar que el cuerpo de la mujer saca lo mejor del interior de cada artista,
sumiéndolos en un caos de color, sinuosas líneas y bellos versos que nos adentran en mundos
utópicos llenos de magia y de luz.
El número de obras cuya temática se centra en la representación de la mujer, especialmente a través
de temas religioso mitológicos, es sustancialmente, muy abundante.
La representación femenina más antigua parece estar asociada al concepto de supervivencia, a través
de la imagen de la fecundidad. Desde las “Venus” prehistóricas, hasta las mujeres de senos marcados
y vientres redondeados de las obras medievales, la acentuación de los rasgos femeninos siempre se
ha relacionado con la idea de la continuidad de la especie.
La figura femenina en el arte está también asociada al comportamiento moral, tanto como
representación de lo malo, del vicio, del pecado, como de imagen de la santidad.
Así, encontramos imágenes de la tentadora Eva, a quien incluso acompaña una serpiente que en
multitud de representaciones posee pechos de mujer; o también imágenes de los vicios personificados
en figuras femeninas. Pero las imágenes de la moral, las alegorías de las virtudes, o incluso la
representación de la Fe, poseen también rasgos de mujer, como figura alegórica o como representación
de santas mujeres.
A partir del Renacimiento, el desnudo femenino, dentro de las representaciones de carácter mitológico,
comienza a acentuar su carácter erótico. Sin embargo no se produce una desvinculación total hasta algo
más tarde, cuando el desnudo pase a ser eso, un desnudo, alejado de toda connotación mitológica.
Venus ya no es una diosa, sino que es una mujer que muestra su cuerpo, como ocurre, por ejemplo, en
la Maja desnuda de Goya. Con las vanguardias, el desnudo femenino, más allá de la simple idea de la
belleza, aparecerá más claramente asociado al erotismo y la sexualidad, con obras claramente
sugerentes, abandonando poco a poco la inocencia para llegar a una provocación directa y sin trabas,
relacionándose también con los cambios sociales en los que la mujer adquiere mayor libertad social,
comenzando por sí misma y por su propio cuerpo.
La vanguardia prestará mucha atención a la figura femenina. Sus curvas, sus formas, se convierten en
objeto de estudio. El modelo femenino se convierte en recurrente a la hora de practicar las artes,
incluso más allá de cualquier connotación. La sensualidad, los volúmenes, su movimiento y sus
contrastes de luz y sombra, convierten la figura femenina en un objeto artístico perfecto. La vanguardia
ya no se preocupa, como en otros momentos, de lograr la belleza o el deleite sosegado con la obra de
arte, sino que pretende enseñar a mirar el mundo con nuevos ojos.
Lista de pintores
Jan Van Eyck
Andrea Mantegna
Piero Della Francesca
Botticelli
Leonardo da Vinci
Raphael
Caravaggio
Peter Paul Rubens
Francisco de Zurbaran
Rembrant
Murillo
Jaques Luis David
Gerard David
Degas
Miguel Ángel
Monet
Tintoretto
El Greco
Toulouse Lautrec
Van Gohg
Nota: La Gioconda de Leonardo da Vinci y la Cabeza de Medusa de Caravaggio las
analizaré de forma más exhaustiva a continuación. El resto de las obras de los
pintores seguirán el orden establecido que se puede ver aquí.
La Gioconda
Obra maestra realizada en óleo sobre tabla con unas medidas
de 77 X 53 cm. Se sitúa temporalmente en los años 1503,
1506. Pertenece a la época del renacimiento italiano. Este
retrato se encuentra en el Museé du Louvre, en París, en un
estado de conservación muy bueno.
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA
Descripción: la mujer retratada es Madonna Lisa, la esposa de
Francesco del Giocondo, de donde también toma su
sobrenombre. Aunque algunos críticos han afirmado que
podría ser un auto-retrato del autor con apariencia de mujer.
El paisaje de fondo es agreste, salvaje y de un matizado tono
azul.
En esta obra se ven reflejadas todas las características de
pintura de Leonardo: el empleo del sfumato (la técnica de
difuminar suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los
contornos).
Colores: ocre quemado para sombras oscuras, albayalde y
amarillo sulfuroso para los colores carne.
Leonardo da Vinci
ANÁLISIS FORMAL
La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una
composición triangular) y el paisaje.
La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que
todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco
marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles.
Utiliza colores ocre para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne.
Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para
marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina.
Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Progresa desde el fondo, se
concreta en la transparencia de los velos, en los pliegues del vestido, entre los cabellos, y resbala sobre
el rostro y las manos haciendo sentir bajo la piel diáfana, el pulso de la sangre.
RELACIÓN DE LA OBRA CON LA ÉPOCA HISTÓRICA
Las circunstancias
Francesco Giocondo encargó un retrato para su mujer. Lisa debía ser pintada y el cuadro debía ocupar
un lugar de honor en su casa, todos podrían ver cuánto amaba a su mujer y lo agradecido que estaba de
que le hubiera dado hijos.
Influencias posteriores
La Mona Lisa de Da Vinci una de las obras que más ha marcado en la historia del arte, tal vez por la
naturalidad y el detallismo con el que es pintada o por el misterio de su mirada, o quizás por su
enigmática sonrisa. Es una obra digna de admiración, lo que no es de extrañar ya que fue pintada por
un genio.
ESTILO AL QUE PERTENECE
Renacimiento s XVI "Cinquecento". Es un siglo en el que la pintura vive una notable evolución, la
figura del hombre será el núcleo de este movimiento.
El dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha
importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra).
En el paisaje se recurre a los fondos nublados, con rocas, a los crepúsculos, etc.
La composición normalmente es triangular.
Todas estas características se encuentran en La Gioconda.
Leonardo Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en
1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y el que más
contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no
dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente.
La Mona Lisa, que cuando fue retratada tenía 24 años, está sentada en una silla con el brazo derecho
descansando sobre el apoyabrazos. Su postura es recta y erguida, transmite sensación de equilibrio.
Viste ropa discreta, el pliegue de sus ropas está muy trabajado, y no lleva joyas, para que la atención
del espectador no se desvíe hacia ellas y se centre exclusivamente en su belleza y en su enigmática
sonrisa.
Leonardo no pretende retratarla únicamente de una manera superficial, sino que quiere que emerjan sus
sentimientos y su alma, y lo consigue. Sus ojos y su sonrisa irradian vida, felicidad y misterio. Estos
dos rasgos son donde mejor se refleja el alma, por eso Leonardo no pintaba los retratos de perfil, y sí de
frente.
Otro de los objetivos logrados por Da Vinci es la naturalidad de la obra. El brillo de sus ojos, la
"transparencia" de su piel por la que parece que fluya la sangre, la minuciosidad por la que es pintado
su pelo, la manera tan detallada de tratar su rostro; un claro reflejo de lo natural. Y la involucración de
su figura con el paisaje, y el juego de luces y sombras que marcan la lejanía y la proximidad del paisaje
(sfumato).
ESTILÍSTICA
Parece, por estas indicaciones, que la figura representada es Lisa Gherardini, casada con Francesco Bartolomeo del
Giocondo, que nacida en 1479, concuerda con la edad de la representada en 1503, cuando Leonardo inicia la obra.
Podemos clasificar esta obra como el retrato más famoso de toda la historia de la pintura.
El paisaje, en continuo movimiento se conforma mediante ríos que fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas,
juegos de luces y vibraciones de colores. Nada hay permanente, todo se trasmuta y se funde, en una visión de paisaje
irreal, esencia de la naturaleza. La belleza estriba en ese continuo ser y no ser, hacerse y deshacerse; la mujer en
comunión con la naturaleza se integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo.
En la obra no importa sólo la grandiosidad de la imagen, lograda por la perfecta definición del modelado, sino la
plasmación de esa belleza ideal, tan buscada e investigada por Leonardo. La fusión entre el sentimiento del ser humano
y la naturaleza es el reflejo de esa belleza, que se manifiesta en el perfecto equilibrio y armonía del rostro de la figura y
en su sonrisa enigmática.
ANÁLISIS SIGNIFICATIVO
La obra representa un retrato, pero no sólo eso, sino que es el reflejo de la genial personalidad de Leonardo,
absolutamente única e individual, espejo de su afinadísimo sentido analítico, su sabiduría, su genio y sus inalcanzables
sueños. La grandeza y la serenidad que la obra trasmite procede, no tanto de la posición social del personaje o de la
manifestación de ésta, sino de su profundidad anímica, de su propia intimidad psicológica que parece modelar su
presencia física que, al mismo tiempo, se desintegra en la naturaleza envolvente, sin que por ello pierda su propia
identidad.
Como obra independiente ha tenido su propia historia, sin parangón con ninguna otra obra de arte.
Desde la insistencia en pintarla desnuda, basándose en unos supuestos bocetos sobre el cuadro realizados por
Leonardo, hasta la explicación de la supuesta afección asmática del personaje, provocadora de su comentada sonrisa,
pasando por la duda sobre el sexo del personaje representado.
Un robo sufrido en 1911, consagra su ya altísima fama, al interesar a novelistas, compositores de cuplés, humoristas,
etc.
En 1918 es utilizada como imagen de propaganda política, en la tarjeta de La Gioconda Kaiser, a la que seguirán otras
muchas, como la Gioconda-Stalin.
También se ha incluido el tema leonardesco en el lenguaje popular, sirviendo de reclamo publicitario para todo tipo de
objetos, sufriendo para ello descomposiciones y recomposiciones e incluso deformaciones.
Los artistas contemporáneos han utilizado su imagen en innumerables ocasiones, incluyéndola en sus propias obras.
Cabeza de Medusa
Obra de 1600 -1601 Actualmente se
encuentra en la Galería de los Uffizi. Mide
60 X 55cm, y fue creada en óleo sobre
lienzo. Su estilo data del barroco italiano.
Se trata de un tondo donde queda retratada
una mujer con pelos de serpiente.
La expresión de la mujer refleja el asombro
de ver como sus pelos se convierten en
serpiente.
El tenebrismo está aplicado con gran
maestría, y queda claro en la parte derecha
del pelo de la mujer, un magnifico juego de
luces dejándonos entrever las serpientes.
Es un cuadro que Caravaggio pintó por encargo de su mecenas y que formaba un lote para un
regalo. Pintura sobre un escudo circular, de motivo fuerte, simbólico. La cabeza de la medusa
gorgona, decapitada por Perseo. Llena de serpientes a modo de cabellera. Escudo que pasó a la
heráldica, de carácter militar y mitológico. Pintura sorprendente por su efecto. Es copia exacta de
lo visible, ojos desorbitados, gesto extremado de dolor.
Para explicar esta obra he utilizado el mito de Perseo y un pequeño comentario personal sobre el
mito, pero antes he descrito la vida de Caravaggio y su estilo personal. Ambas cosas ayudaran a
entender mejor esta obra y por ello las describo a continuación.
Caravaggio
CARAVAGGIO
Caravaggio transmite la pintura, se convierte en un fenómeno mundial, creador del tenebrismo y del
claroscurismo. Con frecuencia en su pintura aparecen efectos de violencia con una intensidad desconocida
hasta ahora. El claroscuro aparece cuando la intensidad de la iluminación produce un efecto de contrastes.
La luz produce efectos singulares en la pintura. Al igual que Bernini revoluciona la escultura, Caravaggio
revoluciona la pintura.
El tenebrismo no sólo expresa tinieblas y oscuridad, contempla también los contextos violentos y
dramáticos. La realidad es un concepto ambiguo, las cosas tienen una apariencia, una representación (no
presencia) de los objetos. El color sugiere la rotundidad de las formas, contornos y perfiles, es un efecto de
la existencia de la luz. Si no hay luz no hay color. Caravaggio utiliza la luz como un agente plástico de
categoría.
Después del renacimiento, el manierismo expresa la subjetividad, el movimiento de formas. Antaño al
artista le encargaban las obras tanto la iglesia, las familias acomodadas, las unidades de elite, etc.; obras
predeterminadas, con motivos predeterminados y a instancias de quien hacía el encargo; ese era el sistema
de mercado existente para el artista hasta el siglo XIX, a partir de entonces el artista crea obras bajo su
iniciativa para venderlas posteriormente a un posible comprador, sin destino previo, sin previo encargo en
la mayoría de las ocasiones.
La Reforma Protestante rechazó las obras de arte de imágenes. Incluso el clero cuestionaba las imágenes en
sus recintos e iglesias, habían imágenes que no eran bien consideradas a pesar de tratarse de obras de arte,
claro ejemplo el de la Virgen de Collolungo, (la Virgen del cuello largo) obra de extrema delicadeza del
parmesanismo clásico manierista, representada por una hermosa mujer y muy bien vestida.
En este momento aparece Caravaggio, de apelativos múltiples y contradictorios, de carácter
patológico, se le imputan relaciones homosexuales, fue motivo de seguimiento por la policía de
Roma, continuos incidentes, personalidad trastocada.
El fenómeno Caravaggio llega a toda Europa, fue un fenómeno comparado al del cubismo en el siglo
XX. Varios pintores españoles, entre ellos Velázquez y Ribera El Españoleto, estuvieron influidos por
su técnica: Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla son dos claros ejemplos del claroscuro
utilizado por Caravaggio, donde aparecen violentos contrastes de luz.
La realidad y la naturaleza son conceptos cambiantes para el artista; lo tangible y lo no tangible
también lo expresan los artistas; las palabras, los sueños, y el subconsciente también pueden ser
expresados en el arte.
Caravaggio utilizaba modelos de la realidad para plasmarlos en los personajes que representaba.
Entra en esa revolución conceptual, incluso hoy es de actualidad, lo azarosa de su vida y su obra.
Nació en 1.571, (cuando la batalla de Lepanto), en Caravaggio, ciudad al sur de Bérgamo, de donde
toma el apodo. Su nombre real era Michelangelo Merisi. Se forma en Milán, es pintor del norte de
Italia, su formación y tradición en este entorno varía de la de Roma, Florencia, etc., (Leonardo da
Vinci, era de Milán). El norte de Italia, la Lombardía, es la parte más entroncada con la Europa
central (Flandes, Alemania, etc.)
Entre 1.592 y 1.593, Caravaggio se traslada a Roma, y en 1.595 se produce un hecho fundamental:
la vinculación a la casa del cardenal Francesco María del Monte, su primer mecenas importante, el
comitente ó patrocinador que le encargaba sus pinturas. En este período pinta cuadros relacionados
con la música (el cardenal del Monte, era gran aficionado a la música y daba conciertos en su
mansión, propiciaba esta actividad, que él la supo aprovechar con inteligencia adoptando esta forma
de pintura)
El arte de Caravaggio interesa a muchas clases sociales. Muere en 1.610 de malaria, próximo a ésta
fecha, en 1.609, muere también Annibale Carracci, importante artista de la época.
Varios cardenales de la iglesia fueron protectores de Caravaggio.
Sus pinturas admiten diversas interpretaciones, Pintor de dotes técnicas extraordinarias, colorista
excepcional, personalidad arrolladora. No se debe tratar a este pintor en un sentido solamente.
Caravaggio es colorista abigarrado, de una variedad cromática encantadora, apenas utiliza
elementos de segundo plano, nada que nos distraiga del objetivo principal.
El caravaggismo es un fenómeno de fondo. La figura de Caravaggio es incopiable. Ribera
(español formado en Italia) lo comprendió perfectamente y se identificó con él.
Fueron características propias de Caravaggio:
-El tenebrismo, el claroscuro
-La introducción de personajes de la actualidad en sus obras, incluidos los de baja escala social,
marginales y ancianos, que presentaba con toda su crudeza. Caravaggio pintaba del natural.
EL MITO DE PERSEO.
Perseo era hijo de una mujer mortal, Dánae, y del gran dios Zeus, el rey de cielo. El padre de Dánae, el
rey Acrisio, había sabido por un oráculo que algún día su nieto lo mataría y, aterrorizado, apresó a su
hija y expulsó a todos sus pretendientes. Pero Zeus era un dios y quería a su hija Dánae. Entró en la
prisión disfrazado de aguacero de lluvia de oro, y el resultado de su unión fue Perseo. Al descubrir
Acrisio que, a pesar de sus precauciones, tenía un nieto, metió a Dánae y a su hijo en un arcón de
madera y lo arrojó al mar, esperando que se ahogaran.
Pero Zeus envió vientos suaves para que empujaran a madre e hijo a través del mar hasta la orilla. El
arcón llegó a tierra en una isla donde lo encontró un pescador. El rey que gobernaba en la isla recibió a
Dánae y a Perseo y les ofreció refugio. Perseo creció allí fuerte y valiente, y cuando su madre se sintió
incómoda por las insinuaciones que no deseaba del rey, el joven aceptó el desafío que lanzó este
molesto pretendiente. El desafío consistía en traerle la cabeza de la Medusa Gorgona.
Perseo no aceptó esta peligrosa misión porque deseara adquirir gloria personal, sino porque amaba a
su madre y estaba dispuesto a arriesgar su vida para protegerla.
La Medusa Gorgona era tan horrorosa que sólo con mirarle a la cara con vertía en piedra al
observador. Perseo necesitaba la ayuda de los dioses para vencerla; y Zeus, su padre, se aseguró de
que le ofrecieran esa asistencia. Hades, el rey del inframundo, le prestó un casco que hacía invisible al
portador; Hermes, el Mensajero divino, lo proveyó de sandalias aladas, y Atenea le dio la espada y un
escudo especial pulido con tanto brillo que servía como espejo. Con este escudo, Perseo pudo ver el
reflejo de Medusa, y de ese modo le cortó la cabeza sin mirar directamente a su horrible rostro.
Con esta cabeza monstruosa, convenientemente oculta en una bolsa, volvió para casa. Durante el viaje
vio a una doncella hermosa encadenada a una roca que había en la playa, esperando la muerte a manos
de un terrible monstruo marino. Supo que se llamaba Andrómeda y que la estaban sacrificando al
monstruo porque su madre había ofendido a los dioses.
Conmovido por su situación y por su hermosura, Perseo se enamoró de ella y la liberó, convirtiendo
al monstruo en piedra con la cabeza de la Medusa Gorgona. Después, regresó con Andrómeda para
presentársela a su madre que, en su ausencia, se había sentido muy atormentada por las insinuaciones
del malvado rey, hasta el punto que, desesperada, tuvo que buscar refugio en el templo de Atenea.
Una vez más, Perseo sostuvo en el aire la cabeza de la Medusa, convirtiendo en piedras a todos los
enemigos de su madre. Después le entregó la cabeza a Atenea, que la montó en su escudo, con lo que
en adelante se convirtió en su emblema. También devolvió los otros dones a los dioses que se los
habían dado.
Andrómeda y él vivieron en paz y armonía desde entonces y tuvieron muchos hijos. Su único pesar
fue que, cierto día, mientras tomaban parte en unos juegos atléticos, lanzó un disco que llegó
demasiado lejos impulsado por una ráfaga de viento, y accidentalmente golpeó y mató a un anciano.
Este hombre era Acrisio, el abuelo de Perseo. Al final, de esta forma se cumplió el oráculo que el
difunto anciano tanto se había esforzado por evitar. Pero en Perseo no había ningún espíritu de rencor
ni de venganza y, debido a esta muerte accidental, no quiso seguir gobernando su legítimo reino. En
con secuencia, intercambió los reinos con su vecino, el rey Argos, y construyó para sí una ciudad
poderosa, Micenas, en la que vivió largo tiempo con su familia en amor y honor.
COMENTARIO PERSONAL SOBRE EL MITO.
La historia de Perseo es un relato de amor y de coraje en la batalla contra el odio y el temor, y refleja
el modo en que lo divino está presente en toda su progenie.
La lucha y el sacrificio que requieren el obrar apropiado conducen al cese del conflicto y a la
creación de una persona superior. Pero el héroe no persigue esta búsqueda conscientemente. Muy
pocos jóvenes son verdaderamente conscientes de la necesidad de ser consciente y de obrar
apropiadamente, de andar el camino espiritual; de lo que normalmente se dan cuenta es de la
necesidad de hacer mejor las cosas.
Perseo comienza por salvar a su propia madre; sin embargo, acaba haciendo mucho más de lo que se
había propuesto originalmente. La historia de Perseo comienza, con temor. Acrisio teme que se
cumpla la profecía del oráculo e intenta deshacerse de su hija y del pequeño nieto. El argumento del
viejo que teme al joven nos es familiar en el mito, y Acrisio encarna la actitud negativa que el ser
humano viejo puede tener hacia el joven. El nombre de Perseo, que significa “destructor”, describe
su papel como asesino de la Medusa; pero Acrisio ve la destrucción únicamente en relación consigo
mismo. En esta historia, el dios Zeus juega el papel de padre bondadoso que ampara a su hijo,
guiando y protegiendo invisible mente a madre e hijo para que sus vidas no corran en realidad
peligro.
Zeus ama a Dánae y ella ama y quiere a su hijo, a pesar del mal carácter de su propio padre. Perseo
responde al amor de Dánae, al amor de su madre, arriesgando con gusto la vida por ella. Cuando su
madre está desesperada por la persecución agresiva del rey, Perseo decide dejar el hogar y derrotar
a cualquier monstruo que amenace su seguridad. Se ve impelido hacia el mundo, más por el deseo
de proteger a alguien que es muy preciado para él que por buscar el significado de la vida. Aunque
los dioses le ayudan, utiliza esa ayuda sabia y modestamente. Es ingenioso y valiente al acabar con
la Medusa y, cuando se enamora, es indómito al defender a su amada de los enemigos. Aunque
abandona a su madre, se apoya en su relación positiva con ella para realizar hechos valerosos, a
diferencia de otros héroes, que rompieron sus lazos con el hogar de forma abrupta con el fin de
encontrarse a sí mismos.
Perseo es siempre decente y caballeroso. Perseo es una imagen de algo que hay en nuestro interior y
que puede alcanzar metas sin hacer que sufran los que no tienen culpa. Castiga sólo a los que
merecen castigo y siempre honra y respeta a los dioses. Devuelve sus dones, porque sabe que es
mortal y no tiene ningún derecho a exigir atributos divinos. Ya al final de la historia se comporta
con sensibilidad, renunciando a su reino de pleno derecho, a causa de la desgraciada muerte de su
abuelo. Es capaz de perdonar a Acrisio por su odio corrosivo y no se siente obligado a buscar
venganza. Quizá por eso viva mucho tiempo y felizmente con su madre, su esposa y sus hijos, que
es algo poco usual en el mito griego.
Jan Van Eyck
Pintor flamenco nacido en 1390 hasta 1441. Se considera un extraordinario
miniaturista, representa la figura humana con un especial estudio, son una
tremenda monumentalidad.
Se sitúa en un estilo muy natural, donde lo bello significa minuciosidad,
precisión en el trazo, colores llamativos, naturales y un alto simbolismo en cada
detalle de la pintura.
Así mismo no debemos olvidarnos de la tridimensionalidad de los espacios, el
uso de la perspectiva de una forma que antes nunca se uso.
Algunas de sus obras mas destacadas son Margarita Van Eyck, Matrimonio
Arnolfini, La virgen del canciller Rodin, La virgen en la iglesia. Berlín, El hombre
del turbante rojo, o Jan de Leeuw.
Margarita Van Eyck
La virgen en la iglesia, Berlín
Matrimonio Arnolfini
Margarita Van Eyck
Pintura flamenca fechada en 1439. Se encuentra en el
museo Groninge de Brujas. Tiene unas medidas de
32,6 X 25,8cm. Se trata de un óleo sobre tabla.
Margarita fue pintada cuando contaba 33 años, una
edad bastante madura para la época. Su rostro posee
ya los rasgos de la vejez. No es una mujer hermosa,
pero el pintor la retrata con amabilidad y su rostro
traduce inteligencia, voluntad y eficacia. En su retrato
podemos apreciar la última moda femenina para los
Países Bajos: frente rapada para darle mayor amplitud,
y una toca en forma de cuernos.
Buen ejemplo del naturalismo de las imágenes de la
pintura flamenca, donde lo mas bello es lo más real, es
este caso Van Eyck saca un excelente partido al rostro
de su esposa y a los paños que esta lleva, observando
un magnifico claroscuro.
Van Eyck
La Virgen de la Iglesia
Pintura flamenca de 1425. Se encuentra en Staatliche
Museen Berlin. Es un óleo sobre tabla de unas dimensiones
de 31 X 14cm.
Es una de las obras más famosas de Van Eyck por lo
impactante de la imagen. Lo que más impresiona es la
combinación de la figura femenina, de la Virgen, con la
arquitectura gótica de la iglesia donde está encerrada. La
desproporción es evidente: la cabeza de la Virgen alcanza la
galería del triforio en el arranque de las bóvedas. Se trata de
identificar la efigie monumental de María con la bellísima
arquitectura gótica. Esta identificación se basa en que María es
el templo que alberga a Dios cuando se hizo hombre, y en
muchas pinturas de Van Eyck, María sustituye al altar en las
iglesias. La arquitectura de la iglesia está completamente llena
de alusiones a María: el trascoro, al fondo, está adornado con
relieves sobre la vida de María, como la Anunciación, la Virgen
con el Niño, etc. Esta imagen se suele ofrecer como
contraposición a la pintura renacentista de la misma época, en
la que priman la proporción y la perspectiva. Aquí, en cambio, la
perspectiva de la arquitectura es correcta aunque se transforma
la realidad para obedecer al propósito de identificar a María con
Iglesia.
Van Eyck
Matrimonio Arnolfini
Pintura flamenca de 1434. Actualmente se encuentra
en el National Gallery de Londres. Se trata de una
pintura de óleo sobre tabla de roble con unas
dimensiones de 82 X 60cm.
Es una de las obras más simbólicas del autor, y la mujer
hace un papel muy importante en este momento, ya que
nos la encontramos embarazada como simboliza el color
verde de su traje, y contrayendo matrimonio. La pintura
inmortaliza el momento que que el señor Arnolfini
introduce a su futura esposa en un nivel social superior
al de su cuna.
Si hablamos de la simbología podemos destacar los
zapatos que en posición hacia el exterior nos
representan el trabajo del hombre en la calle, el perro
simboliza la fidelidad, el rojo de la cama la pasión de los
recién casado, encontramos una vela encendida en la
lámpara que nos simboliza el matrimonio.
Se trata de uno de los cuadros más reconocidos del
autor y la mujer representada adquiere en él una gran
importancia.
Van Eyck
Andrea Mantegna
Andrea Mantegna fue un gran pintor del cuatroccento italiano. Desde pequeño mostró
gran habilidad para la pintura, y durante los primeros años en Italia, forjó su estilo a
base de influencias de otros artistas, hasta el momento en que realiza el San
Sebastián, explotando su fama en toda Italia.
La figura humana será una de sus devociones, grandes escorzos perfectamente
proporcionados y una gran expresividad hacen que las pinturas de Mantegna sean
reconocidas fácilmente.
Sus obras más destacadas son, Cristo en el monte de los olivos, Cámara de los novio,
la Virgen con el niño, Cristo muerto, Madonna de la catedral, La Virgen con el niño y
santos o Epifania.
La virgen con el niño
La virgen con el niño y santos
Madonna con niño Jesús
La virgen con niño
Se trata de una pintura del Quatroccento italiano, de
1490,con unas dimensiones de 43X31 cm. contemplamos
obra reproducida en tempera sobre madera.
Las pequeñas tablas con la Virgen con el Niño tienen un
contenido devocional, encargadas por clientes particulares
para decorar sus palacios. Los artistas del Quatroccento
variarán en la representación de esta temática,
recurriendo Mantegna a figuras recortadas sobre un fondo
neutro. La perspectiva viene dada por las piernas del Niño
creando distintos planos para organizar la profundidad.
Los rostros estereotipados de la Virgen y el Niño no
coinciden con el naturalismo de la Madonna, arcaísmo
posiblemente motivado por la exigencia del cliente.
Andrea Mantegna
La virgen con niño y santos
Obra pictórica del renacimiento
italiano. Calculamos que la obra fue
creada
entre
1495/1499.
Actualmente pertenece a una
colección privada.
Se elaboro con témpera sobre
madera.
La sintonía entre Mantegna y su cuñado Giovanni Bellini en los últimos años del
Quatroccento es significativa, a su alrededor encontramos diversos santos perfectamente
ubicados en el espacio, dotados cada uno de una monumentalidad tipica del maestro. El
colorido se ha hecho muy vivo, abundan los rojos, reforzado por el empleo de una luz clara y
un cielo azulado como fondo. El punto de vista bajo que aporta grandiosidad a los personajes
es un recurso muy apreciado por Mantegna que se repite a lo largo de su carrera.
Andrea Mantegna
Madonna con niño Jesús
Obra pictórica del Renacimiento italiano. Mantegna
elaboró esta obra sobre madera usando pintura de
temple.
Obra del renacimiento italiano donde vemos como la mano
de Mantegna traza con sutileza la figura de la Madonna,
que con pose solemne aguanta a su hijo sobre sus rodillas.
Nos encontramos una estampa llena de colores vivos como
los rojos y los azules, que son acompañados por los
dorados de los adornos de la escena y las túnicas de los
angelitos que rodean a la virgen.
Andrea Mantegna
Piero Della Francesca
Nacido en Italia hacia 1416 hasta 1491, tuvo un gran conocimiento de la pintura
florentina debido a la influencia que recivio durante los años que pasó allí.
Tras realizar varios frescos, Piero Della Francesca comienza a trabajar en el coro de
San Francisco de Arezzo donde dejó uno de sus mejores legados, un magnífico ciclo
sobre la Vera Cruz.
Algunas de sus obras más famosas son Bautismo de Cristo, Madonna de parto, la
Flagelación de Cristo, la Magdalena o Sacra conversacion.
Madonna del parto
La Magdalena
Natividad
Madonna de parto
Pintura el fresco de 1455 con unas dimensiones
de 260X 203 cm. Fue pintada para decorar la
iglesia de Santa María de Momentana.
Usó los colores de primera elección entre los
cuales destaca una notable cantidad de precioso
azul ultramar obtenido por el lapisazulí.
El fresco estaba destinado a la pared del fondo del
altar mayor de la antigua iglesia de Santa María de
Momentana en Silvis, localidad rural en las laderas
de la colina de Monterchi. La iglesia sufrió una
completa destrucción en el año 1785 como
consecuencia de un terremoto, quedando sólo en
pie el muro y su fresco, milagrosamente intacto se
convirtió en un lugar de peregrinación regular para
las mujeres a punto de parir.
Piero della Francesca
La Magdalena
Obra de 1460. Con unas medidas de 190X 105 cm. Se
encuentra actualmente en la catedral de San Donato.
La figura de la Magdalena se encuentra insertada en una
arcada decorada con motivos vegetales de la nave izquierda
de la iglesia; la referencia a su persona viene dado por la
mano izquierda, que tiene un vasito de cristal para ungüentos,
que, según el Evangelio, sirvieron para limpiar los pies de
Jesucristo. En este objeto de cristal se acentúa el juego de
los efectos de la refracción de la luz.
Tal cuadro representa la fase de madurez del pintor Piero
della Francesca, donde se reúnen el uso de colores
luminosos para amplias superficies, la minuciosidad y el uso
siempre muy conveniente de la luz.
Piero della Francesca
Natividad
Obra
realizada
entre
1460-1475.
Actualmente se encuentra en el National
Gallery de Londres. Fue realizada en
temple sobre tabla y tiene unas medidas
de 124 X 123 cm.
Una composición equilibrada y con ritmos
fijo de figuras. Se compone de tres
grupos, por un lado y en primer plano la
virgen con el niño, en segundo termino y
a su derecha, un grupo de mujeres
cantándole al niño, y por último en tercer
plano los pastores con José.
Los colores usados dan gran perspectiva
a la obra, ya que todo lo relacionado con
el tercer término se encuentra en ocre,
los del segundo término en tonos azules
apagados y la Virgen con el niño, en
azules intensos, acercándonosla más al
espectador.
Piero della Francesca
Botticelli
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, (1444-1510),
es uno de los más prolíferos pintores del renacimiento cuatrocentista.
Desde pequeño fue aprendiz de grandes maestros, y a esto se debe que sus
cuadros comiencen siendo pinturas contorneadas y débiles contrastes, a una
pintura viva, con agilidad de movimientos y de colores, y fuertes atisbos de
religiosidad.
Algunas de sus obras más importantes son Virgen, niño y ángel, Virgen del libro,
Anunciación, El nacimiento de Venus, La primavera.
Virgen, niño y ángel
Virgen del libro
Anunciación
Virgen. Niño y ángel
Pintura realizada en temple sobre tabla, durante
los años 1465 y 1467. Se nos presenta en una
dimensiones de 87X 60 cm.
Es posible que esta pintura un tanto sorprendente
de la Virgen se produjera mientras Botticelli estaba
trabajando en el taller de su maestro, Filippo Lippi.
La inspiración inicial para la pintura vino de la
famosa Madonna de este.
Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura
arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo
y enfatiza las dos figuras principales como el centro
de la escena devocional.
María se sienta en un escabel, del que se muestra
un brazo ornamentado y un almohada con botones.
Botticelli
Virgen del libro
Pintura realizada en temple sobre tabla, en los años
1482, 1482. Se trata de una pintura de 58X 39 cm.
Es una obra extremadamente suave y bella, en la
que María y el Niño están sentados en la esquina
de una habitación, enfrente de una ventana.
Se ven algunas palabras, mostrando que se trata
de un “libro de horas”.
Las manos de la madre y del hijo tienen la misma
actitud: la derecha abierta en un gesto parecido al
de la bendición, y la izquierda cerrada.
El Niño mira a su madre mientras ésta, seria, no se
sabe si mira al hijo o está absorta en la lectura del
libro abierto sobre el que descansa su mano.
Botticelli
Anunciación
Obra realizada en temple sobre
tabla, en el año 1490, con unas
dimensiones de 49 X 58,5 cm.
Su datación no es segura; la mayor
parte de la crónica la considera
juvenil, al apreciar ciertos elementos
que recuerdan a Verrochio.
Sobre la parte posterior de la tabla hay una nota que señala que provenía de la iglesia
florentina de San Bernardo.
Se logra el ambiente por la sucesión de las columnas y de los cuadros del suelo, que sirven
también para evidenciar el esquema perspectivo. Esta solemne arquitectura domina a las
figuras.
Botticelli
Leonardo da Vinci
Es uno de los más importantes artistas del renacimiento, destaca por su pintura, su
escultura, su arquitectura, fue inventor, teórico, matemático, y un prototipo de hombre
renacentista.
Italiano de nacimiento, (1452-1519), desde muy pequeño ,mostró una gran habilidad
para las artes, durante su juventud ya tenía su propio taller, y recibía grandes
encargos. A pesar de ser un prodigio desde sus comienzos, nunca dejó de estudiar, y
así lo delata la evolución de sus obras, sus teorías y sus estudios de anatomía.
Sus obras más destacadas son La Gioconda, La última cena, La virgen de la roca,
Hombre de Vitruvio o la Virgen, el niño Jesús y Santa Ana.
La Gioconda(Obra analizada)
La Virgen de las rocas
La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana
La Virgen de las rocas
Pintura realizada en óleo sobre lienzo, durante los
años 1483, 1486, con unas dimensiones de 199 X
122cm.
La Virgen está sentada en el suelo de una espelunca
o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se
divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la
Toscana ni a las más famosas cumbres de los
Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador,
en el que las figuras se agrupan formando una
pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas
que caen y aguas que se arremolinan.
Leonardo da Vinci
La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana
Obra realizada en óleo sobre tabla, con unas
dimensiones de 168 X 130. Su datación la sitúa
en los años 1510, 1513.
Se trata de una composición triangular donde
Santa Ana en el último término aguanta en sus
rodillas a María que se agacha para coger al niño
que se encuentra en el primer termino jugando
con un animalito.
El fondo de esta composición está algo influido
por la Virgen de las rocas, ya que en el fondo
vemos escarpadas montañas que crean un
tremendo espacio.
El esfumato cada vez está más mejorado y la
técnica es un prodigio para la pintura.
Leonardo da Vinci
Raphael Sanccio
Nación en Italia (1483-1520), fue un renacentista prodigioso en la pintura y en la
arquitectura, con gran influencia florentina, muestra una gran calidad en sus figuras.
Desde su juventud gran parte de sus obras eran diseñadas por él, pero ejecutadas
por su taller.
Su primera obra de la que poseemos una documentación cierta, es de el Retablo de
Barona.
Fue muy influenciado por el arte florentino, respetando la evolución del suyo propio.
Perfeccionó la técnica del esfumato creada por Leonardo da Vinci.
Las composiciones de Raphael son consideradas verdaderas joyas, siendo un
referente para la formación académica.
Podríamos nombrar como algunas de sus obras más destacadas, La formarina,
retrato de Baltasar Ramenghi, Madonna de Granduca, retrato del Cardenal, la
Fornarina o la ninfa Galatea.
Madonna sixtina
Madonna de Granduca
La Fornarina
Madonna sixtina
Esta obra está realizada en óleo sobre lienzo con
unas medidas de 265 X 196cm. La datamos de
1513, 1514.
Se trata de una composición triangular, donde la
virgen de pié en el último plano pero como
protagonista de la escena y con su hijo Jesús en
brazos, camina hacia delante pasando por unas
cortinas de tela que cierran la escena.
En el plano se encuadran seis personajes, dos
agelotes, San Sixto, Santa Barbara, La Virgen y el
niño, flotando sobre nubes que nos sitúa la escena
en un limbo celestial.
Raphael
Madonna del Granduca
Imagen que actualmente se encuentra en el Palacio
Pitti. Creada en el año 1505. Se realizó en óleo
sobre tabla en unas dimensiones de 84 X 55.
Nos encontramos con una composición centrada y
vertical. La Virgen María se encuentra de pie con su
hijo en brazos. La pose y al actitud de su cara nos
hace suponer que estuviese enseñando a su hijo.
Las dos figuras se encuentran con aureolas, signos
de divinidad.
Los colores que lleva la Virgen, son símbolos de
fidelidad y pasión.
Una característica que podemos destacar de
particular de la obra, es el color dorado de los
cabellos de los dos personajes, que nos hacen
verlos un poco más angelicales.
Raphael
La Fornarina
Obra realizada en temple sobre tabla con unas
medidas de 85X 60 cm. Es datada sobre los años
1518, 1519.
Se trata de un retrato de lo que se considera la amante
de Raphael. Vemos a una joven medio desnuda, con la
piel tersa y exhibiendo libremente sus pechos. Nos mira
con ojos llenos de juventud, y con su mano izquierda nos
señala su punto de fuerza.
Se encuentra en lo que puede ser un jardín ya que de
fondo tenemos una multitud de plantas.
Compositívamente hablando, es una pintura centrada,
bien proporcionada y con mucha estaticidad, donde los
colores no predominan ni destacan unos sobre otros.
Raphael
Gerard David
Nació en Oudewater en 1460, y en 1523 fallece en Brujas. Fue pintor flamenco
dentro de un estilo gótico.
Destaca por su brillante color.
Formó parte del gremio de pintores de su ciudad natal, lo que le dió una gran
influencia por parte de compañeros de gremio.
Su obra tiene un carácter naturalista y volumétrico dentro de la planicie, alargamiento
y simplicidad de las figuras dentro del estilo gótico.
Algunas de sus obras que podríamos destacar son Transfiguración, Descanso de la
Virgen en la huida de Egipto, retablo del Bautismo de Cristo, La Virgen con el niño
dándole papilla, Descendimiento de la cruz o los Despropósitos de Santa Catalina.
Descanso de la Virgen en la huida de Egipto
La Virgen con el niño dándole papilla
Los despropósitos de Santa Catalina
Descanso en la huida de Egipto
Se trata de una imagen realizada en la
primera década de 1500, a unas
dimensiones de 45 X 44,5cm. Se uso la
técnica del óleo sobre tabla.
Vemos como en la figura de la Virgen, ésta
aparece vestida con un traje azul
representativo de la pureza y la fidelidad. Se
encuentra sentada sosteniendo en sus
piernas a su hijo, mientras que en segundo
plano su marido, José, se encarga de
recolectar comida. Se ve un principio de ese
arte flamenco lleno de profundidad que el
autor irá puliendo con la experiencia.
Gerard David
La Virgen con el niño dándole la papilla
Óleo sobre tabla de la primera década de 1500. Con
unas dimensiones de 35 X 29cm.
En esta obra Gerard David nos muestra como la
virgen da de comer a su hijo con actitud relajada y
amable, mientras que el niño juega con la cuchara
que sostiene en la mano. Esa influencia flamenca
que arrastra Gerard David se ve en la perspectiva
de lo muebles del fondo, en el paisaje que se
observa por la ventana y por supuesto en la
delicadeza y naturalidad con que trata las figuras.
La Virgen aparece, como en casi todos sus cuadros,
de azul, esta vez más oscuro, pero igualmente
símbolo de pureza.
Gerard David
Los despropósitos de Santa Catalina
Pintura realizada alrededor de 1507, en
óleo sobre lienzo, con unas dimensiones
de 104 x 144cm.
En este caso el cuadro que presentamos
es algo más complejo, pero igualmente
con la Virgen como protagonista de la
escena, una Virgen que sostiene a su hijo
en sus piernas mientras que acerca su
mano a la figura de su derecha. En este
caso la escena tiene una perspectiva dada
por las líneas de la solería del suelo y el
fondo de la imagen. Como volvemos a ver,
Gerard David opta de nuevo por el color
azul para el traje de la Virgen.
Gerard David
Miguel Ángel
Es uno de los más grandes artistas tanto en pintura como en escultura y en
arquitectura.
Nace en Caprese 1475 y muere en Roma en 1564.
Se caracteriza por la perfección.
Sentía predilección por las escultura y la pintura, su obra pictórica más relevante
es la pintura de la Capilla Sixtina.
Sus obras se caracterizan por el naturalismo perfeccionado, cuidadosos estudios
previos y una gran precisión en el dibujo.
Algunas de sus obras más destacadas son Vista de Florencia, La familia
Sagrada, Retrato de Lorenzo el magnifico, Creación de Eva, El papa Julio II, o
Madonna de Manchester.
La Sagrada Familia
Creación de Eva
Madonna de Manchester
La familia sagrada
Pintura renacentista de 1504, realizada en
óleo sobre madera. Se trata de un tondo de
120cm de diámetro. Actualmente se encuentra
en la galería Uffizi.
El tondo se compone por tres figuras
principales, la virgen, el niño y José. Se sitúan
en el centro de la imagen debido al formato
redondo del soporte.
La virgen viste en colores suaves como son el
azul para la parte inferior y rosa para la parte
superior.
La
escena
se
desarrolla
posiblemente en el limbo, debido a las figuras
que vemos en el fondo.
Se trata de una composición muy equilibrada
pero a la vez muy ágil y dinámica, ya que el
instante que estamos viendo, el niño, pasa de
las manos de su padre a las de su madre,
mientras esta se retuerce para cogerlo con
cariño.
Miguel Ángel
Creación de Eva
Obra que realiza el artista en los años
1509, 1510. Se trata de un fresco de la
capilla Sixtina.
En la escena vemos como nace la mujer
del costado del hombre, como Dios le
indica que se levante, y como Eva, nace
y vive de Adán.
Los cuerpos desnudos están tratados con
gran maestría y las cuervas de estos
crean unos estudiados claroscuros que
dan gran vida a la obra.
Miguel Ángel
Madonna de Manchester
Se trata de una obra de óleo sobre tabla de 1497, de
unas dimensiones de 105 x 76cm.
En este caso la escena nos muestra la Virgen
rodeada de angelotes y querubines que en un campo
leen entretenidamente.
Los ropajes de los personajes son de un rosa
brillante pero a la vez celestial.
La obra se compone con todos los personajes en la
derecha de ésta y mientras que la Virgen se nos
presenta sentada, los demás se mantienen de pie
entretenidos.
Miguel Ángel
Tintoretto
Último gran pintor del renacimiento italiano, nativo de Venecia 1518, 1594.
Se considera un precursor del arte barroco por su fuerza en la pincelada, la
dramática perspectiva y los especiales efectos de luz.
Sus trabajos más famosos son relacionados con la vida de la Virgen y de Cristo.
Algunas de sus obras más reconocidas son Marcos iliberando al exclavo, Cristo en
el lago tiberiades, Susana y los viejos, la ultima cena, Venus Vulcano y Marte, o
Baco y Ariadna.
Susana y los viejos
Baco y Ariadna
Venus, Vulcano y Marte
Susana y los viejos
Obra de óleo sobre lienzo, de 155, de unas
dimensiones de 147 x 194 cm. Actualmente
se encuentra en el Museo del prado.
Es una obra algo dramática, en la que
vemos como Susana se desnuda y
mantiene una posición insinuante al
mirarse al espejo, un anciano asoma la
cabeza tras los matorrales para observarla.
La composición de la escena es
equilibrada, a la derecha tenemos a
Susana y a la izquierda al anciano.
Quedando todo dentro de una misma
atmósfera debido a los colores usados por
el artista, donde vemos un toque de
tenebrismo y altos contrastes de luz.
Tintoretto
Baco y Ariadna
Cuadro de 1576, realizado en óleo sobre
lienzo de 60 x 50.
Se trata de una pintura con unos tonos muy
sutíles, donde los contrastes son reducidos
pero bien colocados.
Nos atrae la limpieza de los cuerpos que
parecen de inspiración griega.
Se nos presenta una composición bastante
dinámica en la que los cuerpos se retuercen
para llegar a su destino, en la que cada
movimiento tiene un comienzo y un
desenlace.
La luz es uno de los factores más llamativos
de la obra, y como incide en el torso de Baco
nos envuelve y nos involucra plenamente en
la obra.
Tintoretto
Venus, Vulcano y Marte
Óleo sobre madera realizada en el
año 1550 en unas dimensiones de
197 x 140.
Obra en la que la posición
escorzada de los personajes, la luz
y la sombra nos hacen verla como
dramática e intima, a la vez que
desafiante y trágica.
Se compone de cuatro personaje, Venus, Vulcano, Marte y el niño. Es una
composición rectangular partida en dos diagonalmente, en la que en un lado se ve
Venus sola llena de luz y vida, y el otro, la penumbra de la habitación, donde cada
personaje tiene un papel definido.
Tintoretto
EL Greco
De procedencia griega, nace en 1541 y muere en 1614, fue pintor de finales del
renacimiento lo que le llevó a desarrollar sus obras hacia un estilo muy personal.
Tuvo influencias de tres focos muy distintos, por un lado fue influido por la cultura
bizantina, del estilo renacentista obtuvo la formación del óleo, por último gracias a
Miguel Ángel fue influenciado por el manierismo.
Algunas de sus obras más destacadas son La Curación del ciego, Anunciación, Giulio
Clovio, la Coronación de la Virgen, Trinidad, El Entierro del Conde Orgaz o Virgen
con niño, Santa Marina y Santa Inés.
Anunciación
La Coronación de la Virgen
La Virgen con el niño, Santa Marina y Santa Inés
Anunciación
Temple sobre lienzo de 1560, 1565. Con unas
medidas de 37 x 23,8, se encuentra hoy en día
en la galería Estense.
Se trata de una pintura equilibrada debido a la
distribución de los personajes, a la derecha el
ángel anunciador, ya a la izquierda la Virgen
asombrada por la aparición de ese misterioso
ser. La virgen se mantiene arrodillada mientras el
ángel le da su mensaje.
Los colores rojos, dorados y naranjas, destacan
en la escena sobre los azules del fondo, dándole
un gran toque de profundidad.
El Greco
La coronación de la Virgen
Pintura realizada en óleo sobre lienzo, con
unas medidas de 105 x 80cm. De estilo
manierista, el tenebrismo y los haces de
luz, son un gran recurso usado en esta
obra.
Vemos una composición partida en dos,
por un lado en las nubes una composición
equilibrada y rectangular, donde se corona
a la Virgen a dos manos. En la parte
inferior, el pueblo admira la coronación de
la Virgen.
Los rostros de los personajes dan un gran
dramatismo y emoción a la escena que se
hace mas real con ellos.
El Greco
La Virgen con el niño, Santa Marina y Santa Inés
Una obra de 1597, de óleo sobre lienzo de 193 x 103
cm. Actualmente se encuentra en The National Gallery
de Londres.
Es una obra casi recargada de personajes que se
mueven, hablan e interactúan entre ellos. La escena
se compone en dos partes, la primera en la que la
Virgen en un nivel superior, acunada por las nubes y
protegida por los angelotes acuna a su niño, y un
segundo plano en la parte inferior, donde Santa
Marina y Santa Inés se entretienen entre ellas
mientras aguantan dos animales.
Los rojos azules y dorados son los clores
predominantes de la escena, adelantándonos las tres
fíguras principales y dejando al resto en un segundo
plano ficticio.
El Greco
Caravaggio
Pintor italiano nacido en Milán en 1571, murió en Porto Erde en 1960.
Está considerado el primer pintor exponente de la pintura barroca.
Se podría decir que era un pinto religioso. Su naturalismos en las pinturas, su
acentuado tenebrismo y el excepcional uso de la luz, lo hace único en retratos.
Podemos mencionar como algunas obras suyas importantes, Adoración de los
pastores, Amorcillo durmiente, Anunciación, Baco, Cabeza de medusa o
Buenaventura.
Anunciación
Cabeza de Medusa(Obra analizada).
Buenaventura
Anunciación
Obra realizada por Caravaggio en 1609.
Actualmente se encuentra en el Museo de Nancy.
Con unas medidas de 285 X 205 en un lienzo con
la técnica del óleo.
Con un estilo tenebrista y una excelente técnica
de dibujo, Caravaggio crea una composición
diagonal, muy estática y donde la luz es la
principal característica del cuadro.
La Virgen mira al suelo mientras que se le
aparece el ángel y le dice que va ser concebida.
Las telas de la Virgen de color azul nos simboliza
su pureza. Nos la encontramos en actitud oyente
y protectora con las manos cruzadas en el pecho,
la cabeza baja y arrodillada ante el místico
personaje que se le aparece.
Caravaggio
Buenaventura
Buenaventura en una obra de Caravaggio,
de 1596-1597, creada con unas medidas
de 99 X 131cm, en óleo sobre tabla. Se
encuentra en el Museo Nacional del
Louvre.
Se trata de una obra compuesta por dos
personajes y un fondo neutro. Los dos
personajes se encuentran en los tercios del
cuadro, haciéndolo a este equilibrado y
estático.
Nos muestra como la mujer lee la mano al
hombre mientras se miran a los ojos. La
pose del hombre, relajada, nos inspira
confianza, y la cara de la mujer nos
propicia pensar que le sonríe con ironía.
El tenebrismo en este cuadro esta usado
en los cuerpos de los personajes, pero
vemos un magnifico tratamiento de la luz
en sus caras y el fondo de la estancia.
Caravaggio
Peter Paul Rubens
De nacionalidad flamenca, Rubens nace en Siegen en 1577 y muere en Amberes en
1640.
Se trata de uno de los más grandes artistas del panorama barroco y del arte en
general al tener unas grandes dotes artísticas, un buen conocimiento humanístico, el
don del latín y conocimiento de varias lenguas modernas, y una especial habilidad
para la diplomacia.
Sus comienzos fueron paisajísticos, pero rápidamente encamina su pintura hacia la
figura humana y hacia un buen estudio del cuerpo.
Algunas de sus obras más reconocidas, son Adán y Eva, Albert y Nicolás Rubens,
Andrómeda y Perseo, Apoteosis de Jacob I o Archiduquesa Isabel.
Adan y Eva
Andromeda y Perseo
Archuiduquesa Isabel
Adán y Eva
Adán y Eva es una obra de Rubens de
1598, 1600. Se encuentra en la Casa de
Rubens. Con unas medidas de 180,3 X
158,8 cm, está creado en óleo sobre tabla.
Unas curvas suaves dan a los cuerpos el
movimiento que necesitan para reflejar la
acción que realizan. Se trata de un estudio
de anatomía y de luz, donde Rubens refleja
sus conocimientos de arte y de
humanismo.
La composición equilibrada tiene una gran
profundidad otorgada por el paisaje que se
abre tras ellos y nos meten en un bosque
amplio y armonioso.
Peter Paul Rubens
Andrómeda y Perseo
La podemos encontrar actualmente en el Museo
del Prado. Fue realizada en 1638-1640 en unas
dimensiones de 265 x 160 cm, en óleo sobre
tabla.
Un cuadro con bastante dramatismo en los
cuerpos, donde vemos un pequeño forcejeo entre
Andrómeda y Perseo. Los colores usados para
ésta composición tan dinámica, son el negro,
marrones y el rojo de los ropajes de Perseo, que
destacan por encima de todos los demás. El
juego de luces del cuerpo de la mujer, es la
contraposición de la oscuridad del caballero.
Peter Paul Rubens
Archiduquesa Isabel
Pintura de 1609, del Kunsthistoriches Museun.
Con una medidas de 105 X 74 cm, está realizada
en óleo sobre tabla.
Rubens refleja el carácter de la archiduquesa con
un gran peinado y unas bellas vestiduras. Los
colores elegidos son rojos y dorados, dando aún
más prestigio a la dama retratada.
El excepcional conocimiento del cuerpo humano
que Rubens poseía, le permitía reflejar las
expresiones faciales con mucha fidelidad, y
sumando el magnifico uso de la luz, nos
encontramos con cuadros tan extraordinarios
como este.
Peter Paul Rubens
Francisco de Zurbarán
Nace en Extremadura (España) en 1598 y en 1664, muere en Madrid.
Pertenece al siglo de oro español.
Fue un genio precoz, destacando por su pintura religiosa en la que vemos una gran
fuerza visual y un profundo misticismo.
A lo largo de su evolución artística, cada vez fue acercándose más al estilo
manierista de Italia.
Nombrando algunas obras conocidas, destacamos Adoración de los magos,
Anunciación, Beato Cirilo, Inmaculada o San Antelmo.
Anunciación
Inmaculada
Santa Dorotea
Anunciación
Obra de 1650, actualmente situado en el
museo de Bellas Artes de Filadelfia. Tiene
unas medidas de 223 X 310. Realizada en
óleo sobre lienzo.
Vemos como con una composición simple
relajada y con poco movimiento, Zurbarán
nos refleja el momento que el ángel anuncia
a María el nacimiento de un hijo suyo.
Los colores elegidos para esta imagen son
los
rojos,
azules
y
verdes,
que
armónicamente se mezclan con los ocres y
dorados del fondo.
Francisco de Zurbarán
Inmaculada
De 1661, Inmaculada se encuentra en el museo
de Bellas Artes de Budapest. Con unas medidas
de 136 x 102 cm, fue realizada en óleo sobre
lienzo.
Una composición equilibrada y centrada, son
tonos pasteles, un reconocido claroscuro y un
manierismo ya bien arraigado en su estilo, esta
obra muestra el claro misticismo del que se
caracteriza.
Se nos presenta a María Inmaculada flotando
entre nubes sobre cinco cabezas de querubines
que amablemente la llevan.
Francisco de Zurbarán
Santa Dorotea
Santa Dorotea es un pintura de 1641-1658 que la
podemos contemplar en el Museo de Bellas Artes de
Sevilla. Con una medidas de 172 x 102 cm, está
realizada en óleo sobre lienzo.
Se nos presenta un magnífico estudio de pliegues y
luces, así como de composición y color. La vemos
vestida de rosa adornada con un pañuelo amarillo que
envuelve su cuerpo. Lleva en sus manos un plato de
frutas que reflejan la misma calidad de luz que los
ropajes.
Francisco de Zurbarán
Rembrant
Pintor del Barroco Holandés, nace en Leiden en 1606, y muere en Amsterdan en
1664.
Pertenece a una familia de clase media, lo que le permitió dedicarse al estudio del
arte. Comenzó siendo inspirado por el estilo y las pinturas de Caravaggio.
A medida que su pintura se afianza más, su estilo sale del barroquismo para
encaminarse por un gusto por el detalle y el color, una pintura más relacionada con la
mentalidad protestante.
Destacaremos como obras conocidas, Adoración de los pastores, Anciana con 83
años, El baño de Diana, El sacrificio de Isaac, Florida o Señora con perro.
Florida
El baño de Diana
Señora con perrito
Florida
Pintura de 1635 realizada en óleo sobre
lienzo en unas medidas de 123,7 X 97,5
cm. actualmente la podemos encontrar en
el National Gallery de Londres.
Vemos como el tenebrismo todavía
deslumbran en los cuadros de Rembrant,
un fantástico juegos de luces y una
magnifica interpretación del color, hacen
resaltar cada pliegue de las ropas, así como
del rostro de la diosa, y de las flores que
tienes en sus manos.
Los colores dorados son los que el artista
eligió para la interpretación de esta obra.
Rembrant
El baño de Diana
Obra de 1634 situada en el Museo
Wasserburg. Con una medida de 73,5 X 93,5
cm. fue realizada en óleo sobre lienzo.
Rembrant nos presenta una imagen en la que
vemos como un grupo de mujeres se asean
junto con Diana. El tenebrismo sigue siendo
aún un buen aliado para sus pinturas, cosa
que refleja en la oscuridad de los paisaje,
pero es magnifico el juego de luces que hace
en todos los cuerpos de las mujeres.
Es una composición muy dinámica, en
constante movimiento y las sutiles líneas de
cada cuerpo así lo reflejan.
Rembrant
Señora con perrito
Una obra realizada en óleo sobre lienzo con
unas medidas de 81 x 64 cm. fue realizada
en 1662 y actualmente se encuentra en la
Galería de Arte de Toronto.
Se nos presenta a una mujer vestida con
traje rojo y sujetando a su pequeño perro.
La actitud de esta señora es serenada y
paciente. Es el típico retrato que daba un
poco más de nivel social a la familia, ya que
se muestran las mejores vestiduras y las
mejores joyas.
Se trata de un retrato estático y equilibrado,
donde el tenebrismo es un factor a
destacar, ya que perdemos el fondo y el
juego de luces es apagado en algunos
puntos.
Rembrant
Murillo
Bartolomé Esteban Murillo es quizás el mejor pintor que define la estética del
Barroco.
Nace en Sevilla en 1617 y muere en la misma ciudad en 1682.
Tuvo desde pequeño el don de la suerte y a pesar de que padre muriese cuando el
era aún muy pequeño, logró salir adelante sin muchas dificultades, convirtiéndose en
uno de los pintores más prolíferos de la zona de Sevilla combatiendo con la crisis que
reinaba por esos tiempos.
Algunas de sus obras más destacadas, Niños comiendo melón y uvas, Inmaculada
Concepción, Niños de la concha, Magdalena Penitente, Tres muchachos o Virgen del
Rosario.
Inmaculada concepción
Magdalena penitente
Virgen del Rosario
Inmaculada concepción
Pintura de 1650. Mide 436 x 292 cm.
Actualmente se encuentra en el Museo de
Bellas Artes de Sevilla y está realizada en
óleo sobre lienzo.
Murillo representa a la Inmaculada
concepción flotando entre nubes y elevada
por angelotes. En el estilo de Murillo,
predomina el naturalismo de las figuras y la
delicadezas de curvas y contraste.
Los colores usados son aterciopelados en
los ropajes de la Virgen y dorados para el
fondo. Podemos destacar el dinamismo de
la escena que a pesar de no ser algo
dramático, es continuo y delicado.
Murillo
Magdalena penitente
Obra de Murillo del barroco español, de 16501655. Actualmente la podemos contemplar en
el National Gallery de Dublín. Se realizó en
óleo sobre lienzo y con unas dimensiones de
152 X 104 cm.
El tenebrismo empleado en esta obra es
excepcional. El fondo lo perdemos por
completo, y el juego de luces y sombras de la
tela que María Magdalena sostiene entre sus
manos es extraordinario.
Nos encontramos a María en posición de rezo
o ruego hacia algo divino que mira con gran
expectación, reflejado en su cara y en la
delicadeza en que Murillo trata a la figura.
Murillo
Virgen del Rosario
Cuadro de 1650-1655, se encuentra en El
Prado. Se trata de una pintura realizada en óleo
sobre lienzo, y tiene una medidas de 164 X 110
cm.
En una composición equilibrada y centrada,
Murillo nos muestra a la Virgen del Rosario
sentada con su hijo en sus piernas de pie. Hay
un gran tenebrismo en el fondo que nos queda
oculto totalmente. Las ropas que la Virgen lleva,
son de colores azules y rojos intensos,
destacando la luz que incide sobre los rostros
de los dos personajes.
Estos dos personajes los vemos con caras
pasivas, sin intención de realizar ninguna
acción, casi posando.
Murillo
Jaques Louis David
Nació en París en 1748, se considera el creador del neoclasicismo francés.
Se inició desde muy pequeño en la pintura y a una temprana edad ingresó en la
academia de París
Sus influencias se basan en Rafael y en el tenebrismo de Caravaggio, dándole un
toque personal que enseñó en su escuela.
Madame Recarmier
Condesa de Daru
Madame de Seriziat
Madame Recarmier
Obra de 1800, realizada en
óleo sobre lienzo, se encuentra
en el Museo del Louvre, con
unas medidas de 175 X 244
cm.
Vemos
como
Madame
Recarmier posa recostada
sobre un diván, con las piernas
estiradas
y
mirando
al
espectador.
Tanto los colores usados, los
dorados, como los muebles de
época que vemos dan a la
escena un nivel social acorde
con el personaje que se
representa.
Es una composición estática y
sin movimiento.
Jaques Louis David
Condesa de Daru
Realizada en 1810, actualmente se encuentra en la
Colección Frick de Nueva York. Se usó la técnica
de óleo sobre lienzo con unas medidas de 81 X 65
cm.
Es un retrato de pose, donde la condesa nos mira
con semblante sereno. Es una composición muy
estática y equilibrada. Los tonos de piel rosados y
el traje de seda le da a la pintura el nivel social que
se merece.
El juego del luces usado para dar volumen a las
telas puede ser el aspecto más destacable de este
cuadro, ya que es inevitable fijarse como la tela se
arruga y como causa pequeños destellos de luz
que dan la sensación de volumen irreal tan
buscada en algunos momentos de la historia.
Jaques Louis David
Madame de Seriziat
Obra de 1795, realizada en óleo sobre lienzo que
podemos encontrarla en El museo del Louvre de
París. Tiene unas medidas de 131 X 96 cm.
Se trata de un retrato de la Madame de Seriziat con
su hijo. Los dos están posando, mirando al
espectador, creando así una composición estática y
equilibrada.
Los ropajes elegidos para esta pintura son simples
pero muy bellos y armónicos, permitiendo al pintor
sacar el mejor partido a las luces y a las sombras de
cada pliegue de los vestidos.
Podemos destacar el gran tocado de la cabeza de la
Madame, de verdes apagados muy al estilo de la
obra, y el ramo de flores que sostiene en sus manos,
que le dan un toque de elegancia.
Jaques Louis David
Degas
Pintor parisino de 1834, se conoció por si particular visión del mundo del
valet.
Su carrera comienza en el Louvre realizando copias. A medida que avanzó,
sus obras fueron creciendo en estudio y en admiración, a pesar de ello,
Degas se aisló de la sociedad y se destino a morir sólo en 1917.
A pesar de ello, las influencias renacentistas y japonesas hacen que sus
obras tengan un aire romántico y entrañable.
Algunas de sus obras son por ejemplo, jóvenes espartanas, bailarinas en el
estudio, carrera de caballos, bailarinas arreglándose, la orquesta de la
ópera o joven desnudándose.
Bailarina en el estudio
Bailarinas arreglándose
Joven desnudándose
Bailarinas en el estudio
Realizada en 1872, pertenece a una colección
particular. Está realizada en sanguina con
unas medidas de 27,3 X 21.
Vemos una magnifica interpretación de colores
y líneas, donde una bailarina se encuentra de
espaldas a nosotros, la composición se vuelve
ágil y dinámica, y los colores pastel que se le
otorgan, simpatizan perfectamente con el
momento delicado que vivimos.
La composición equilibrada, está compuesta
por la bailarina que se sitúa a nuestra derecha,
y un fondo limpio a la izquierda, que a pesar
de estar limpio, tiene un gran peso visual.
Degas
Bailarinas arreglándose
Dibujo realizado a pastel en 1899.
Actualmente se encentra en el Museun
of Art de Toledo con unas medidas de
27,3 X 21.
Se trata de un dibujo con mucha agilidad
y dinamismo, ya que las bailarinas están
casi en escorzo por los movimientos que
tienen que hacer para arreglarse para
salir al escenario.
Los colores usados por Degas para esta
escena, tanta pasión y dramatismo, y el
magnífico juego de luces, nos hace
introducirnos en la obra.
Degas
Joven desnudándose
Obra de 1887-189 actualmente
situado en el Museo de Artes de
Philadelphia. Está realizado en
pastes, en un tamaño de 55,5X75,5.
Los trazos de Degas hacen que la
mujer que representa se llene de
vitalidad y dinamismo, al estar en el
momento exacto de levantarse para
terminar de desnudarse.
Los ocres y los verdes pálidos que
se han usado dan un toque intimista
a la escena, algo sutil y natural.
Degas
Monet
Pintor francés de 1840. Muere en Gieny en 1926.
Sus primeras obras tienen una clara influencia de Jaques Louis David ya que estudió
con uno de sus discípulos.
Comenzó haciendo caricaturas, cosa que le dió cierta fama. En sus obras, la luz está
marcada por un estilo al aire libre, lo que dió también gran soltura a la hora de dibujar y
le permitió reflejar aspectos de la vida muy dispares tales como a borrachos.
Algunas de sus obras que podemos destacar, son Camille, Japonesa, La urraca,
Mujeres con sombrilla, La lisense o Mujeres en el jardín.
Japonesa
Mujeres con sombrilla
Mujeres en el jardín
Japonesa
Pintura de 1875. Se encuentra en el museo de
Boston. Mide 231 X 142. Es una obra pintada en
óleo sobre lienzo de estilo impresionista.
Monet nos presenta a una mujer vestida con un
kimono japonés, reflejo de la clara influencia que
esa sociedad causa en la nuestra.
La minuciosidad con la que está tratado el traje, es
espectacular, el juego de luces y sombras nos
hacen un reflejo de iconicidad con la que Monet
trataba sus trabajos.
Es una composición equilibrada y muy dinámica,
acentuado por el rojo del traje que llama
especialmente la atención.
Monet
Mujer con sombrilla
Obra de 1886, actualmente se encuentra en el
Museo de Orsay. Tiene unas medidas de 131,1 X
88 y fue realizada en óleo sobre lienzo.
Se trata de una pintura en la que la luz y el color
son los principales predominantes. Es una
composición equilibrada y con un dinamismo
mínimo, ya que el único movimiento que se
presencia en la escena es el del traje movido por la
brisa.
Los colores tono pastel y el trazo imperceptible,
hace de estos cuadros algo único.
Monet
Mujeres en el jardín
Pintura de 1866 de unas medidas de 255 X
205. Fue realizada en óleo sobre lienzo y
pertenece al estilo impresionista.
Se destaca del cuadro el uso de la luz como
principal protagonista y como guía dentro de la
escena. Vemos a cuatro mujeres que se
divierten en un jardín, cogen flores o
simplemente disfruta del paisaje.
Vemos un magnifico detalle en los pliegues de
las ropas, así como en la composición de los
árboles y la naturaleza.
Monet
Toulouse Lautrec
Celebre pintor nacido en 1864 en una familia acomodada, cosa que le permitió
dedicarse al estudio de la pintura desde pequeño.
Su desdichada vida fue lo que le hizo arrastrarse por la vida nocturna de París
y crear un estilo único de mujeres deformes, gordas y caricaturescas.
Los colores vivos y las líneas insinuantes hacen que los cuadros de Toulouse
Lautrec, cobren vida. Algunas obras que podemos destacar son, La inspección
médica, Justine Dieuhl, Suzane Valadon, La Gole entrando en el Moulin Rouge,
Baile en el Moulin Rouge o Crouching woman red hair.
Justin Dieuhl
Lagola entrando en el Moulin Rouge
Crouching woman red hair
Justine Dieuhl
Obra de 1891, realizada en óleo sobre lienzo, con
unas medidas de 74 x 58 centímetros. Se encuentra
en el Museo de Orsay.
Una media figura situada en el centro del cuadro, con
colores que dan gran profundidad a la escena, y que
aumenta con las gruesas líneas del dibujo.
Los tonos del traje azules crean un magnifico
contraste con los verdes del fondo.
Toulouse Lautrec
La Goule entrando en el Moulin Rouge
Es una obra de 1892 realizada en óleo sobre lienzo
de unas medidas de 79,4 X 59 centímetros y
actualmente se sitúa en el Moma de Nueva York.
Goule, una de las artistas principales del Moulin
Rouge, entra en el local, y es retratada en colores
cálidos, dando un aspecto de dignidad y nivel social.
El encuadre es uno de los aspectos a destacar, ya
que aparecen dos personajes creando una
composición equilibrada y con movimiento.
Toulouse Lautrec
Crouching woman red hair
Pintura realizada en óleo sobre lienzo,
con unas medidas de 47 X 60.
Actualmente se encuentra en el Museo
de San Diego.
Se trata de una pintura de composición
desequilibrada, de colores cálidos,
destacando el rojo de la cabellera de la
mujer.
La figura de esta esta tratada con
sutileza y el movimiento pausado de
ella, concuerda con los colores de la
obra.
Toulouse Lautrec
Van Gogh
Uno de los principales pintores del post-impresionismo. Nació en los Países Bajos en
1853 y murió en Francia en 1890.
Tuvo una infancia dura, pero logró salir adelante con el orgullo de considerarse
autodidacta.
Sus primeros tratos con el arte, fueron como marchante, lo que le influyó en sus
posteriores obras.
Sus primeros dibujos son muy realistas y con tonalidades oscuras, derivando en una
pintura oscura y con personajes casi deformados. Sus últimas pinturas, de inspiración
francesa, son coloristas e iluminadas al más puro estilo impresionista.
Algunas de sus obras, son los puentes de Langlois, Mujeres en el café de Tambouril,
Adeline, Arlesiana, Cráneo fumando un cigarrillo o Cabeza de campesina con cofia
blanca.
Adeline Ravoux
Arlesiana
Cabeza de Campesina con cofia blanca
Adeline
Creada en 1890, realizada en óleo sobre
lienzo y con un tamaño de 73,7 X 54,7, se
encuentra dentro del estilo neo-clasicismo.
Una pintura casi dibujo, pero que aun así es
un claro ejemplo de su estilo simple y
profundo. Nos muestra a una niña sentada
que vaga en sus pensamientos.
Los tonos celestes de la niña y los ocres de
su piel tienen poco volumen pero son las
líneas del dibujo las que nos hacen ver ese
volumen.
Van Gogh
Arlesiana
De 1888, se encuentra en el Metropolitan
Museun, con una medidas de 391,4 X
73,7, está realizada en óleo sobre lienzo.
Se trata de una pintura casi a tintas planas,
usando su característico trazado y
composición, nos muestra a una mujer que
mantiene la mirada perdida.
Los colores amarillos del fondo, causan un
claro contraste con los negros de los
ropajes de la mujer.
Se trata de una composición estática y
equilibrada.
Van Gogh
Campesina con cofia blanca
Fechada en 1885, tiene unas medidas de
38 X 80. Está realizada en óleo sobre
lienzo. Actualmente se encuentra perdido.
Vemos como Van Gogh es capaz de
captar la esencia de la mujer trabajadora
del campo, con las facciones duras del día
a día y la mirada a su vez llena de tristeza
e impotencia ante la vida que le ha tocado
vivir.
Los
colores
usados,
encajan
perfectamente con el tema, colores ocres
que uniformizan la imagen. La luz que se
centraliza en la cara de la campesina, nos
da una gran sensación de volumen.
Van Gogh
Lista de escultores
Fidias
Praxiteles
Escopas
Donatelloi
Juan de juni
Bernini
Alonso Cano
Auguste Rodin
Henry moore
Alexander Archipenhio
Fidias
Nacido en Atenas hacia 490 a.c, murió en Olimpia hacia 431 a.C.
Fue el más famoso de los escultores de la Grecia antigua, pertenece al primer clasicismo
griego.
Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la acrópolis de Atenas y la colosal
estatua de Zeus en Olimpia.
Atenea Lemnia
Artemis
Atenea Phartenos
Atenea Lemnia
Escultura griega de Fidias, realizada en el V a.C. Fue
construida para situarse en la acrópolis de Atenas.
Se trata de una escultura femenina donde se representa
a Ateneas con una pose digna y estable. En sus orígenes
la estatua sostenía una lanza y un escudo en sus manos,
pero el paso del tiempo destruyo esos dos elementos.
Unos de los aspectos a destacar de esta escultora es el
tratamiento de los pliegues de la túnica, como Fidias
capta y representa el movimiento caído de una túnica,
como cada pliegue tiene un movimiento diferente al
anterior.
Los escudos que Atenea lleva en su pecho tienen una
gran simbología.
Fidias
Artemis
Se trata de una escultura de triple con una
composición dinámica y equilibrada. Fue realizada
en el V aC. Seguramente en mármol. Artemisa, el
diablo y un ángel son las tres figuras que lo
componen
En ella vemos una figura femenina que observa
como la figura masculina le agarra por el brazo
mientras se retuerce para poder atraparla. Y sobre
sus cabezas, el ángel intenta retirar a la figura
masculina de la femenina.
El juego de luces que crean las tres figuras está
excelentemente estudiado, y podemos destacar el
hecho de que esta escultura esta realizada para su
visión por todos los puntos de vista posibles.
Fidias
Atenea Phartenos
Estatua del 447 a.C. De una altura de 13 m. Se encuentra
en Atenas. Fue diseñada para colocarse en la acrópolis de
Atenas, y ser la diosa que diese la bienvenida a los
llegados de fuera de la ciudad.
Es un trabajo monumental en tamaño y en precisión, ya
que para la realización de una estatua tan grande hace
falta una visión de ella, hace falta una visión especial y
espacial diferente de ella.
Vemos el tratado que da a las túnicas, el juego de luces y
sombras sigue siendo preciso y la relación de tamaños
perfectamente estudiado.
Fidias
Praxiteles
Nativo de Atenas, hijo de Cefisodote el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico del
siglo IV a.C.
Con la obra de Praxiteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una
especie de anticipado manierismo, al acentuar la sensualidad.
Sus obras están caracterizadas por la llamada Karis o gracia ática y la llamada curva
praxiteliana, consistente en un elegante contrapposto.
Venus
Venus
Afrodita
Venus
Se encuentra en el museo
Perteneciente al periodo clásico.
de
los
Uffizi.
Cabe destacar el clásico comtrapposto
Praxiteles que le da la elegante “S” invertida.
de
La delicadeza con la que trata el cuerpo y en
especial el femenino deja verse en el resultado final
de este. Como el pulido que se aplica a la piedra es
magnifico, el contorno de la figura delicado,
obteniendo una figura ágil y de movimiento sutil.
Praxiteles
Venus
Venus del periodo clásico, actualmente
encuentra en el museo de los Ángeles.
se
Volvemos a ver como la “S” invertida se crea
gracias al contrapposto que Praxiteles aplica a
todas sus figuras.
La delicadeza de formas y sutileza de contornos
son los hechos a destacar de estas figuras.
Como vemos, los paños tiene un toque
redondeado mucho más naturales que en obras
escultóricas antecesoras suyas.
Ahora los pliegues se entremeten, se arrugan y
sobresalen dando un gran juego de luces y
sombras, y un gran volumen.
Praxiteles
Afrodita
Afrodita del 350 a.C. Realizada por Praxiteles.
Se trata de una escultura femenina donde vemos como
el sutil contrapposto es un elemento a destacar, ya que
esa “S” praxiteliana, sutilmente creada, le da el toque
final para la creación.
Otro factor a destacar es el pulido y acabado final de
las obras, ya que son características fundamentales de
la obra de Praxíteles .
Es una obra muy estática y con poco movimiento, ya
que este lo crea solo la dirección de la cara de Afrodita
y el suave contrapposto.
Praxiteles
Escopas
Celebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV a.C.
Lisipo, Praxiteles y Escopas son los tres grandes escultores responsables de la segunda
fase del clasicismo.
Trabajó el mármol de las famosas canteras de su isla natal.
Escopas estuvo muy activo en el periodo de 395, 350 a.C. y trabajo casi exclusivamente
en Grecia.
Sus obras se parecen mucho en la composición, al estilo de Fidias, aunque parecen muy
rigurosas en la forma en la cual denotamos una influencia de Polícleto.
Menade danzante
Escultura femenina
Escultura femenina
Menade danzante
Escultura en mármol de Escopas del IV a.C.
Se trata de una composición muy desequilibrada y
con un movimiento exagerado, ya que la Menade se
retuerce mientras eleva sus brazos y gira sobre si
misma.
Su mirada nos dirige hacia el cielo, y sus
exagerados movimientos nos perturban al verla.
Como vemos el tratamiento de los paños y el de los
cabellos es algo mas pasional pero a al vez menos
académico.
La figura tiene una gran atracción visual a a pesar
de que idealización no sea tan extrema como la de
otros escultores.
Escopas
Escultura Femenina
Escultura femenina del IV a.C.
En esta escultura vemos como la mujer tapa
levemente sus pechos y con la mano izquierda
además de ocultar señala donde reside su
punto de poder.
Se trata de una escultura con un movimiento
leve y suave de composición estática y de un
acabado delicado.
La figura, mira al infinito, dejando que nuestros
pensamientos vuelen a la hora de descifrar el
mensaje de su presencia.
Escopas
Escultura Femenina
Escultura griega del IV a.C.
Se trata de una escultura femenina, al estilo de
Escopas, donde los detalles dejan de ser
idílicos para poco a poco convertirse en
realidades.
Vemos el busto de esta figura, que mira con
aire desenfadado hacia el infinito con una
posición solemne y firme.
El acabado de los cabellos es la característica
que podemos destacar, ya que son ondulación
que dan viveza a la figura.
Escopas
Donatello
Nació en Florencia en 1386 y murió en Ibiden en 1466.
Fue un famoso artista italiano de principios del renacimiento.
Junto con Leon Battista, Brunelleschi y Massacio, fue uno de los creadores del estilo.
Donatello destacó en una fuerza del estilo innovadora en el campo de la escultura
monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran
profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de sticciato, es
decir, relieve plano o aplastado.
María magadalena
Judith y holofemes
Virgen y niño
María magdalena
Obra realizada por Donatello en 1455. Actualmente se
encuentra en el museo de la Ópera del Douno. Fue
realizada en madera tallada dorada y policromada.
Vemos una representación de una María magdalena
corrompida por el dolor y por las lágrimas. En su
acabado refleja la pasión que sufre. Muestra unas
piernas temblorosas que están a punto de caer por el
agotamiento, unas manos que se unen pidiendo
clemencia.
Una composición muy desequilibrada y un sutil
movimiento nos da la sensación de que camina hacia
nosotros.
Donatello
Judith y Holofemes
Una composición dinámica y desequilibrada nos
hace extremecérnos al ver esta imagen. Realizada
en 1445 aprx. Está realizada en bronce y mide 236
cm. Se encuentra en el Palazzo Vecchio en
Florencia.
Vemos como Judith agarra un puñal con el que
pretende asesinar a Holofemes.
Nos encontramos en los últimos minutos de vida del
personaje y vemos como la sutileza con la que se
trataba a las figuras del renacimiento, también llega
a este momento tan culminante, donde la cara de
Judith es casi inexpresiva.
Donatello
Virgen y niño
Virgen y niño, de renacimiento realizado por
Donatello.
Se trata de una composición muy suave,
equilibrada y sin dinamismo ninguno, las
figuras aparecen estáticas y carentes de
durezas en sus rostros, ya que la escena que
representan es tierna y muy familiar.
Los
volúmenes
están
perfectamente
calculados, los sentimientos tiernos bien
expresados y lo paños que cubren a las
figuras delicadamente tratados.
Donatello
Juan de Juni
Francia 1506, Valladolid 1577.
Escultor franco español. Junto con Alonso Berruguete formo la gran escuela de la
escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de
treinta años que permaneció en Valladolid.
Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y
la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.
Piedad
Virgen de las Angustias
Santo entierro
Piedad
Obra maestra del escultor, de 1575,
donde refleja a la perfección el dolor de
los cuerpos.
En una composición casi triangular, muy
estática y poco dinámica pero con un
gran sentimiento, vemos como María
acoge en sus brazos a su hijo yacente,
mientras éste deja ver las heridas de sus
manos y de su costado.
El interés por reflejar el dolor, hace que
los rostros sean los elementos más
importantes de la obra, ya que en ellos se
condensa todo ese sufrimiento que en
esos momentos viven.
Juan de juni
Virgen de las angustias
Representación de la Virgen en el momento
en el que ve como matan a su hijo que se
encuentra crucificado.
El tratamiento de los rostros es a lo que más
importancia le da Juan de Juni en sus obras,
ya que estos son el reflejo de cada
sentimiento y de cada pena o alegría.
En este caso que plasmado perfectamente la
pena que sufre la Virgen al ver impotente
como su hijo es crucificado y muerto en la
cruz.
Asimismo destacar el especial cuidado que
pone en el tratamiento de los paños que
recubren a la virgen, que dan más énfasis si
cabe a ese dolor tan exteriorizado.
Juan de juni
Santo entierro
Obra
realizada
en
1539/ 1540. Con una
composición de varios
personajes, con gran
dinamismo
y
gran
equilibrio.
Actualmente
se
encuentra en el Museo
de Valladolid.
Esta obra fue realizada en madera policromada, y destacan las tres Marías que
lloran el cuerpo de Cristo, mientras que sus rostros reflejan un dolor infinito.
Los cuerpos se retuercen y mirar atónitos como su salvador ha muerto.
Juan de juni
Bernini
Nació en Napoles en 1598 y murió en Roma en noviembre de 1680.
Fue escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del barroco.
Las obras de Bernini revelaron desde un principio su enorme talento. En su primera fase
estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística,
en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.
Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó
numerosas obras.
Apolo y Dafne
Constatina
El éxtasis de Santa Teresa
Apolo y Dafne
Realizada en mármol, tiene fecha de 1621,
y mide unos 243 cm.
Actualmente se establece en la Galería
Baighose.
Es una composición dinámica
y
desequilibrada, donde vemos como Dafne
perseguida por Apolo se convierte en olvido
para evitar su rapto.
La sutileza a la hora de pulir los cuerpos, la
delicadeza con la que trata los paños y el
método usado para dar la sensación
vaporosa al suelo, hace de esta esculturas,
una obra prodigiosa.
Los juegos de luces que se producen dentro
de la escena están muy estudiados y los
movimientos de los cuerpos representan
fielmente el hecho que acontecemos.
Bernini
Constantina
Busto realizado por Bernini de la época del
renacimiento.
La suavidad de los cabellos y la finura de la cara,
son características de la época en el que fue
realizado. Una expresión de mirada al infinito hacen
ver que la mujer posaba para Bernini, por lo que
podemos deducir que pudiese ser un encargo de
una familia.
Posiblemente realizada en mármol, Bernini es capaz
de realizar una auténtico retrato de la persona que
tiene frente a sí.
Bernini
El éxtasis de Santa Teresa
Realizada en 1647, se sitúa en la iglesia de
Santa María de la Victoria.
Nos encontramos ante una de las obras
sublimes del renacimiento. El éxtasis de
Santa Teresa, es un compendio de artes,
escultura y arquitectura. Donde Bernini supo
reflejar cada sentimiento de las figuras.
Está realizada en mármol blanco, y los rayos
del sol en bronce.
El tratado de los paños da un tremendo
dramatismo a la escena, y la terminación de
los cuerpos, que rompen toda regla
establecida, contiene un dinamismo que nos
desequilibra al mirarlas, que hace plantearnos
otro punto de vista desde el que ver la
escena.
Los rostros reflejan el dolor que sufren en ese
momento, y sus cuerpos se estremecen en
ese mismo instante.
Bernini
Alonso Cano
Nació en Granada en 1601 y mure en esa misma localidad.
Su padre, Miguel Cano Pacheco, era un prestigioso ensamblador de retablos de origen
manchego. Junto a él y su madre villarrobletana, la profesora de dibujo María Almansa
Pacheco, Alonso aprendió sus primeras nociones de dibujo arquitectónico y de
imaginería, llegando a colaborar tempranamente en los encargos de su padre, pues muy
pronto sus progenitores comenzaron a descubrir su enorme talento.
Virgen de las Olivas
Inmaculada
Estátua femenina
Virgen de la Oliva
Se encuentra en el retablo mayor de Lebrija.
Observamos el empuje y postura del estilo clásico.
La Virgen sostiene entre sus brazos al niño, que mira
atónito al igual que la madre hacia un horizonte lejano.
Las telas que cubren los cuerpos dejan ver la riqueza
espiritual de la Virgen, y como nada de ello es
comparable con la ternura con la que aguanta a su niño.
La técnica usada por Alonso Cano para la realización de
los pliegues es magnifica, fiel a al realidad y son uno de
los elementos principales que destacan de la obra al
completo.
Alonso Cano
Inmaculada
Realizada en 1656. La podemos
contemplar en la sacristía de la catedral
de Granada.
Una representación de la Virgen
Inmaculada que se nos presenta con las
manos unidas rezando, y con la mirada
dirigida al suelo.
La vemos vestida con túnica verde y capa
azul, los claros colores armónicos de
vitalidad, esperanza y virginidad.
Alonso Cano
Estatua femenina
Vemos a una María madre de Dios o María
Magdalena que sufre al tener en sus manos la
cruz en la que crucificaron a su hijo.
Es una de las obras más pasionales donde
podemos ver a María llevando consigo la cruz
donde su hijo fue crucificado y matado.
Vemos como la mirada de María va dirigida a la
cruz, y presenta la mano derecha en el pecho
señalando el dolor que sufre y el dolor que deja
en su corazón su partida definitiva.
Va vestida con túnica de trapo, humilde, con el
pelo suelto y descalza.
Alonso Cano
Auguste Rodin
Auguste Rodin nació en París en 1840, y muere en Meodon en 1917.
Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista.
Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el
escultor encargado no solo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en
las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta
concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido
denominado en la historia del arte el primer moderno.
El beso
La daide
Toilette de Venus
El beso
Realizada
en
1886.
Está
compuesta en mármol. Tiene
unas medidas de 1,90 X 1,20 X
1,15 cm. La podemos encontrar
en el museo Rodin de París.
Una composición dinámica y
desequilibrante, ya que los
cuerpos de los amantes se
retuercen para poder encontrar
sus bocas.
La calidad de la obra recae en su
terminación
de
influencia
claramente clásica y el detallado y
preciso movimiento de las figuras.
Se trata de una obra realizada
para ser contemplada desde
todos los puntos de vista.
Rodin
La daide
Con unas medidas de 2,5 X 3,5 X 2,5 cm,
se encuentra en el Museo Parastoril. Está
fechada en 1885.
Se trata de una de una escultura con dos
figuras femeninas, una sobre otra.
Los cuerpos tiene una terminación suave y
delicada, dándole un punto de niñez y
ternura.
La gran textura que recoge el pedestal
imitando a al piedra, hace más llamativo la
suavidad e los cuerpos.
Es una composición muy equilibrada y con
un movimiento lento y pausado.
Rodin
Toilette de Venus
Escultura de Rodin, donde vemos a Venus
bañándose. Tiene unas medidas de 5,5 X 2,5 X
2,5. Fue realizada en 1885 y está realizada en
bronce.
Vemos como Venus se lava los cabellos, para
ellos tienen que estirarse y retorcerse, dándole
a su cuerpo un gran movimiento y un
desequilibrio natural.
El juego de luces y sombras que crea el bronce,
da a Venus un punto de idealización.
Rodin
Henry Moore
Nació en Castleford, Inglaterra, en 1898, y muere en Huch Hidhan, Inglaterra en 1986.
Fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que
pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte píblico.
Figura de mujer
Arnless
Escultura de mujer
Figura de mujer
Escultura fechada en 1938, vemos
como la concepción de figura y de
cuerpo femenino a cambiado
radicalmente a lo largo de la
historia, donde antes se buscaba
lo más puramente natural e
icónico, ahora se halla la esencia
de cada objeto, dejando que la
mente cree esos cuerpos, los
imagine y los diseñe a su antojo.
En este caso, la mujer se nos
presenta tumbada, con la pura
textura de la madera en la que ha
sido esculpida, y nos mira
directamente mientras cruza la
piernas.
Henry Moore
Arnless
Escultura realizada en bronce,
compuesta por dos partes y fechada
en 1975.
Esta figura de mujer nos deja ver
como yacente, nos mira y apoya su
brazo izquierdo en el suelo para
aguantar el equilibrio.
Se deduce que esta tranquila y
quieta, ya que en el acabado no se
presencia tensión alguna, y sus
curvas son delicadas y sutiles.
Destaca el brillo que le da el pulido
del bronce.
Henry Moore
Escultura de mujer
Escultura de exterior, de 1980, realizada en
bronce.
Volvemos a encontrar una figura femenina
tumbada frente a nosotros y que gracias a
ello, deducimos un cierto dinamismo dentro
de la estaticidad de las formas y del gran
equilibrio que existe en ella.
La armonía de olores de la estatua y su
pedestal, hacen concordar en cualquier
rincón, ya que fueron diseñadas para el
exterior y para que fueran observadas y
contempladas por todos.
Henry Moore
Alexander Archipenhio
Nacido en Ucrania en 1887, muere en Nueva Cork en 1964.
Fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia.
Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr,
mientras que su apellido puede aparecer escrito como Archipenk.
Estudió pintura en Kiev desde 1902 hasta 1905, en la Escuela de arte de la ciudad, y
después continuó su educación artística como estudiante en S. Sviatoslavski en 1906.
El mismo año expuso en Kiev junto a Alexander Bogomazov. Ese mismo año se trasladó
a Moscú, donde pudo mostrar su obra en algunas exposiciones colectivas.
Escultura femenina 1
Escultura femenina 2
Escultura femenina 3
Escultura femenina 1
Escultura femenina con un tremendo
dinamismo pero muy bien equilibrada.
Como vemos se encuentra con el brazo
derecho levantado, mientras que el pelo
le cae por el lado izquierdo de su cabeza.
Se encuentra desnuda y la delicadeza de
las cuervas nos llevan a pensar que no
existe una tensión por parte del cuerpo.
Fue realizada en bronce con el fin de que
sea expuesta en la calle, y posibilitar su
contemplación desde cualquier punto de
vista y a cualquier hora del día.
Alexander Archipenhio
Escultura femenina 2
Escultura femenina con un tremendo
dinamismo pero muy bien equilibrada.
Como vemos se encuentra con el brazo
derecho levantado, mientras que el pelo
le cae por el lado izquierdo de su cabeza.
Se encuentra desnuda y la delicadeza de
las cuervas no levan a pensar que no
existe una tensión por parte del cuerpo.
Fue realizada en bronce con el fin de que
sea expuesta en la calle, y posibilitar su
contemplación desde cualquier punto de
vista y a cualquier hora del día.
Alexander Archipenhio
Escultura femenina 3
Figura elegante y esbelta de una mujer.
Una síntesis de lo que es el caminar
pausado y con elegancia de una mujer que
viste un traje de noche.
El acabado brillante de la madera le
propicia cierto prestigio, y las manos a la
espalda nos anuncia su desfile de
exhibición.
Puede que nos encontremos ante una
mujer que se encuentra en una cena de
gala, o quizás una modelo que desfila para
enseñar las ropas que porta.
Alexander Archipenhio
Lista de fotógrafos
Julia Margaret Cameron
Lewis Caroll
Dorothea Lange
Cecil Beaton
Bill Brandt
Helmont Newton
Diane Arbus
Richard Avedon
Steve McCurry
David Lachapelle
Juliat Margaret Cameron
Nació el 11 de junio de 1815 y falleció el 26 de enero de 1879.
Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como
a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la
fotografía academicista.
Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su
reivindicación por parte de los fotórafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo
literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.
Ellen Terry
Julia Jackson
I wait
Ellen Terry
Fotografía de 1864, donde Julia Margaret
Cameron retrata a Ellen Terry a la edad de
16 años.
Se trata de una fotografía en analógico, con
un virado a sepia, con formato redondo.
Vemos una imagen estática, típica pose de
moda, donde el personaje aparece apoyada
en una pared y mira al suelo, con su mano
derecha se cubre el pecho a modo de
protección.
Juliat Margaret Cameron
Julia Jackson
Retrato de Juliat Margaret Cameron de 1867.
Se trata de una composición muy estática, típico retrato
familiar, donde la modelo mira al espectador, pudiéndose
visualizar los rasgos de su cara.
Es una fotografía realizada en analógico con un virado al
sepia.
Para este retrato se ha usado una iluminación lateral con
un spoot direccionado al pelo para darle brillo.
Se ve como la luz usada es dura puesto que las sombras
de la cara se presentan bastante acusadas.
Juliat Margaret Cameron
I wait
Fotografía de los años 60, puramente de moda.
Es una fotografía realizada en analógica en blanco y
negro.
Se nos presenta a una niña con alas de ángel y con los
brazos cruzados. Se encuentra en una actitud paciente,
de espera.
Se compone de varias luces muy suaves que hacen
desaparecer toda sombra en el rostro y un spoot cenital
para darle brillo al pelo en la parte superior.
Juliat Margaret Cameron
Lewis Caroll
Charles Lutwidge Dodgson era el nombre verdadero del autor de las "Aventuras de Alicia
en el País de las Maravillas", y de "A través del Espejo”.
Nacido en Daresbury, Inglaterra, era el mayor de 11 hijos: cuatro varones y siete niñas.
A los 18 años, ingresó en la Universidad de Oxford, en la que permaneció durante cerca
de 50 años, y en la que obtuvo el grado de bachiller y se recibió de preceptor. Fue
ordenado diácono de la Iglesia Anglicana y enseño Matemáticas a tres generaciones de
jóvenes estudiantes de Oxford, y lo que es más importante, escribió dos de las más
deliciosas narraciones que se han producido en el campo de la literatura.
Alicce Liddell
Niña pequeña
Mujer en la playa
Alicce Liddell
Fotografía de 1858 de Lewis Caroll.
Retrato a Alicce Lidell, hija de una amigo suya, y musa
para el autor para la creación de uno de los más
prolíferos libros infantiles de la historia, Alicia en el país
de las maravillas, y Alicia a través del espejo.
Se trata de una fotografía realizada en analógica en
blanco y negro. Está tomada en el exterior.
Vemos como en su mano derecha sostiene algo que
no vemos, un pajarillo posiblemente.
Lewis Caroll
Niña Pequeña
Fotografía en color .
Se trata de un retrato en primer plano con
una luz suave en la cara, y un contraluz
en el pelo.
Posiblemente está realizada en el exterior
y la modelo fue colocada debidamente
para conseguir los efectos deseados.
Vemos como el retrato está compuesto
mediante la regla de los tercios y destacan
sus ojos como elementos principales,
seguidos por la boca que también ocupa
un lugar muy importante en la fotografía.
Lewis Caroll
Mujer en la playa
Fotografía de Lewis Caroll.
Se nos presenta a una mujer en el borde de un
acantilado, al más puro estilo de cuento de
fantasía.
Es una fotografía en analógica con un leve
virado al sepia y con un contraste junto para
poder ver tanto las olas rompientes del mar
contra las rocas como a la modelo que nos
mira invitándonos a ver el paisaje que tiene
delante suya.
Con una composición equilibrada y relajada,
nos presenta a la modelo en la parte derecha
mientras que el otro punto de interés queda en
las olas del mar que chocan contra las rocas en
la parte izquierda.
Lewis Caroll
Dorothea Lange
Nace en 1895 en Hoboken. Con siete años contrae la poliomielitis. Le afecta a la pierna
derecha, hecho que le marcará para toda la vida
Aunque se inició estudiando en la Clarence White School, de marcado carácter
pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como
reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo. Su
obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión. Una profunda
crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron más remedio que abandonar sus
casas en busca de una tierra prometida.
Retrato de mujer con niños
Familia
Niña tumbada
Retrato de mujer con niños
Retrato de la madre de familia con sus hijos de
1936.
Se trata de una fotografía en analógico en blanco y
negro de una composición muy estática y
equilibrada.
Se puede clasificar dentro de las fotografías de
carácter, o personales, ya que vemos como el
rostro de la mujer nos expresa el sufrimiento de
criar a dos niños ella sola, como el blanco y negro
le da el toque de nostalgia y su mirada perdida, da
un punto de tranquilidad y serenidad.
Dorothea Lange
Familia
Retrato familiar de 1936.
Una madre con sus dos hijos nos muestras
sus escasas pertenencias, como es posible
vivir con poco y a pesar de eso ser felices.
La fotografía está compuesta en el centro,
bastante equilibrada y con un virado al sepia
que le da aspecto de dignidad a pesar de la
pobreza que se ve a sus alrededores.
Dorothea Lange
Niña tumbada
Niña retratada por Dorothe Lange en un campo.
Es una fotografía de exterior, pudiéndose denominar
de moda, en blanco y negro y realizada en analógico.
La niña se encuentra tumbada boca arriba, mirando
al cielo, y la cámara a sus pies crea un ángulo picado
que nos incrementa la sensación de desequilibrio.
Sus manos colocadas una detrás de su cabeza y la
otra dejada caer a su lado, le da dignidad y felicidad
a la fotografía.
Dorothea Lange
Cecil Beaton
Nació en Londres en 1904 y falleció en Salisbury en 1980
Fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico.
Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus propios retratos
de sus hermanas.
En los años 20 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue.
Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran
Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra
diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi y My Fair Lady.
Maryling Monroe
Lili Marleen
Laura
Maryling Monroe
Retrato de Maryling Monroe de 1956.
Es un retrato de carácter, donde vemos
una Maryling cubierta con telas, con una
flor entre sus manos.
La clave alta usada para la realización de
esta fotografía nos da la sensualidad que la
fotografía busca con la pose.
Está realizada en analógico y tiene un leve
virado a sepia que junto con el revelado
selectivo nos acentúa la sensación de
antigravedad.
Cecil Beaton
Lili Marleen
Un retrato en clave baja de Lili Marleen.
Está realizada en un estudio, y vemos como la
mirada penetrante de Lili nos mueve a través de
un mundo desconocido que incrementa con la cara
de apatía que nos muestra.
Se ha usado una luz lateral dura junto con una luz
de relleno para el pelo.
Las flores que sostiene en su mano nos hacen ver
la gran calidad de sus fotografías y la intención de
querer dar un poco de vida a un retrato sin
movimiento.
Cecil Beaton
Laura
Laura, fue retratada en 1979, en exterior y a la luz dura
del día.
Vemos como es definitivamente lo que podemos llamar
una fotografía de moda, donde la pose y el atrezzo es lo
más importante.
El vestido blanco que lleva Laura queda perfectamente
iluminado con la luz del sol y vemos como la modelo está
dispuesta para que la luz se dirija donde debe de
dirigirse, sin que nada en la fotografía quede oculto o
demasiado iluminado.
Es una composición equilibrada y poco dinámica,
pudiendo disfrutar tranquilamente del vestido y de la luz
que lo envuelve.
Cecil Beaton
Bill Brandt
Nació en Hamburgo en 1904 y falleció en Londres en 1983.
Sus primeros trabajos son de fotoperiodismo, así en su primer libro " The English at
Home" , hace un análisis de la estructura social de los británicos, mostrando las
diferencias sociales, una contraposición de la vida trabajadora y otra acomodada.
Al igual, en su segundo libro " A Nigth in London ", hace una aproximación a las
situaciones sociales de Londres.
Después de la guerra su estilo cambia, y comienza a fotografiar desnudos y retratos.
En este nuevo camino, y en especial en los desnudos, es donde el fotógrafo consigue una
mayor personalidad, vuelve a sus orígenes.
Desnudo en el sofá
Niña limpiadora
Mujer deformada
Denudo en el sofá
Fotografía de 1949.
Fotografía en blanco y negro en un interior y
con una iluminación plana, sin sombras y en
clave alta.
Las piernas de la modelo quedan estiradas
por la deformación de la lente, era un juego
que a Bill Brandt hacia con muchas de sus
modelos.
Como vemos está todo bien dispuesto, las
líneas todas convergen al mismo punto y las
piernas nos dirigen la vista hasta la cara de la
modelo que se encuentra con los brazos
cruzados tapando sus pechos.
Bill Brandt
Niña limpiadora
Una imagen tierna y ala vez protesta,
donde vemos a una niña que se encuentra
fregando el suelo de su casa.
Está realizada en blanco y negro, con un
alto contraste entre estos dos tonos.
La luz que le llega a la modelo es la
natural de la calle. Y se puede decir que la
pose es totalmente natural.
Es una composición equilibrada y con un
dinamismo mínimo aunque no es
totalmente estática ya que la niña se
encontraba en ese momento realizando la
acción y no se detuvo para ser
fotografiada.
Bill Brandt
Mujer deformada
El autor dedico una parte de su carrera como
fotógrafo a deformar las piernas de las
modelos, haciéndolas más grandes, más
gordas o deformarlas por completo.
En este caso, tenemos una fotografía en
blanco y negro en un interior, con unas luces
equitativas que dejan el cuerpo casi libre de
sombras.
El ventanal de la derecha y la luz que entra
por él, nos equilibra la escena, ya que el
peso visual de la pierna aumentada es
complicada de equilibrar, y una buena
solución es hacerlo con luz.
Bill Brandt
Helmon Newton
Es uno de los grandes fotógrafos que nos ha dejado el Siglo XX.
Artista sin igual; ha impregnado en cada una de sus fotografías un sello original y distinto
que permite diferenciar su trabajo del de cualquier otro artista.
Nace en Berlín en 1920, en el seno de una familia pudiente judía. Con la llegada de
Hiztler al poder y la persecución contra los judíos tiene que salir del país y hace una
primera parada en Singapur, donde trabaja como fotógrafo en un diario.
Las inquietudes artísticas ya habían brotado en el joven Newton, quien hizo sus primeros
pinitos en la fotografía con tan solo 12 años.
Atenea Lemnia
Artemis
Atenea Phartenos
Atenea Lemnia
Fotografía de moda, realizada en un
estudio, sombras suaves y atendiendo al
estereotipo de mujer que predominaba en
los años en la que fue realizada.
Es una fotografía en blanco y negro con
un dinamismo otorgado a la modelo que
se sitúa frente a las demás.
Es una fotografía muy estática, las tres
modelos del fondo la equilibran con su
disposición dentro del encuadre, y la
cuarta modelo y principal, nos guía con
su movimiento pero a la vez nos divide la
escena en dos.
Helmon Newton
Artemis
Fotografía de Helmon Newton,
donde
vemos
dos
modelos
colocadas para a realización de una
fotografía puramente de moda.
Es una fotografía en blanco y negro,
estática completamente y muy
equilibrada.
Las líneas horizontales del canapé
se acentúan con las curvan de la
mujer que se encuentra tumbada.
Así mismo las líneas verticales se
completan con la modelo que esta
medio incorporada en la escena y
que da altura a la fotografía.
Los ventanales que
se nos
presentan de fondo dan una gran
profundidad a la fotografía.
Helmon Newton
Atenea Phartenos
Fotografía de moda.
Es una fotografía donde la modelo insinúa
más de lo que deja ver. Los ojos de la modelo
no nos miran a nosotros si no que mira al
fotógrafo que intuimos que se trata del brazo
que aparece en la parte derecha de la
fotografía y que equilibra la escena en
contraposición con el cuerpo de la modelo.
Realizada en blanco y negro, da mucho más
dramatismo a la escena, donde realmente no
sabemos lo que sucede, ni las intenciones de
esa mano que aparece.
El alto contraste de la escena nos hace perder
algunos detalles de la ropa que lleva la modelo
pero nos hace ver algunos más interesantes
de la modelo en sí.
Helmon Newton
Diane Arbus
Nacida en Nueva York en 1923 y muere en Greenwich en 1971.
Fotógrafa estadounidense.
Perteneciente a una familia adinerada desde pequeña recibió la más exquisita educación
de la época.
A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18
años.
En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como
Esquire, Vogue.
Retrato de una pasión
Muerte Venecia
Gemelas
Retrato de una pasión
Fotografía de cuerpo humano e los años
60.
Se trata de una fotografía en analógico con
un virado a sepia.
Es una fotografía que la podemos clasificar
en la categoría de moda.
Es una mujer semidesnuda, con una pose
“digna”, que sin pudor nos enseña su
cuerpo.
Es un retrato muy equilibrado por las reglas
de los tercios y muy estático, ya que la
mujer aparece posando para la cámara.
Diane Arbus
Muerte Venecia
Fotografía de Diana Arbus de los años 60.
Nos presenta una retrato en primer plano
de una anciana disfrazada con los típicos
atuendos del carnaval veneciano.
Es una fotografía en blanco y negro, con
el personaje centrado y equilibrado. El
contraste que se nos plantea es lo que
más destaca del retrato, ya que con el
podemos apreciar las arrugas del rostro
que dan una sabiduría y una experiencia
al personaje.
Diane Arbus
Gemelas
Retrato de plano americano de Diane
Arbus de los años 60.
Es una fotografía de dos gemelas en
blanco y negro en las que vemos la
similitud que existen entre ellas, así
mismo, vestidas idénticas y con la misma
pose, cabría pensar que es un espejo lo
que se ha colocado para hacer la foto.
El contraste existente y la iluminación
dada es oportuna para la realización de
estos retratos, ya que no queda ninguna
parte de las niñas ni muy expuestas ni
poco expuestas.
Diane Arbus
Richard Avedon
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los
años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar,
donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía.
Posteriormente, habrá de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y
Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70.
En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al
conseguir acabar con el mito de que los modelos deben proyectar indiferencia o sumisión.
Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus
gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente
decididos.
Fotografía de moda
Maryling Monroe
Fotografía de moda 2
Fotografía de moda
Fotografía de moda.
Vemos como el dinamismo reina en las
fotografía de Richard Avedon, el
equilibrio se reduce a lo mínimo, ya que
el juego de luces y movimientos nos
dirige la mirada de una figura a otra.
Se trata de una fotografía en blanco y
negro con un alto contraste entre la piel
de las figuras y los trajes negros que
portan.
Richard Avedon
Maryling Monroe
Volvemos a tener una fotografía en blanco y
negro, creándose un interesante contraste
entre el traje de la modelo y su piel.
Es una fotografía bastante estática, muy
centrada y con un carácter muy pasivo.
El característico pelo ondulado de la
protagonista, le da gran juego a Richard
Avedon para crear un buen efecto de luces y
sombras.
Richard Avedon
Fotografía de moda 2
Una de sus fotografías más dinámicas y
con movimiento, pero a pesar de ello, está
realmente bien compuesta, dándole una
vital importancia al movimiento del pelo.
Es una fotografía en blanco y negro, con
encuadre horizontal, realizada en estudio
con flash en picado frontal y luz de relleno
en contrapicado.
El juego del pelo, nos direcciona la mirada
desde los ojos de la modelo hacia el pelo,
que nos vuelve a enviar hacia los ojos de
ella, haciendo que la mirada recorra un
circulo.
Richard Avedon
Seteve McCurry
Nacido en Philadelphia en 1950, está considerado uno de los mejores
fotógrafos del mundo.
En 1984 fue ganador del premio al mejor fotógrafo por la Asociación de
Fotógrafos de Prensa.
Colaborador habitual de National Geographic y de numerosas publicaciones
fotográficas, el reconocimiento le llegó de la mano de la que fue su mejor
fotografía.
Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha afgana en el
campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar.
Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo en la que fue la portada más
sonada de National Geographic.
La niña de los ojos
Niña roja
La niña del cristal
La niña de los ojos
Fotografía de 1984. Realizada en Nasir
Bagh.
Se trata de la más famosa
fotografía de Steve McCurry.
Esta compuesta con verdadera
profesionalidad y donde vemos el
carácter
periodístico
que
denominaba su fotografía.
Es una fotografía centrada y
estática así como con un contraste
de colores llamativo, ya que el
verde del fondo y el rojo del burka
de la mujer son completamente
opuestos.
Seteve McCurry
Niña roja
Fotografía periodística, donde el
contraste de colores es realmente
llamativo.
La figura se sitúa ala izquierda con
un tono intenso, y a la izquierda
equilibrando la escena un verde
eclipsado por una figura oscura que
se
encuentra
casi
negra
equilibrando la escena.
Los ojos grandes y blancos de la
niña son el elemento predominante
de la escena, y nos dirigen a ese
punto la mirada, y nos hace recorrer
la imagen muy lentamente.
Seteve McCurry
La niña del cristal
Fotografía de carácter periodístico.
Volvemos a ver como el contraste
del rojo del traje de la mujer y el azul
del fondo son unos de los elementos
característicos de la escena.
Además de eso, cabe destacar el
contraste de culturas, como unos
van en coche mientras llueve y otros
sin embargo se mojan sin poder
evitarlo.
Los ojos de la niña pequeña son un
gran punto de interés en la
fotografía, ya que mira casi con
admiración e incredulidad el interior
del coche.
Seteve McCurry
David Lachapelle
Nació en Fairfield 1963.
Es un fotógrafo y director estadounidense, cuyo trabajo se caracteriza por presentar
imágenes surrealistas y grotescamente glamorosas.
Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas
vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre,
Helga LaChapelle, quien vestía un bikini y bebía champaña en un balcón. Desde ese
momento, quedó obsesionado con la fotografía.
Semidesnudo
Mujer con casa destruida
Mujer con bandera de EEUU
Semidesnudo
Fotografía en color.
Se nos presenta una fotografía de moda,
donde la modelo esta completamente
centrada en ella, el estatismo es brutal,
llegando a parecer un maniquí que mira a la
cámara.
La modelo ha sido colocada en una espacio
reducido, y las luces usadas dan muy
homogeneidad de sombras a la figura.
El contraste de colores, el tono tierra de la
piel de la modelo, y los azules eléctricos del
fondo, hacen que la figura se nos venga hacia
delante y que sea fácilmente destacable.
David Lachapelle
Mujer con casa destruida
Es una fotografía de contraste, tanto
en las figuras como en los colores.
Primeramente destacar la clara
disposición para la moda de la
fotografía, ya que la modelo aparece
claramente
posando
para
el
fotógrafo; y segundo, el contraste de
colores entre los saturados rojos del
traje de la modelo y los tierra
apagados del fondo, así como el azul
del fondo del cielo.
Es una composición equilibrada, con
la modelo situada a nuestra izquierda
de la fotografía, compensada con el
desorden y caos de la derecha.
David Lachapelle
Mujer con bandera de EEUU
Una fotografía en color, claramente clasificable en
moda.
La modelo se encuentra posando para la cámara,
en actitud erótica. La vemos sentada en un
asiento de metal brillante, con un fondo de la
bandera de los Estados Unidos.
Se crea un alto contraste en la iluminación que
tiene la modelo casi sin sombras y la bandera del
fondo que tiene colores algo desaturados.
La mirada de la modelo, nos crea un recorrido por
el cuerpo de ella y nos invita a mirarla hasta salir
de la fotografía por su pierna.
David Lachapelle